Презентация на тему: » Картины и биография Диего Веласкеса. Веласкес Диего (1599–1660), великий испанский живописец. Собственно, Диего Родригес де Сильва Веласкес.. Веласкес.» — Транскрипт:
1
Картины и биография Диего Веласкеса
2
Веласкес Диего (1599–1660), великий испанский живописец. Собственно, Диего Родригес де Сильва Веласкес.. Веласкес родился 6 июня 1599 года в городе Севилья в Испании, в семье португальских евреев, принявших христианство. Веласкес Диего (1599–1660), великий испанский живописец. Собственно, Диего Родригес де Сильва Веласкес.. Веласкес родился 6 июня 1599 года в городе Севилья в Испании, в семье португальских евреев, принявших христианство.
3
Учился в родном городе у живописцев Франсиско де Эрреры Старшего и Франсиско Пачеко (1610–1616), в 1617 получил звание мастера. До 1623 Веласкес работал в Севилье. Учился в родном городе у живописцев Франсиско де Эрреры Старшего и Франсиско Пачеко (1610–1616), в 1617 получил звание мастера. До 1623 Веласкес работал в Севилье. Франсиско де Эррера Старший Франсиско Пачеко Франсиско де Эррера Старший Франсиско Пачеко
4
Рано обратившись к кругу новых для испанской живописи тем и образов, в сценах из народной жизни бодегонес (от испанского bodegon – харчевня) создал галерею ярко характерных, полнокровных народных типов (Завтрак, около 1618, Эрмитаж, Санкт-Петербург; Водонос, около 1622, Музей Уэллингтона, Лондон ) Рано обратившись к кругу новых для испанской живописи тем и образов, в сценах из народной жизни бодегонес (от испанского bodegon – харчевня) создал галерею ярко характерных, полнокровных народных типов (Завтрак, около 1618, Эрмитаж, Санкт-Петербург; Водонос, около 1622, Музей Уэллингтона, Лондон ) Трое мужчин за столомТрое мужчин за столом, 1618 Эрмитаж, Санкт-Петербург Трое мужчин за столом ВодоносВодонос, 1622 Музей Уэллингтона, Лондон Водонос
5
В 1623 году Веласкес переехал в Мадрид и стал королевским живописцем. Знакомство с королевским собранием картин, встречи с Петером Паулем Рубенсом, посетившим Испанию в конце 1628 – начале 1629, и поездка в Италию (конец 1629 – начало 1631) содействовали совершенствованию его мастерства. В 1623 году Веласкес переехал в Мадрид и стал королевским живописцем. Знакомство с королевским собранием картин, встречи с Петером Паулем Рубенсом, посетившим Испанию в конце 1628 – начале 1629, и поездка в Италию (конец 1629 – начало 1631) содействовали совершенствованию его мастерства.Веласкес Петер Пауль Рубенс. Петер Пауль Рубенс.
6
В картинах Вакх (Пьяницы, до 1630) и Кузница Вулкана (1630; обе картины в музее Прадо, Мадрид) художник объединил мифологические образы богов с грубоватыми, нарочито приземленными образами людей, наделил их реальными психологическими характерами. В картинах Вакх (Пьяницы, до 1630) и Кузница Вулкана (1630; обе картины в музее Прадо, Мадрид) художник объединил мифологические образы богов с грубоватыми, нарочито приземленными образами людей, наделил их реальными психологическими характерами. Триумф ВакхаТриумф Вакха, 1629 Кузница Вулкана, 1630 Кузница Вулкана Триумф ВакхаКузница Вулкана Музей Прадо, Мадрид Музей Прадо, Мадрид Музей Прадо, Мадрид Музей Прадо, Мадрид
7
В портретах придворных, друзей, учеников Веласкес накапливал и синтезировал свои наблюдения, отбирал необходимые изобразительные средства. Найденные для каждого портрета неповторимые сочетания оттенков серебристо-серого, оливкового, серо- коричневого цветов при общей сдержанности гаммы создают индивидуальный строй образов (портреты: Хуана Матеоса, около 1632, Картинная галерея, Дрезден; графа-герцога Оливареса, около 1638, Эрмитаж, Санкт-Петербург; Дама с веером, около 1648, собрание Уоллес, Лондон; серия портретов инфант, Лувр, Прадо). В портретах придворных, друзей, учеников Веласкес накапливал и синтезировал свои наблюдения, отбирал необходимые изобразительные средства. Найденные для каждого портрета неповторимые сочетания оттенков серебристо-серого, оливкового, серо- коричневого цветов при общей сдержанности гаммы создают индивидуальный строй образов (портреты: Хуана Матеоса, около 1632, Картинная галерея, Дрезден; графа-герцога Оливареса, около 1638, Эрмитаж, Санкт-Петербург; Дама с веером, около 1648, собрание Уоллес, Лондон; серия портретов инфант, Лувр, Прадо).
8
Портрет дамы с веером Портрет граф-герцога Портрет дамы с веером Портрет граф-герцога 1640 год Оливерса, год Оливерса, 1635 Инфанта Мария Анна, королева Венгерская
9
Венера перед зеркалом около 1650 Венера перед зеркалом около 1650
10
Менины 1657 Менины 1657
11
Пряхи 1656 Пряхи 1656
Итальянские путешествия Веласкеса
Первое путешествие в Италию Веласкес совершил в 1629 г. в качестве королевского камергера. Оно не было особенно приятным для художника в связи с тем, что итальянцы недоброжелательно относились к испанцам. Но сам Веласкес цель посещения Италии определил для себя как «совершенствование профессионального мастерства» и желание поработать с пейзажами. Это ему удалось. Знакомство с творениями великих итальянских художников несколько изменило стиль живописца: он стал более свободным, колорит – менее тёмным.
Д. Веласкес «Вилла Медичи в Риме. Конец дня» (1630). Холст, масло. 48,5х43 см. Прадо (Мадрид)
В конце 1648 г. Веласкес совершил второе путешествие в Италию по приказу короля с целью приобретения для королевской коллекции шедевров итальянской живописи и античной скульптуры. Но Веласкес был придворным чиновником, поэтому неофициальной целью визита было установление дипломатических контактов с разными высокопоставленными лицами Италии. В Ватикане его благосклонно принял новый папа римский Иннокентий X, заказавший художнику свой портрет.
Д. Веласкес «Портрет папы Иннокентия X» (1650). Холст, масло. 140х120 см. Галерея Дориа-Памфили (Рим)
Над этой картиной художник работал всего 3 месяца, но она наделал много шума в Риме, а сам папа сказал о портрете: «Слишком правдиво!» и наградил художника золотой цепью и папской медалью. Веласкес был избран членом Римской академии, ему стали поступать множественные заказы, но король торопил его с возвращением в Мадрид. К этому же времени относится создание Веласкесом своей самой необычной картины Веласкеса «Венера перед зеркалом».
Д. Веласкес «Венера перед зеркалом» (ок. 1647-1651). Холст, масло. 122х177 см. Лондонская Национальная галерея
В испанской живописи до Веласкеса никто не создавал подобных полотен, т.к. инквизиция в Испании запрещала писать обнажённое женское тело. «Венера с зеркалом» – единственное сохранившееся такое изображение кисти Веласкеса. Сюжет этого полотна навеян венецианской живописью эпохи Возрождения. Но в картине Веласкеса изображена обыкновенная женщина, а не античная богиня. Веласкес восхищается земной красотой, но в то же время интригует зрителя изображением в зеркале: кто же эта Венера Веласкеса? В 1914 г. на картину было совершено нападение – поборница прав женщин Мэри Ричардсон изрубила холст тяпкой, он долгое время находился на реставрации.
Основные вехи жизни и творчества Диего Веласкеса
Время и место рождения величайшего живописца уже говорят о многом. Он появился на свет в 1599 году, в последний год переломного XVI века. 6 июня – день, когда новорожденный малыш Диего принял крещение, считается официальной датой его рождения, но существует мнение, что родился великий испанский художник днем раньше. Семья Веласкеса принадлежала к мелким дворянам, в Испании их называли «идальго». Среди выдающихся испанцев эпохи немало выходцев из этого сословия.
Севилья – родина Веласкеса, один из главных испанских городов времен раннего Нового времени, важный торговый порт и культурный центр. Облик города хранил культурное наследие различных эпох, демонстрируя синтез культур. Город имел большое значение как для короны, так и для развития испанской культуры. Именно этот город выбирали местом действия своих произведений многие испанские драматурги. Севилья стала родиной Дон Жуана – главного соблазнителя в мировой культуре.
В эпоху расцвета испанской живописи в Севилье сложилась своя живописная школа, яркими представителями которой были Франсиско Эррера и Франсиско Пачеко. Они стали учителями Веласкеса, оказав огромное влияние на формирование художественного стиля. Мальчик, проявляющий незаурядные художественные способности, попал в мастерскую Эрреры в 10-летнем возрасте.
Главную роль в становлении Веласкеса как художника сыграл Пачеко. Великий ученик превзойдет в известности своего учителя, однако свои первые шаги в карьере Диего Веласкес сделал именно благодаря Франсиско Пачеко, ставшему не только наставником, но и впоследствии тестем живописца, когда тот женился на его дочери.
С помощью Пачеко, который водил дружбу с королевским капелланом, Веласкес был замечен при дворе недавно вступившего на трон Филиппа IV. При новом короле все больший вес набирает граф Оливарес, всесильный временщик, ставший покровителем Веласкеса и одним из главных героев его живописи. Веласкес становится придворным живописцем и пребывает на этой должности до конца своих дней.
Являясь придворным живописцем, Диего Веласкес создает самые главные свои работы. Он известен как гениальный портретист, написавший множество портретов короля Филиппа IV и его приближенных.
Веласкес мастерски передавал фигуры и характеры людей, и многие его картины отличаются сложной композицией. Ярким примером служит одно из самых известных полотен «Менины», где в числе прочих героев художник изобразил и самого себя.
При дворе он также создает серию батальных картин, отражающих значимые победы эпохи Филиппа IV. Самая известная из них – картина «Взятие Бреды».
Отношение к Веласкесу как к придворному живописцу было противоречивым. Он был художником и зарабатывал этим на жизнь. Однако при дворе, где царили официоз и «засилье стереотипов», считалось, что любой труд – недостойное дело для дворянина, даже если этот труд – творчество. В то же время художественное сообщество видело в Веласкесе «государственного служащего», любимчика графа Оливареса и потому также относилось к нему неоднозначно.
Лишь за год до смерти Диего Веласкес был посвящен в кавалеры ордена Сантьяго. Испанский художник умер в 1660 году после болезни, сильно обострившейся во время подготовки свадьбы наследника испанского престола с дочерью самого знаменитого французского монарха «короля-солнца» Людовика XIV. Это было последнее мероприятие испанского двора, в котором художник принимал активное участие.
«Портрет четы Арнольфини» – кладезь скрытых символов
Картина Яна ван Эйка «Портрет четы Арнольфини» чуть ли не самое обсуждаемое полотно эпохи раннего Возрождения. В ней зашифровано огромное количество скрытых символов, которые раскрывают настоящий сюжет. Споры о том, кто же на самом деле на ней изображен, не утихают до сих пор. Считается, что это портрет купца Джованни ди Николао Арнольфини и его жены Джованна Ченами, но архивы говорят, что поженились они после того, как картина была готова. Некоторые искусствоведы считают, что это мог быть тот же купец, но с бывшей женой или вовсе его двоюродный брат. На картине изображена церемония бракосочетания.
«Портрет четы Арнольфини» Ян ван Эйк
Во-первых, неясно, беременна ли женщина. При первом взгляде зритель скажет – очевидно же, что да! Но историки моды объясняют, что в XV веке все наряды женщин шились именно в таком стиле, а героиня картины к тому же держит длинный подол своего платья.
Во-вторых, Арнольфини держит жену левой рукой, что означает «брак левой руки» – союз между людьми из разных социальных кругов. Интерьер комнаты также скрывает в себе много символов – апельсины демонстрируют благосостояние и райское блаженство, собака – верность, четки – благочестие.
Отдельное внимание уделяется зеркалу. Раму украшают десять медальонов с изображением Страстей Христовых
Через сцены Страстей отображался символический брак Христа с Церковью, соответственно, проводилась параллель с христианским браком. Эксперты обращают внимание на одну деталь – со стороны мужчины изображены эпизоды Страстей до смерти Христа, а со стороны женщины – после. Это объясняется тем, что портрет женщины посмертный, либо она умерла во время работы над картиной. О смерти невесты говорит и другой символ – люстра. В ней горит свеча только над мужчиной.
Расположение фигур говорит о роли супругов – женщина стоит около постели в глубине комнаты, тем самым символизируя роль хранительницы очага. Мужчина стоит около открытого окна – это означает принадлежность к внешнему миру.
3 картины
Луис де Моралес «Богоматерь с младенцем» 1565. Прадо, Мадрид.
Эта картина является одним из главных шедевров Луиса де Моралеса в коллекции музея Прадо. Работа была передана в дар музею после смерти предыдущего владельца, члена Королевского совета музея Прадо, барселонского финансиста Пабло Бош-Баррау в 1915 году.
В творчестве Моралеса этот сюжет повторяется наиболее часто. Мария изображена сидящей, обеими руками держа беспокойного младенца Иисуса, который повернут спиной к зрителю и полностью сосредоточен на лице матери. Художник выбрал более благопристойную версию изображения вскармливания младенца Богородицей, не показывая при этом обнаженную грудь Марии.
Луис де Моралес «Ecce Homo» 1560-1570. Национальный художественный музей Каталонии, Барселона.
Ecce Homo — в иконографии Иисуса Христа — название типа изображения, входящего в цикл Страстей Господних, что в переводе с латыни означает «это человек» — слова Понтия Пилата об Иисусе Христе.
Согласно Евангелию от Иоанна, прокуратор Иудеи Понтий Пилат показал народу Иерусалима Иисуса Христа после бичевания, одетого в багряницу и увенчанного терновым венцом, желая возбудить сострадание толпы.
Тема редко встречается в христианском искусстве до периода Возрождения, когда она становится распространенной. Иисус изображается страдающим, в терновом венце, впивающемся шипами в кожу, окровавленным после бичевания, в руках ветка, символизирующая скипетр, на плечах красная мантия — так как он карикатурно переодет царём.
Работа имеет сходство с картиной Ecce Homo, сохранившейся в Пинакотеке Амброзиана в Милане и написанной за несколько десятилетий до рождения Моралеса.
Луис де Моралес «Рождество Пресвятой Богородицы» 1562-1567. Прадо, Мадрид.
В античных произведениях роженица обычно представлена сидящей или стоящей; под руки ее поддерживают одна или две служанки. Этот мотив присутствовал на ранних изображениях праздника Рождества Богоматери. Затем эта помощница исчезает, но позже появляется вновь. Изображения дев и служанок в данной иконографии обычно отличаются разнообразием.
Работа Моралеса демонстрирует оригинальность в интерпретации и композиции сцены. Таинственная фигура девушки, держащей корзину с фруктами, повторяет персонажа картины Святое семейство из Нью –Йорка, которую мы можем увидеть в первом зале выставки. Она возможно представляет собой родственницу или близкую подругу, которая приносит подарок для роженицы. Обратите внимание, что она внешне отличается от других персонажей – прическа и платье отсылают в эпоху Возрождения. Её взгляд направлен в сторону зрителя, под платьем угадывается заметный животик и есть предположение, что это портрет, дочери Моралеса, Екатерины, родившей ребенка в 1564 году.
Творческий путь
Первые самостоятельные работы автора написаны в жанре бодегонес (бытовые сцены в трактирах). Он хотел рисовать Испанию настоящей, живой. Интерес к простым людям сопровождал творца всю его жизнь.
Водонос из Севильи
Самая известная из ранних картин Диего Веласкеса – «Водонос из Севильи». Казалось бы, простой портрет торговца. Однако, уже здесь появляется главная особенность его творчества – аллегоричность. В картине «Водонос из Севильи» живописец рисует своего учителя Пачеко, слева от него подмастерье, а в центр помещает себя. Эта картина — олицетворение трех возрастов, трех поколений.
Поражает виртуозность художника – Веласкесу едва исполнилось 20, а его манера письма невероятно реалистична, безупречна.
В 1623 году живописец отправляется со своим учителем в Мадрид. И чудо! Почти сразу ему заказывают портрет взошедшего на престол Филиппа IV.
Молодой король, изучавший некогда живопись, понимает, что перед ним невероятно талантливый художник. И спустя несколько месяцев Диего де Сильва Веласкес назначен придворным художником, он переезжает вместе с семьей в Мадрид.
Филипп IV и живописец становятся настоящими друзьями. Художник стремительно продвигается по карьерной лестнице. А от его мастерской, находившейся во дворце, ключ был лишь у двух людей: у самого портретиста и у короля.
Кузница Вулкана
Основная работа живописца заключалась в рисовании портретов королевской семьи. Но, помимо этого, он должен был писать картины для украшения дворца, что давало ему невероятную свободу в выборе тем; другие придворные художники не могли этим похвастаться. И все же Веласкес в основном рисовал портреты. Когда его натурщиком была не царская особа и не знатный дворянин, художник рисовал простых людей: карликов и уродов, шутов и крестьян.
В 1629 году Диего по совету Рубенса отправляется в Италию учиться. Первую поездку на родину Возрождения нельзя назвать приятной. Все знали о его близости с испанским королем и относились подозрительно, порой даже обвиняя в шпионаже.
Одеяние Иосифа
Но путешествие по Италии принесло свои плоды. Познакомившись с огромным количеством произведений разных художников, Веласкес отдал предпочтение Тициану, что сильно повлияло на характер его живописи. Меняются и сюжеты картин – все чаще мастер прикасается к мифологии («Кузница Вулкана», «Одеяние Иосифа»). А находясь под Римом, художник начинает писать пейзажи на пленэрах, что было совершенно непопулярно в то время.
Вернувшись в Мадрид, мастер снова обращается к изображениям людей. Рисует конные портреты Филиппа IV, его жену, детей. 1630-е стали самыми плодородными в жизни творца. Создаются картины библейского жанра, батальные сцены.
Менины
В 1649 году настает черед новой поездки в Италию. В это раз Диего Веласкес отправляется туда в составе дипломатической миссии. Но тут в нем заиграли амбиции – он решает покорить Италию своим талантом. И случается невероятное – Папа Римский Иннокентий X заказывает Веласкесу портрет. Работа приводит в восторг весь Рим, виртуоза награждают папской медалью.
Пряхи
Спустя два года живописец возвращается в Мадрид. В последние 10 лет жизни он пишет множество работ, среди них его самые известные картины: «Менины» и «Пряхи». Не бросает он и портретную живопись — вновь и вновь заставляет позировать членов королевской семьи, для которых за годы дружбы он стал родным.
«Сотворение Адама» – анатомическое искусство
Это одна из самых выдающихся композиций росписи Сикстинской капеллы, созданная Микеланджело. Будучи в основном скульптором, Микеланджело не особенно рвался рисовать фрески на потолке храма. Кроме того, известно, что Микеланджело имел очень хорошие знания в области анатомии человека, это и видно на его фреске.
«Сотворение Адама» Микеланджело Буонарроти
Первым сходство очертаний плаща, развевающегося вокруг Бога и его спутников, с контурами человеческого мозга отметил американский врач Фрэнк Линн Мешбергер. Думается, что на фреске Микеланджело воплотил в жизнь идею: творящее начало в лице Бога с ангелами – это прежде всего мыслительный центр. Четко можно проследить борозды, которые разграничивают части головного мозга. При близком рассмотрении можно обнаружить варолиев мост, гипофиз, две позвоночные артерии, среднюю лобную, угловую и надкраевую извилину. Но и это еще не все: с другой стороны было замечено, что красная ткань вокруг Бога имеет форму человеческой матки, а свисающий зеленый шарф может быть недавно разрезанной пуповиной.
«Это интересная гипотеза, которая представляет сцену Творения как идеализированное представление физического рождения человека. Она объясняет пупок, который появляется на Адаме, что сначала сбивает с толку, потому что он был создан, а не рожден женщиной», – писал эксперт искусства Энрико Брускини.
Есть много доказательств того, что Микеланджело радикально не соглашался со многими католическими традициями. Некоторые считают, что для того, чтобы унизить Папу Юлия II и католическую церковь, художник изобразил дополнительное скрытое ребро на теле Адама – ребро Евы. Это говорит о сотворении Адама и Евы бок о бок, что отличается от католической традиции. Согласно ей, Ева была создана после Адама.
Его жизнь и его работа
По словам Паломино , Моралес мог быть учеником художника фламандского происхождения Педро де Кампанья, присутствовавшего в Севилье с 1537 по 1563 год. Это фламандское образование, кажется, глубоко обозначило стиль Моралеса. Возможно, он знал Фердинанда Штурма (в Испании, Эрнандо де Эстурмио ) из Севильи.
Тем не менее, стиль Моралеса свидетельствует о множестве влияний, помимо стиля его первого фламандского мастера. Благодаря тщательной технике, обусловленной его обучением у фламандского мастера, мы можем отметить его вкус к размытым формам, сфумато , в манере лангобардских мастеров из окружения Леонардо да Винчи , Бернардино Луини , привезенного в Испанию валенсийскими художниками Фернандо Яньесом. и Фернандо де Льянос . Он также находился под влиянием итальянской школы Микеланджело , Рафаэля, известной в Испании с Висенте Масипом . Цветовые аналогии напоминают искусство Доменико Беккафуми и сиенских художников. Эти влияния привели к предположению, что он совершил поездку в Италию, чтобы углубить свой репертуар. Во втором периоде его сочинения отражают влияние фламандской школы . Его композиции, кажется, повторяют темы немецких, фламандских и итальянских гравюр. Возможно, благодаря гравюре он познакомился с моделями Тициана или Себастьяно дель Пьомбо . Кроме того, работая в Португалии, он смог познакомиться с нордической манерой, которая повлияла на лузитанских художников. Его сильная личность позволила ему приобрести очень личный стиль, синтезируя эти различные влияния.
Все его работы написаны на дереве. Его любимые сюжеты — « Пьета» , « Ecce Homo» и « Девы с младенцем» . Его дотошный реализм в сочетании с неприкрытыми эмоциями, которые исходят от его персонажей, даже когда они испытывают сильнейшую боль, очень тронули его современников, которые прозвали его « Эль Дивино », «божественный Моралес».
Король Филипп II , который увлекался итальянским жанром, поместил ему только один орден, но дал ему пенсию, когда он перешел в Бадахос в 1581 году, чтобы занять португальский престол. Паломино рассказал о странном диалоге между королем и художником. Король, принимавший Моралеса, сказал ему: « Ты очень старый Моралес , и художник должен ответить: Да, сеньор, очень старый и очень бедный , тогда король попросил своего казначея дать ему 200 дукатов из королевской сокровищницы на еду», — ответил Моралес. : Сеньор, а на ужин? , и царь ответил, что ему дано еще сто . Филипп II подарил монастырю Сан-Херонимо в Мадриде картину Моралеса с изображением Христа с крестом, его Матери и святого Иоанна Богослова.
Его первая определенная работа — « Богородица с птицей» 1546 года (Мадрид, Сан-Августин).
Его самый плодотворный период, между 1562 и 1569 годами, совпадает с периодом правления Хуана де Риберы в Бардахосе, тогдашнего архиепископа Валенсии, в 1569 году, которого он написал.
Он создал серию алтарей для Арройо де ла Луз (1563-1568), Санто-Доминго-де- Эвора (1564), Сан-Мартин-де- Пласенсиа (1565), Игера-ла-Реаль (1565-1566), Сан-Фелисес-де-лос-Гальегос (Саламанка, США). 1572). Он написал триптихи и изолированные деревянные панели для епископа Бадахоса.
В конце своей карьеры он пережил период упадка с производством работ по одной фактуре при участии важной мастерской.
У Луиса де Моралеса был сын Кристобаль, также художник, а также несколько учеников, среди которых был Хуан Фернандес, известный как Эль-Лабрадор. У него также было много подражателей, в основном последователей маньеристического жанра .
«Девушка с жемчужной сережкой» – а была ли жемчужина?
Эта картина является наиболее известной из работ нидерландского художника Яна Вермеера, ее часто сравнивают с «Джокондой». Полотно было написано примерно 356 лет назад, поэтому известно о нем очень мало.
«Девушка с жемчужной сережкой» Ян Вермеер
До сих пор стоит вопрос о том, кто изображен на картине. Есть версия, что художник изобразил собственную дочь – Марию. Но это не единственная загадка. Эксперты считают, что на самом деле на картине изображена не жемчужная сережка – украшение слишком большое для натурального жемчуга. Возможно, это венецианское стекло или перламутр. На полотне также не видно подвески, за которую «жемчужина» крепится к уху, а яркий белый блик вверху сережки может быть деформацией при одной из реставраций картины. Кроме того, ученые из расположенной в Гааге галереи Маурицхейс в ходе исследования выяснили, что на самом деле сзади девушки изображен не просто темный фон, а складки зеленой ткани.
Неопознанный летающий объект
«Джоконда» – не единственная картина, собравшая в себе множество засекреченных деталей. Наверное, вокруг каждого произведения искусства можно построить множество теорий и мифов. Так, например, одна из известнейших картин Доменико Гирландайо «Мадонна со святым Джованнино» несет в себе удивительную тайну. На первый взгляд, в полотне нет ничего примечательного, кроме, собственно, самой Мадонны, маленького Христа и святого Джованнино. Но посмотрите в правый верхний угол – что это? Многие утверждают, что на средневековой картине изображено не что иное, как летающая тарелка. Уфологи утверждают, что это прямое доказательство того, что инопланетяне существуют. Искусствоведы же полагают, что эти божественные шары света – символ, который часто встречается на религиозных картинах.
«Мадонна со святым Джованнино» Доменико Гирландайо
И вот еще одна картина с библейским сюжетом и НЛО. Написана она голландским художником Арентом де Гелдером и носит название «Крещение Христа».
«Крещение Христа» Арент де Гелдер
Джоконда – женщина легкого поведения?
«Мона Лиза» Леонардо да Винчи
Считается, что на картине изображена Лиза Герардини – супруга флорентийского торговца шелком Франческо дель Джокондо. Однако полотно не раз подвергалось анализу, исследованиям и даже конспирологическим теориям. Так, некоторые предполагают, что на знаменитой картине изображена женщина легкого поведения, мол, в XVI веке в Италии без бровей и ресниц ходили именно дамы этой профессий. Правда, есть теория, что изначально Мона Лиза была обладательницей густых бровей, которые исчезли после неудачной попытки реставрации. Но и это еще не все. Есть исследователи, которые считают, что на картине художник изобразил своего любовника по прозвищу Салаи (Дьяволенок) или даже самого себя – как бы он выглядел, если бы был женщиной. До сих пор остается непонятным, почему Леонардо да Винчи после того, как закончил картину, не передал ее заказчику, а бережно хранил у себя до конца жизни.
«Иоанн Креститель» Леонардо да Винчи
*картина Леонардо да Винчи «Иоанн Креститель», моделью для которой был Салаи. Возможный гомоэротизм этого произведения был предметом рассмотрения искусствоведов, а на эскизе картины ясно виден эрегированный пенис.
Но больше всего людей занимает улыбка Моны Лизы, говорят, чтобы на устах модели постоянно играла улыбка, художник на протяжении четырех лет (именно столько он потратил на свою работу) приглашал шутов и музыкантов. Считается, что Джоконда улыбается вполне нормальной улыбкой, однако при более долгом просмотре картины кажется, что улыбка становится язвительной, насмешливой или печальной.
«Мона Лиза» Леонардо да Винчи
Существует несколько теорий, объясняющих эту загадку:
Чужая улыбка. Говорят, что это улыбка самого художника или его любовника Салаи. Как будто в этих хитрых, приподнятых уголках губ скрывается вся тайна взаимоотношений да Винчи с его учеником.
В глазах смотрящего. Все зависит от того, в каком настроении пребывает зритель, считают американские ученые Кристофер Тайлер и Леонид Концевич. Улыбка Джоконды в целом нейтральна, все дело в психологии нашего восприятия. Поэтому в плохом настроении в Лувр лучше не ходить.
Потрепало время. Фотоэксперт Жак Фрэнк утверждает, что изначально у женщины была на 100% жизнерадостная и счастливая улыбка, опечалило ее время, вместе с которым лицо Моны Лизы трансформировалось и изменило свои черты.
Смотрите не туда. Доктор Ливингстон из Гарварда считает, что да Винчи писал рот Джоконды, глядя ей в глаза. Таким образом, все дело в нашем визуальном восприятии. То, что попадает в центральную область, мы видим четко, то, что в периферическую – размыто. Поэтому, глядя в глаза Моны Лизы, мы видим тени на щеках, говорящие об улыбке. Когда же переводим взгляд на рот – тени пропадают.
Проблемы со здоровьем. Доктор Мандип Мехра считает, что ухмылка женщины вызвана недостаточной активностью щитовидной железы. Британский искусствовед Джонатан Джонс считает, что у Джоконды был сифилис (якобы по свидетельствам, сохранившимся в бухгалтерских книгах флорентийского монастыря, женщина покупала в местной аптеке acqua di chiocciole – воду улиток, которую в то время использовали для лечения сифилиса). До этого врачи предполагали, что у героини портрета паралич лица, болезнь Паркинсона – потому что правая рука подозрительно прижимает левую, будто она пытается сдержать неконтролируемое движение, глухота и даже синдром Дауна, что мешало ей полноценно улыбаться.
Биография
Луис де Моралес «El Divino» родился предположительно в 1510 или 1511 году в испанском городе Бадахос, стоящем на границе с современной Португалией. Художник не оставил своего автопортрета, и мы можем только высказывать предположения о том, как он выглядел. Существует теория, что свое обучение живописи Моралес проходил в Севилье у нидерландского художника, известного как Педро де Кампана. Впоследствии жил и работал преимущественно в родном городе. На протяжении пятидесяти лет он был самым важным художником западного региона Испании. Смерть художника наступила в 1586 году в Алькантаре, небольшом городке в 100 километрах от Бадахоса.
Влияние нидерландской и итальянской школы, особенно живописной манеры Альбрехта Дюрера, Да Винчи и Рафаэля, видны в тщательности и детальности мазка и изображении ландшафта, имеющего явно фламандское происхождение. Тем не менее, работы Моралеса контрастируют с умиротворёнными сюжетами картин Итальянского Возрождения и сосредоточены на внутренних переживаниях героев
Гладкая, как бы эмалевая манера письма с мерцающими на черном фоне красками, отвлекает от основного сюжета картины, акцентируя внимание на самом персонаже и делая образ практически иконографическим
