Андреа мантенья

Cristo Morto di Andrea Mantegna — Pinacoteca di Brera

Андреа Мантенья, Мертвый Христос, 1480 г. Темпера на холсте, 68 х 81 см. Милан, Пинакотека Брера

«Мертвый Христос» Андреа Мантеньи (1431-1506) считается одним из самых ярких произведений всего Ренессанса. Работа была написана  около 1480 года, вероятно, для погребальной капеллы художника. Её нашли дети автора после его смерти в его мастерской, и затем продали кардиналу Сигисмондо Гонзаге, чтобы рассчитаться с некоторыми долгами. Далее картина побывала в коллекциях английского короля Карла I, кардинала Мазарина во Франции и, наконец, через антикварный рынок, она попала в 1824 году в Пинакотеку Брера в Милане, где ее можно увидеть и по сей день.

Небывалая иконография

На холсте изображено тело Христа, частично покрытое плащаницей, лежащее на плите из красноватого камня с белыми прожилками, покоясь головой на подушке. Ракурс, выбранный художником, чуть выше плоскости, на которой лежит тело, выводит на первый план ноги Иисуса. Этот художественный приём был уникальным случаем в истории живописи XV века. Сцена разворачивается в закрытом и темном пространстве, возможно, в гробнице. Справа — ваза с благовонным миром, используемым, согласно Евангелиям, для помазания тела Иисуса перед погребением.

Плиту из красного камня принято отождествлять с так называемым «камнем помазания», драгоценной реликвией, которая до XII века находилась в базилике Гроба Господня в Иерусалиме и которая, перевезенная в Константинополь, впоследствии была утеряна. Так же справа, можно узнать часть пола и дверь, ведущую в другую темную комнату. Живые раны на руках и ногах Христа, намеренно изображены с пугающим реализмом, достойным самого искусного фламандского художника.

Андреа Мантенья, Мертвый Иисус, 1480г, фрагменты

Рядом с мертвым телом Христа лица плачущей Марии, протирающей глаза платком, а на переднем плане — святого Иоанна. Полузакрытая фигура на заднем плане — Мария Магдалина. И в их образах Мантенья, чтобы подчеркнуть драматичность сцены, тщательно вырисовывает детали — глубокие морщины пожилой матери, опухшие красные глаза, охваченный болью или деформированных гримасами плача рот.

Уникальный ракурс

Картина «Мертвый Христос» является результатом серии экспериментов, проведенных художником с этим ракурсом, одним из важных примеров которого будут  путти, младенцы на плафоне свода Камеры дельи Спози (Брачного чертога) в Палаццо дукале в Мантуе. Несмотря на то, что на первый взгляд ракурс тела Христа выглядит очень необычно, Мантенья не стал применять к нему уже известные в те времена правила перспективы. Фигуры, стоящие на коленях в профиле, на самом деле изображены так, как будто на них смотрят с их высоты, и предполагают очень низкий горизонт. Тело же Иисуса, представлено с более высокого ракурса, находящегося за пределами картины.

Если бы Мантенья сохранил фотографическую точку зрения и для Христа, его ноги были бы намного больше, голова намного меньше, тело еще короче, а анатомические части почти неузнаваемы. Строгое применение перспективы Альберти привело бы, таким образом, к искажению этого акцентированного на деталях изображения, поставив под угрозу разборчивость произведения.

Мертвый Иисус, Пинакотека Брера, куратор экспозиции — кинорежиссёр Эрманно Ольми (2013г)

Шедевр Мантеньи не имел мгновенного успеха: его реализм был слишком откровенным и радикальным, а пафос, пронизывающий его, слишком акцентированным. Смелое ракурсование Христа явно опережало своё время, оно мешало сосредоточиться на точности пропорций, что очень раздражало сторонников классицизма. Вазари определил это ракурсное изображение тел снизу как «сложное и капризное изобретение». Картина Мертвого Христа, однако, очень повлияла на некоторых художников XVI века и, прежде всего, на великих мастеров XVII века, таких как Аннибале Карраччи, Лелио Орси, Садома.

Иконография ракурса, снятого с креста Иисуса, стала неоднократной цитатой в фильмах таких режиссёров как Пьер Паоло Пазолини в своем шедевре 1962 года «Мамма Рома», Паоло Бенвенути «Поцелуй Иисуса» (1988), Андрей Звягинцев в фильме «Возвращение» (2003).

Доменико Гирландайо

Доменико Гирландайо был главой большой и продуктивной мастерской во Флоренции, которая также включала его двух братьев. Многие, впоследствии знаменитые художники, проводили время в его мастерской, среди них и Микеланджело. Живописец Ранней Эпохи Возрождения стал известен благодаря своим подробным сюжетам, которые часто включали ведущих личностей времени – так, он вел хронику современного флорентийского общества. Самые значительные комиссионные вознаграждения были получены им от Папы Римского Сикста IV, который вызывал его в Рим для росписи Сикстинской капеллы.

«Призвание первых апостолов»

«Ночной дозор», Рембрандт

Одна из самых известных работ Рембрандта носит длинное и труднопроизносимое название «Выступление стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рейтенбюрга». Поэтому публике она больше известна как «Ночной дозор». Полотно, покрытое особым темным лаком, изображает стрелковую роту, выезжающую на улицу во главе со своим капитаном. Именно военные заказали художнику парадный портрет, на котором Рембрандт должен был представить их как грозных вояк, а в итоге получили странную по тем временам картину. Знали ли они, что тем самым войдут в историю и навсегда останутся в ней?

«Дозорные» несколько раз подвергались опасности: сначала их обрезали, чтобы вместить в новую раму (так исчезли несколько стрелков), затем картина попала в руки к фашистам. Полотно трижды пытались испортить вандалы (или, скорее, сумасшедшие фанатики, слышащие потусторонние голоса): в 1911 и 1975 годах ее изрезали ножом, а в 1990 облили кислотой.

К счастью, уникальная работа пережила все напасти и теперь хранится в Рейксмюсеуме — художественном музее Амстердама. Здесь же можно увидеть еще несколько полотен Рембрандта («Синдики»,  «Еврейская невеста»), Вермеера («Молочница», «Любовное письмо») и других голландских мастеров.

Адрес: Museumstraat 1, 1071 XX Amsterdam, Netherlands.

«Сотворение Адама» Микеланджело Буонаротти

Непревзойденный ваятель телесной красоты, Микеланджело писал потолочные фрески впервые в жизни. Самый знаменитый фрагмент росписи — сцена сотворения Адама. Событие, которое вот-вот свершится, — не просто создание тела идеально прекрасного Адама по божественному образцу, а одухотворение человеческой оболочки.

Жест двух тянущихся рук иллюстрирует этот момент. А совсем недавно люди увидели в очертаниях Бога-отца контуры человеческого мозга. Произведение, которому полтысячи лет, задает все новые загадки…

Посмотреть можно: Сикстинская капелла, музеи Ватикана, Ватикан.

Билеты онлайн здесь.

«Постоянство памяти», 1931

«Постоянство памяти», 1934, Сальвадор Дали. Находится в Нью-Йоркском музее современного искусства

Художник

Полотно написал испанский художник-сюрреалист Сальвадор Дали

Он сдетства был эксцентричным и притягивающим ксебе всеобщее внимание. За85 лет онсоздал около 1500 произведений, включая сюрреалистические картины, иллюстрации, скульптуры

Сальвадор Дали был известен при жизни. Он стал автором нескольких автобиографических книг, сценариев, разработал логотип Chupa-Chups, работал сУолтом Диснеем над мультфильмом Destino, участвовал всоздании фильмов Луиса Бунюэля иАльфреда Хичкока. Также Дали создал всвоем доме вПорт Лигат 44 бронзовые статуи. Художник вдохновлялся восновном своими сновидениями, самоанализом итеориями Фрейда.

История

Постоянство памяти— небольшое полотно, которое Сальвадор Дали создал всего запару часов, пока его жена Гала была сдрузьями вкино. Сам художник непошел, сославшись намигрень. Изначально Дали писал мыс Креус, новтот день онвзглянул накартину ипонял, что полотну нехватает какой-то идеи, смысла. Онуснул иперед ним предстал образ мягких часов, стекающих светви высохшей оливы. Сам Дали говорит, что наобразы текучих часов его навел мягкий сыр камамбер, которым они ужинали накануне.

Небольшая картина была очень личной для художника. Позже Дали вспоминал, как показал её Гале: Янаблюдал затем, как она разглядывает картину икак отражается наеелице очаровательное удивление. Так яубедился, что изображение производит эффект, ибо Гала никогда неошибается.

Стиль

Постоянство памяти относится к сюрреализму. Мягкие часы выражают основную мысль, озарившую Дали— идею оботносительности времени и его нелинейности. Часы текут вразные стороны, демонстрируя то, как легко вернуться впрошлое или повлиять набудущее. Художник осознавал хрупкость иискусственность привычного понимания времени, очем говорят изображенные накартине твердые часы, поедаемые муравьями, которые символизируют конечность, смертность, разложение.

Однако понятие времени неразрушается полностью— это подтверждают образы яйца, лежащего на берегу, атакже зеркало, будто объединяющее море инебо. В глазах художника время противоречиво иотносительно, нопри этом все равно может существовать исоздавать полотно мира.

Интересные факты

• Сам Сальвадор Дали дал лишь два комментария ккартине: отом, что намягкость часов его навели мысли о камамбере, иотом, что при написании ондумал одревнегреческом философе Гераклите иего высказывании Все меняется, все течет.
• Через несколько дней после написания работы еекупил американец Джулиан Леви, уверяя Дали, что Постоянство памяти непринесет коммерческого успеха ибудет просто висеть унего дома.

Почитайте другие материалы об искусстве на . Например, нашу подборку о сюрреализме в живописи, или о самом дорогом художнике современности .

«Установление культа Кибелы в Риме» (1505–1506 годы)

Картину, имитирующую римский исторический рельеф, в 1505 году заказал Мантенье кардинал Франческо Корнаро. Она должна была стать первой в цикле из четырех произведений на античные темы, но в 1506 году Мантенья умер, успев закончить только ее.

Носильщики в восточных одеяниях несут бюст богини Кибелы и ее священный камень: римский полководец Сципион Африканский (он происходил из патри­цианского рода Корнелиев, чьими потомками считали себя Корнаро) приказал вывезти святыни из Фригии в Рим. Дело происходит на подступах к Риму: на это указывают гробницы слева, которые в древности располагались на окраи­нах. Процессию приветствует группа мужчин под предводительством племянника Сципиона. Между процессией и встречающими мы видим колено­преклоненную женщину. Чуть раньше корабль застрял в устье Тибра, и освобо­дить его удалось только благодаря молитве римлянки Клавдии Квинты (это как раз она стоит на коленях). Клавдия, которую незадолго до этих событий обви­нили в бесчестии, взмолилась Кибеле с просьбой доказать ее невиновность. Богиня откликнулась, корабль сдвинулся, а римлянка была оправдана. Ман­тенья объединил эпизоды встречи бюста и мольбы Клавдии в одной сцене, опустив сцену освобождения корабля. Почему? Возможно, потому что римские рельефы, на которые ориентировался художник, часто изображали различные процессии и шествия и изображение застрявшего корабля помешало бы этому сходству.

Долгое время картина называлась «Триумф Сципиона», но современное про­чте­ние ее сюжета (и сопоставление со следующей картиной цикла, написан­ной уже Беллини  «Великодушие Сципиона» изображает эпи­зод из истории осады Карфагена: Сципион не тронул пленную девушку, поразившую его своей красотой, и вернул ее жениху. после смерти Мантеньи) говорит о том, что центральной темой были не столько военные подвиги Корнелиев, сколько тема женской добродетели и чистоты.

На первый взгляд сдержанная картина, выдержанная в серых тонах, — еще один пример того, как Мантенья, обращаясь к облику древнеримских памят­ников, создает абсолютно современные вещи. И хотя общий облик этих полотен действительно восходит к античному искусству, движения героев, их лица и напряжение композиции типично ренессансные.

Ученый, специалист по древнеримским надписям Феличе Феличиано в тексте под названием «Jubilatio», посвященном поездке с друзьями, среди которых был и Мантенья, на озеро Гарда в сентябре 1464 года, называет художника консулом и рассказывает, как они надели ему на голову венок. Исследуя близлежащие руины, компания плавала по Гарде (озеро он называет «полем Нептуна») на украшенной коврами и усыпанной лавром лодке под звуки кифары. Такое непосредственное, творческое, но при этом научное и вдумчивое восприятие античности (или даже ее образа, созданного Ренессансом) совпадает с тем, как ее интерпретировал Мантенья в своем искусстве.

микрорубрики
Ежедневные короткие материалы, которые мы выпускали последние три года

Нон-фикшн дня

Как The Beatles уничтожили рок-н-роллПушкин дня

Пушкин-русофилМонета дня

Сребреник

Архив

Дитя противоречивой эпохи

Андреа Мантенья жил в одну из самых сложных эпох в истории культуры. К культуре Возрождения сложилось двойственное отношение. Долгое время господствовала слишком идеологизированная её оценка. Ренессанс называли эпохой утверждения гуманизма как сложившейся философской системы, всплеска секуляризма, периодом полного отрицания средневековой культуры догматизма и схоластики (философского обоснования существования Бога). Средние века представлялись как «тёмные века», полные невежества, оккультизма и суеверий, нивелирования ценности человеческой личности и пр. Однако такая точка зрения уже давно кажется упрощенческим взглядом.

Интересны размышления о противоречивости культуры Ренессанса выдающегося философа А. Ф. Лосева (тайного монаха Андроника) в «Эстетике Возрождения». Мыслитель отмечал, с одной стороны, абсолютизацию человеческой личности в культуре Возрождения, порой превращающуюся в настоящую «религию человека» (Ф. Моне). С другой стороны, индивидуализм оборачивался стихийным самоутверждением, принимающим подчас чудовищные формы: «коварство, вероломство, разгул страстей».  Отсюда даже в церковной католической среде в эпоху Возрождения наблюдался небывалый кризис нравственности и духовности. Священнослужители были включены в коварные политические интриги и жестокие бои за власть, имели внебрачных детей (даже Папы Римские, например, Папы Пий II, Иннокентий VIII, Юлий II, Павел III), порой содержали кабаки и публичные дома, храмы превращали в площадки для пира и попоек и пр.

Однако при всей своей двойственности как эпохи Ренессанс оставил нам в наследие множества прозрений,  памятников и пр. Одним из таких достижений, безусловно, является переоткрытие телесности. И в религиозном искусстве одну из ключевых ролей сыграл как раз Андреа Мантенья. В его работах телесность, материальное измерение бытия человека и мира представлено с особым трагизмом: есть смертность, есть страдание и боль, которые не избежать даже лучшим из лучших, святым и праведникам, есть человеческие пороки, разрушающие целостности человеческой красоты духа и тела.

Творчество

16 мая 1446 Мантенья и три других художника получили заказ на роспись капеллы Оветари в падуанской церкви Эремитани (разрушенной во время Второй мировой войны). Мантенье принадлежит большая часть работы по созданию фресок (1449–1455), и именно его художественный стиль доминирует в ансамбле. Сцена «Святой Иаков перед Иродом Агриппой» в капелле Оветари представляет образец стиля раннего периода творчества Мантеньи. Все анатомические детали, складки драпировок и элементы архитектуры жестко и отчетливо прорисованы. Увлечение Мантеньи перспективой и античным искусством проявляется везде и во всем. Знание правил линейной перспективы он почерпнул от мастеров тосканской школы, возможно, непосредственно от Донателло и других флорентийских художников, которые работали в эти годы в Падуе. Триумфальная арка на заднем плане фрески вызывает в памяти древнеримские монументы, а солдаты на переднем плане и рельефы, украшающие арку, напоминают изображения на античных монетах и произведения скульптуры. В сцене «Шествие святого Иакова на казнь» художник избирает точку зрения снизу вверх, в соответствии с высоким расположением фрески на стене капеллы. Фигуры переднего плана показаны в легком ракурсе, а архитектурная декорация построена строго по законам перспективы. В других живописных произведениях Мантеньи этого времени, таких, как картина «Моление а чаше» (Лондон, Национальная галерея), в жесткой линеарной манере исполнены не только человеческие фигуры, но и пейзаж, где каждый камень и былинка тщательно исследованы и прописаны художником, а скалы испещрены изломами и трещинами. Алтарный образ церкви Сан Дзено (1457–1459) в Вероне является живописной интерпретацией знаменитого скульптурного «Алтаря св. Антония», созданного Донателло для базилики Сант Антонио (Санто) в Падуе. Триптих Мантеньи имеет обрамление, выполненное в высоком рельефе и имитирующее элементы классической архитектуры; в боковых частях иллюзия пространства создается средствами живописи. Трон Мадонны и архитектура на заднем плане украшены античными мотивами; на переднем плане изображены гирлянды из роскошных фруктов. Увлечение мастера античной классикой вновь проявилось в его картине «Святой Себастьян» (Вена, Художественно-исторический музей). Святой привязан к изящной коринфской колонне, которая, по-видимому, осталась от разрушенного храма. Растения пробиваются в расщелинах камня, и фрагменты античных мраморов разбросаны у ног мученика. Одним из самых замечательных образцов пространственно-иллюзионистической живописи Мантеньи является роспись Камеры дельи Спози в палаццо Дукале в Мантуе, законченная в 1474. Квадратное помещение визуально трансформировано фресками в легкий, воздушный павильон, как будто закрытый с двух сторон написанными на стенах занавесями, а с двух других сторон открывающий изображение двора Гонзага и пейзажную панораму на дальнем плане. Свод Мантенья разделил на компартименты и поместил в них в обрамлении богатого антикизированного орнамента изображения бюстов римских императоров и сцен из классической мифологии. В верхней части свода написано круглое окно, через которое видно небо; богато одетые персонажи глядят вниз с балюстрады, данной в сильном перспективном сокращении. Этот фресковый ансамбль замечателен не только как один из первых в новом европейском искусстве примеров создания на плоскости иллюзорного пространства, но и как собрание очень остро и точно трактованных портретов (членов семьи Гонзага). Цикл монохромных картин «Триумф Цезаря» (1482–1492) был написан по заказу Франческо Гонзага и предназначался для украшения дворцового театра в Мантуе; эти картины плохо сохранились и в настоящее время находятся во дворце Хэмптон-Корт в Лондоне. На девяти больших холстах изображена длинная процессия с огромным количеством античных скульптур, доспехов, трофеев. Ее движение достигает кульминации в торжественном прохождении перед Цезарем-победителем. Картины отражают обширные знания Мантеньи в области античного искусства и классической литературы. В этом цикле и в «Мадонне делла Ветториа» (1496, Париж, Лувр), написанной в память о военной победе Гонзага, искусство Мантеньи достигло наибольшей монументальности. Формы в них объемны, жесты убедительны и ясны, пространство трактовано широко и свободно. Для студиоло (кабинета) Изабеллы д’Эсте, жены Франческо Гонзага, Мантенья написал две композиции на мифологические темы (третья осталась незаконченной): «Парнас» (1497) и «Миневра, изгоняющая пороки» (1502, обе в Лувре). В них заметно некоторое смягчение стиля Мантеньи, связанное с новым пониманием пейзажа.

Гравюры

Мантенья был не менее именитый , как гравера , хотя его история в этом отношении несколько неясна, отчасти потому , что он никогда не подписывал или от какой — либо из его пластин, но для одного спорного экземпляр 1472. Счет , который пришел к нам из Вазари (который, как обычно, стремился утверждать, что все исходит из Флоренции), что Мантенья начал гравировать в Риме , вдохновленный гравюрами флорентийца Баччо Бальдини после Сандро Боттичелли . В настоящее время это считается маловероятным, поскольку все многочисленные и сложные гравюры, сделанные Мантенья, относятся к последним шестнадцати или семнадцати годам его жизни, что для них кажется коротким периодом. Кроме того, более ранние гравюры отражают более ранний период его художественного стиля. Возможно, что Мантенья начал гравировать еще в Падуе под руководством выдающегося ювелира Никколо. Он и его мастерская выгравировали около тридцати пластин по обычным подсчетам; большой, полный цифр и хорошо изученный. Сейчас считается, что либо он сам выгравировал только семь, либо ни одной. Другой художник из мастерской, который сделал несколько тарелок, обычно идентифицируется как Джованни Антонио да Брешиа (он же Зоан Андреа).

В настоящее время считается, что ни Мантенья, ни его мастерская не производили так называемые карты Мантенья Тарокки .

Тициан

Продолжительность жизни: 1488/1490 — 27 августа 1576

Национальность: итальянец

Тициан

Тициан — самый важный художник венецианской школы 16-го века. Он был универсальным художником, знатоком портретов; ландшафтных фонов и мифологических и религиозных предметов. За свою долгую карьеру Тициан экспериментировал со многими различными стилями живописи. На самом деле он радикально пересмотрел свой стиль и технику в последние годы. Свободные мазки и тонкость тона в его более поздних работах, не имеют аналогов в западном искусстве. Тициан использует цвета и методы рисования, особенно его акцент на прикосновениях кисти и даже иногда на кончиках пальцев, оказал глубокое влияние не только на художников позднего итальянского ренессанса, но и на будущие поколения западного искусства. Он также известен тем, что изменил историю искусства и покровительства, позволив королям и высшим санам Церкви совершать сексуальные соблазнения так же легко, как распятия. Тициан был провозглашен современниками как «Солнце среди маленьких звезд». Сегодня искусствоведы считают его одним из величайших художников всех времен.

Шедевр: Венера Урбинская (1538)

Венера Урбинская (1538)

Другие известные работы: —

• Успение Богородицы (1518)
• Вакх и Ариадна (1523)

«Звездная ночь», 1889

«Звездная ночь», Винсент Ван Гог, 1889

Художник

Нидерландский художник с детства был тонко чувствующим и замкнутым ребенком. В юности он семь лет занимался оценкой и продажей картин в фирме своего дяди, где и обнаружил страсть к рисованию. Однако коммерция и искусство были для него несовместимы. Будучи сыном священника, он решил пойти по стопам отца: трижды пытался получить теологическое образование, но обостренное чувство прекрасного и справедливого не позволяло ему ладить с людьми.

Потерпев очередную неудачу, Ван Гог сосредоточился на творчестве и решил создать вместе с Полем Гогеном свою мастерскую. Но регулярные конфликты чувствительного Винсента с жестокой реальностью в итоге окончательно вывели его из равновесия: в 1889 году художник попал в психиатрическую лечебницу. Там он прожил год и написал большую часть своих картин. Через несколько месяцев после выхода из лечебницы Ван Гог, по основной версии, покончил жизнь самоубийством, выстрелив в себя из револьвера.

История

В мае 1889 года, во время очередного обсуждения планов с Гогеном, Ван Гог внезапно пришел в неистовство и набросился на друга с бритвой в руках. До конца не ясно, что именно произошло, но позднее ночью Винсент отрезал себе мочку уха. Его забрали в психиатрическую лечебницу в Арле, где через месяц после происшествия художник написал картину «Звездная ночь». И хотя Ван Гог изобразил вид из окна больницы, большая часть экспозиции вымышленная: ему было видно только пшеничное поле и небо.

Стиль

Ван Гог был постимпрессионистом. Художники этого направления стремились отойти отточного изображения предметов иотимпрессионистской фиксации момента. Для них напервом месте стояла задача показать фундаментальные смыслы, используя цвет иформы. Точность визображении реальных объектов теперь тоже была необязательна— главным стало выразить идею.

Вслучае скартиной Звездная ночь сам Ван Гог никак непояснял свою задумку. Искусствоведы полагают, что огромные вихреватые звезды отсылают крелигиозным чувствам: размышлениям оконце бытия, овечности

Важно отметить, что картина была написана накануне острого приступа Ван Гога виюле 1889 года: возможно онтворил всостоянии обостренного восприятия

Интересные факты

• Хотя картина стала одним изизвестнейших полотен Ван Гога, онвпереписке схудожником Эмилем Бернаром назвал её провалом. Ван Гог стремился писать снатуры иизбегать таких абстрактных элементов, как, например, завихрения света звезд.
• Самая яркая звезда накартине, расположенная справа откипарисов,— Венера, которая, помнению исследователей, действительно была таковой втовремя вПровансе.