У модистки (1882)
Дега всегда считал себя реалистом, хотя и рисовал в манере импрессионизма. Реализм его работ настолько велик именно за счёт изображения реальных моментов из жизни парижан. Однажды он проходил мимо витрин дамских шляпных магазинов и не смог отвести глаз от происходящего за витриной. В результате таких наблюдений появился целый цикл «У модистки».
Одна из первых картин изображает двух дам — покупательниц, одна из которых примеряет шляпку. В своей работе Дега использует диагональную композицию, на переднем плане изображены аксессуары — всевозможные шляпки. Но они не отрывают внимания зрителя, его привлекают именно увлечённые дамы, которых словно застали врасплох за примеркой модных шляпок.
9
«Голубые танцовщицы». Картины Дега
Рассуждая о своем творчестве, Дега говорил, что когда художник пишет с натуры, то всегда отвлекается на детали, его глаз перестает замечать основное. Другое дело, когда он делает это по памяти — тогда через линию все выкристаллизовывается в одну общую идею. Натурщицы Дега, как правило, занимались повседневными делами: стирали, купались, расчесывали волосы. А он, расставив в мастерской лестницы и развесив зеркала, внимательно наблюдал за ними, запоминая невиданные до этого ракурсы. Когда женщины уходили, Дега начинал творить.
В начале 70-х годов XIX века художник увлекся балетом. На своих полотнах он не хотел изображать балерин как зритель, его больше интересовали движения, одежда, наконец, что-то личное в каждой из танцовщиц. Именно балет, в котором Дега видел не только изящество, грациозность, волшебство, но и изнурительный ежедневный труд, принес ему невиданный успех.
Наблюдая за балеринами на репетициях, художник не делал зарисовок, понимая, что это будет отвлекать «натурщиц». Он запоминал. В личных документах Дега были обнаружены негативы одной-единственной балерины в различных ракурсах. Существует мнение, что именно по ним была создана одна из лучших композиций художника «Голубые танцовщицы».
Голубые танцовщицы, 1897 год. (wikipedia.org)
Другую серию картин Дега посвятил совсем иным женщинам — прачкам, гладильщицам, модисткам. Но одно в его работах осталось неизменно: женщины, занимаясь монотонным, тяжелым трудом, отдают часть себя, чтобы сделать жизнь других людей красивее и чище.
На многих полотнах Эдгара Дега главные действующие лица — купальщицы. Другие живописцы, изображая обнаженных женщин, любуются их телами, подчеркивают достоинства своих натурщиц. На картинах Дега женщины не позируют. Они даже не подозревают, что за ними наблюдают. Принимая ванну или отдыхая, они всегда естественны и непринужденны.
Побеждая кислоту. Секреты картины Рембрандта «Даная»
15 июня 1985 года 48-летний безработный из Каунаса Бронюс Майгис посетил Эрмитаж и вошёл в историю. От других посетителей будущего пациента психиатрической клиники с диагнозом «вялотекущая шизофрения» отличало то, что с собой в музей он принёс нож и банку с серной кислотой. Перед тем, как облить «Данаю» Рембрандта, он два раза ударил картину ножом. Как утверждают некоторые очевидцы, акт вандализма сопровождался выкриками «Свободу Литве!». Однако эти показания нельзя считать надёжными, как и сообщения о том, что мужчина также планировал устроить взрыв.
Несмотря на то, что к спасению картины приступили сразу же и уже к вечеру реставраторы остановили химическую реакцию, сильно пострадала центральная часть картины — фигура Данаи. Кислота оставила в красочном слое глубокие отметины. Практически полностью была уничтожен фрагмент, изображающий драпировку на ногах.
На реставрацию картины ушло 12 лет. После атаки эксперты предлагали поместить оригинал в хранилище, а в музее выставить копию. Однако в 1997 году полотно руки Рембрандта вновь выставили в Эрмитаже, но уже под бронированным стеклом. АиФ.ru рассказывает о секретах картины, которую чуть не уничтожил Майгис.
Куда исчез золотой дождь?
Рембрандт писал «Данаю» с 1636 по 1647 год. В основу шедевра лёг древнегреческий миф. Даная была дочерью царь города Аргоса Акрисия. Согласно преданию, последний должен был умереть от руки своего внука. Чтобы не допустить этого, правитель заключил дочь в подземелье и приставил к ней служанку. Девушка так бы и провела всю жизнь в темнице, если бы её не заметил бог Зевс, который проник в комнату в виде золотого дождя. После встречи с божеством Даная родила сына Персея, который впоследствии исполнил пророчество.
Легенда была довольно популярным сюжетом у живописцев. К нему, например, обращались такие знаменитые художники, как Тициан, Корреджо, Госсарт и Климт. Основное отличие картины Рембрандта от предшественников было в том, что он не изобразил на картине Зевса. Традиционно падающий золотой дождь, который художники рисовали с помощью охры, голландец в последней версии картины заменил золотистым светом, пробивающимся сквозь балдахин.
Жена с чертами любовницы
Ещё одна загадка, долго мучившая искусствоведов, — почему лицо Данаи не похоже на лицо жены Рембрандта Саскии, которая была его музой и умерла всего через восемь лет после свадьбы. Художник часто использовал её в качестве натурщицы. «Данаю» Рембрандт начал писать спустя два года после того, как они поженились, а значит, писал не по памяти.
В 1956–1962 годах полотно изучили с помощью рентгеноскопии. Выяснилось, что художник изменил картину уже после смерти жены. Историки утверждают, что на этот шаг живописец решился из-за скандала, который ему устроила одна из его любовниц Гертье Диркс, которая ревновала его к покойной супруге. После ссоры Рембрандт изменил причёску, выражение лица, положение рук и ног, а также освещение тела Данаи. Надо отметить, что роман с Диркс продлился недолго. Роман закончился, когда она потребовала, чтобы знаменитый художник на ней женился. Последний отказался, и его обязали выплачивать любовнице отступные. Несмотря на финансовую помощь, уже через год Диркс оказалась в тюрьме.
Без сожаления
Впрочем, все эти факты биографии художника были неизвестны Майгису, который с трудом окончил четыре класса школы. Обвинительный приговор вандалу суд Ленинграда вынес 26 августа 1985 года. Мужчину освободили от уголовной ответственности, так как признали душевнобольным. Какое-то время мужчина лечился в психиатрической клинике в Ленинграде, а потом был отправлен на родину. Его довольно быстро выпустили из лечебницы, так как Литва стала независимым государством. О дальнейшей судьбе этого человека мало что известно. Однако о содеянном он вряд ли сожалел.
«Я лично считаю себя человеком здоровым. Никакого сожаления о том, что я уничтожил шедевр мирового значения, я не испытываю. Значит, его плохо охраняли и берегли, если мне это так сравнительно легко удалось сделать», — заявил Майгис одной из литовских газет.
25 картин, зная которые, сойдешь за умного
Стиль: Позднее Возрождение.
Описание картины: в основе сюжета полотна Тициана – миф о Данае, красотой которой пленился Зевс и проник к ней в спальню в виде золотого дождя. В результате на свет появился Персей. Всего были написаны пять Данай, которые хранятся в музеях по всему миру.
Художник был венецианцем, а школа живописи этого города сильно отличалась от того, что делали итальянцы в то время. В частности, в Венеции было особенное отношение к свету. Тициана многие даже называют предтечей импрессионизма. Даная на его полотне – это венецианский образ античной дамы, которая находится в состоянии эротического томления. Она похожа на простую женщину со своими земными желаниями. До Тициана художники не осмеливались так изображать чувственность.
Где находится: Россия, Санкт-Петербург, Эрмитаж.
Стиль: барокко.
Описание картины: про Караваджо говорили, что он был гениальным чудовищем. Такое прозвище он получил за пугающий реализм в картинах. Он не стеснялся изображать святых с грязными руками, ногами и следами загара. Картина «Положение во гроб» создавалась для церкви Кьеза Нуово. Для того чтобы картина получилась естественной, Караваджо выкапывал из могил трупы, приносил в мастерскую и заставлял натурщиков держать их на весу. Тем, кто отказывался, художник угрожал убийством.
Помимо реализма для Караваджо характерно переосмысление света и тени в произведениях. Только на первый взгляд его картины кажутся темными. Художник для усиления драматизма погружает во тьму все происходящее, а ключевые композиционные моменты выделяет боковыми ударами света. Караваджо перевернул страницу в истории живописи, позже его находки нашли развитие в эпоху барокко. Кстати, «Положение во гроб» в итоге было отвергнуто церковниками.
Где находится: Ватикан, Пинакотека.
Стиль: барокко.
Описание картины: одно из самых узнаваемых полотен Рубенса. В основе сюжета лежит миф о братьях Диоскурах, сыновьях Зевса и Леды, которые похитили дочерей царя Левкиппа. Рубенс прославился изображением пышнотелых женщин. И на этой картине они настолько огромны, что кажется, похитители вот-вот упадут под их тяжестью. Все фигуры вписаны в круг. Цветовое решение построено на контрастах: бледным телам обнаженных женщин противопоставлены крепкие загорелые мужчины. Декоративный эффект усиливается разноцветными тканями.
Картина представляет собой классическое произведение в стиле барокко, жизнелюбивого направления в искусстве. В XVII веке человек уже почувствовал скоротечность жизни, и это заставило людей по-иному воспринимать окружающий мир. Поэтому и в похищении нет ни драмы, ни страдания – все похоже просто на игру.
Где находится: Германия, Мюнхен, Старая пинакотека.
Как готовили наложниц: секреты султанского гарема
Стиль: барокко.
Описание картины: самое значительное и известное полотно знаменитого испанского мастера придворного портрета. И единственная картина Веласкеса, на которой Филипп IV и его супруга Марианна изображены вместе. Они отражаются в зеркале, находясь за спиной зрителя, а художник пишет их портрет. В центре картины – их пятилетняя дочь инфанта Маргарита со своей свитой, которая выглядит старше и умнее своих лет. Перед Веласкесом стояла сложная задача: он был придворным художником и обязан был возвышать королевских особ. Однако при этом он стремился сделать портреты максимально похожими, передать черты характера и сохранить индивидуальность.
Торжественное полотно позволяет понять времена расцвета барокко и погрузиться в придворную культуру Испании. Особое место в творчестве Веласкеса занимают карлики. Их держали при дворе как домашних животных. Чтобы подчеркнуть эту аналогию, художник изображает на переднем плане собаку.
Где находится: Испания, Мадрид, музей Прадо.
Стиль: барокко.
Описание картины: нидерландская живопись отличается простотой сюжетов. Художники описывали тихую повседневную жизнь. В этой картине сочетаются бытовой жанр и натюрморт
Основное внимание сосредоточено на кувшине, струйке молока и хлебе, стоящем на столе. Несмотря на небольшой формат произведений Вермеера, он считается не малым, а великим голландцем
Популярность этой картины заключается в том, что там нет скрытых смыслов: она создана для того, чтобы наслаждаться цветами, положением теней и спокойной обстановкой тихого домашнего уюта. Изначально подобные произведения создавались для простой публики и считались предметами роскоши, которые должны быть в каждом доме.
Где находится: Нидерланды, Амстердам, Государственный музей.
Какое древнерусское имя вам подходит?
Столица Франции глазами Писсарро
Импрессионисты жили в Париже во времена больших перемен в городе. В XIX веке центр города обветшал и устарел: там не было канализации, он состоял из узких улочек, которые во время революций горожане загромождали баррикадами, и барон Осман, мэр Парижа, представил Наполеону III план по перестройке центра города. Обновить предстояло и бульвар Монмартр, и в уже перестроенном виде он предстал перед нами на картине Камиля Писсарро.
Писсарро всю жизнь провел в сельской местности, в очень маленьком городке Понтуаз и его окрестностях, но в поздние годы у него ослабло зрение, и ему пришлось переехать в Париж. Квартиру в мансарде, в которой написана эта картина, художник снял в последние дни своей жизни.
Писсарро писал в несколько этапов: сначала он делал рисунок-набросок, строил перспективу, а потом дожидался нужного освещения, и тогда уже брался за холст и масляную краску. Как и для любого импрессиониста, свет для этого мастера был не менее важен, чем изображение действительной жизни. А полотна Писсарро, на самом деле, очень живые: парижская толпа шумит, люди куда-то спешат, садятся в трамвай, несутся экипажи. Интересна манера создания этих экипажей: художник не выписывал детали, он просто клал небольшие мазки краски, и создал этим такое впечатление, что колеса крутятся, и весь силуэт находится в движении.
«Площадь Французского театра в Париже», Камиль Писсарро, 1898. (Эрмитаж)
Благодаря взгляду на Париж с высоты, по картинам Писсарро можно провести небольшую экскурсию по Парижу. На полотне «Площадь Французского театра в Париже» виден комплекс Пале-Руаяль, «Королевский дворец», который был изначально построен кардиналом Ришелье для собственных нужд, но потом его подарили королю Людовику XIV. Здесь появился самый старый парижский театр «Комеди Франсез», а пространство перед ним назвали «площадь Французского театра». Сегодня это площадь Мальро. На картине «Набережная Малаке в солнечную погоду» — левый берег Сены, где расположена Сорбонна и многие другие учебные заведения. Вдалеке виднеется купол так называемого института Франции, комплекс которого построил архитектор Луи де Во в XVII веке, когда были основаны Академия наук и Академия искусств. Правее виден шпиль древней часовни Сен-Шапель на острове Сите. Собор Парижской богоматери из своего положения художник не увидел.
Одну из примет Парижа, изображенных Писсарро, мы видим и сегодня. Вдоль набережной на картине расположились лавочки букинистов. Они появились как раз в XIX веке и продавали книги, старые газеты, небольшие рисунки и гравюры, афиши. Он располагали товар в деревянных ящичках на ограждении набережных. Ночью ящички закрывались. Букинисты были неотъемлемой частью жизни столицы Франции того времени.
Еще один парижский пейзаж Писсарро — картина «Сады Тюильри», написанная на улице Риволи, идущей вдоль Сены
Эта работа создана в 1900 году, важном для Парижа — тогда в городе проходила Всемирная выставка. Именно для нее построили здание, которое виднеется на противоположном от зрителя берегу реки
Сегодня это музей Орсе, и его судьба была непростой. Организаторы выставки решили привозить её гостей в центр Парижа на поезде, и для этого пришлось построить новый вокзал, который назвали «Орсе» по фамилии герцога, которому раньше принадлежали эти земли. После выставки вокзал оказался заброшен, у него постоянно менялись владельцы, и к второй половине XX века здание обветшало настолько, что его захотели снести, но к счастью, власти Парижа усвоили урок ошибки, совершенно в 1968 году, когда был снесен прекрасный рынок, построенный архитектором Бальтаром при бароне Османе. Это было красивое здание с кружевными металлическими перекрытиями. Орсе решили перестроить, и сейчас там помещается музей искусств, где, кстати, выставлено множество работ импрессионистов.
Неклассический импрессионист
Термин «Импрессионизм» возник только в 1874 году после нашумевшей парижской выставки. Толчком стала картина Клода Моне «Впечатление. Восходящее солнце» (impression с фр. – впечатление). Но принципы направления формировались с 60-х годов XIX века, сторонники в эти годы уже группировались в кружки.
Дега не был типичным импрессионистом, в отличие от них он:
- предпочитал закрытые пространства (хореографический класс, театр, кафе) и студийную работу,
- не писал пейзажей, его излюбленными темами были балерины, прачки и скачки,
- ставил превыше всего чёткий рисунок главного на картине, ничего не высветляя искусственно для придания ощущения праздничности,
- не избегал чёрного цвета, его в работах предостаточно.
Но непринятием академизма и классицизма, а более всего своей удивительной и оригинальной передачей «впечатления» от увиденного, часто совершенно обыденного, Эдгар Дега безусловно импрессионист. Ощущение жеста и динамики – его конёк: неожиданные и даже неудобные для глаза «кадры», асимметрия объектов, персонажи, не подозревающие о художнике. К примеру, «Оркестр оперы» (1870): музыканты к зрителю спиной и в профиль, головы балерин на сцене просто «не поместились», основной цвет картины чёрный. Или «Звезда балета» (1876-1878), где прорисована только главная героиня, остальные частично видны из-за кулис и весьма расплывчато. Конечно, художник не импровизирует, композиции в его произведениях продуманы до мелочей. Впрочем, самому Эдгару Дега не нравилось стремление общества непременно причислить любого художника к определённому направлению в искусстве, с возрастом он старался соблюдать дистанцию от всех – был ярким и своеобразным индивидуалистом.
Гладильщицы (1884–1886)
Фигура гладильщицы, зевающей от своей однотонной, утомительной работы, стала символом работницы XIX века. Женщина решила передохнуть и выпить немного вина. Её поза и весь внешний вид говорит о том, как у неё ноет спина, болят руки. Рядом с ней вторая гладильщица продолжает отутюживать ткань тяжёлым чугунным утюгом. Её усталость видно в напряжённой позе, когда она, опустив голову, пытается со всех сил давить на утюг обеими руками. Это тот Париж, который скрывается за яркими витринами и вывесками богатых магазинов и отелей. Повседневная тяжёлая безысходность работниц делает их жизнь невыносимой.
Дега отработал новую технику, когда грубый холст и грубые мазки создают на картине эффект пастели. Гуманизм картины как раз кроется в этой жёсткой живописи. Зрителю становится невыносимо жаль этих тружениц. И если это так, то Дега смог сдвинуть огромную глыбу проблем женского труда в Европе XIX века.
2
Различие Мане и Эннера
Одна из жемчужин коллекции импрессионистов в Эрмитаже — «Портрет м-ль Изабель Лемонье» кисти Эдуарда Мане. Этой молодой девушкой художник увлекся в последние годы своей жизни, когда уже был тяжело болен. Она происходила из знатной семьи, была дочерью ювелира с Рю де ля Пе — «улицы Мира». Это короткая улочка, известная своими ювелирными магазинами. Она отходит в сторону от Вандомской площади, которую украшает огромная колонна с барельефами, изображающими победы Наполеона Бонапарта.
На выставках, где показывали работы Мане, обязательно в витринах раскладывали его письма, ведь они очень интересны. Он писал и Изабель Лемонье. В одном из писем этой девушке он нарисовал сливу (он всегда рисовал что-нибудь в своих посланиях) и оставил надпись: «Эта мирабель — Изабель, но Изабель всех прекрасней».
Рядом с картиной Мане висит «Этюд женщины в красном» работы Жан-Жака Эннера
Возможно, такое расположение немного мешает восприятию «Портрета м-ль Изабель Лемонье», сделанного в спокойных тонах, потому что красное платье дамы с соседнего полотна переманивает внимание на себя. Эннер часто очень близок к классике, это касается и «Этюда», и множество его работ, в которых он писал обнаженных моделей: они идеализированы, а их фигуры очень вытянуты.
«Этюд женщины в красном», Жан-Жак Эннер, 1890-е. (Эрмитаж)
Дело в том, что многие художники того времени хотели выставляться в официальном Салоне французских художников. Это было не только престижно, но и вселяло в них надежду на то, что их картины купит кто-то из посетителей Салона. Часто это были разбогатевшие буржуа. Чисто импрессионистские, авангардные работы в Салоне не выставляли, поэтому многие художники, в том числе и Эннер, писали полотна, близкие к классике. Публика любила аккуратную декоративную живопись. По словам Натальи Валентиновны Бродской, главное различие между Эннером и Мане в том, что Эннер писал хорошенькую женщину, а Мане создавал красивую живопись.
Голубые танцовщицы (1898)
Небольшой квадратный лист бумаги превратился в настоящий шедевр под искусной рукой Дега. Волшебство, очарование этой картины неоспоримо. Изящество балерин, изысканный голубой цвет делает работу узнаваемой и необычайно эстетичной.
Балерины и балет были для Дега одной из любимых тем. Он рисовал девушек в самых различных позах, ракурсах, как будто выхватывал из ленты времени маленький фрагмент движений балерин. Эта картина, скорее всего, похожа на современную фотографию. У неё необычный ракурс — вид сверху. Зритель видит только изящные шеи, плечи и талии танцовщиц. Каждая балерина занята своим делом: одна поправляет бретельку платья, другая — проверяет, как сидит танцевальный костюм на её прекрасных плечах, третья пытается рассмотреть через плечо свои ноги, а у четвертой зритель видит только затылок и часть спины — видно, что балерина нагнулась завязать бант на пуантах.
Звезда (1876-1877)
Дега обожал балет, это видно, с какими любовью и трепетом он изображал своих балерин. Волшебный мир театра привлекал Художника со всех сторон — со стороны сцены, стороны кулис, балетных классов. Его интересовал весь процесс подготовки к балету. Именно пастель смогла вознести балерин Дега на уровень небожительниц. Изысканные мягкие тона, нежность, воздушность и прозрачность делают его работы превосходными. Центральная фигура картины — балерина, которая парит в воздухе, касаясь сцены кончиком пуантов. Она белоснежная, вся светится изнутри.
На заднем плане декорации и кулисы. Из-за декорации видна фигура респектабельного человека, мецената, роль которого в жизни примы неоднозначна. Эта фигура возвращает зрителя из волшебной страны эльфов в суровую земную жизнь.
5
Абсент (1893)
Перед зрителем разворачивается довольно интересный сюжет. В кафе за столиком сидит странная пара — трезвый мужчина с трубкой и выпившая женщина. Перед ней стоит бокал с абсентом. Поза женщины расслаблена, она бесцеремонно выдвинула вперёд ноги, опустила плечи. Её веки отяжелели и чуть прикрывают глаза. Она пьяна и абсолютно безразлична к окружающему миру. Мужчина, по всей видимости, не является спутником дамы. Он смотрит в окно с безучастным видом.
На картине изображено утро, о чём свидетельствует утренняя газета в руках господина, чьими глазами мы наблюдаем эту сценку. У дамы и у мужчины, видимо, была бурная ночь.
Действие абсента имеет определённый эффект на человека. Изрядно выпившие люди становятся равнодушными ко всему на свете, отчуждёнными. Дега смотрит на эту пару трезвым взглядом и подчёркивает пагубность этой привычки. А ведь пристрастие к абсенту было бичом XIX века.
7
