Юная нимфа, сраженная тяжелым недугом
Две начинающие художницы, которых зовут Сью и Джонси, снимают недорогую квартиру в бедном районе Манхэттена. На их третий этаж редко заглядывает солнце, так как окна выходят на север. За стеклом можно разглядеть лишь глухую кирпичную стену, обвитую старым плющом. Примерно так звучат первые строки рассказа О. Генри «Последний лист», краткое содержание которого мы пытаемся произвести как можно ближе к тексту.
Девушки поселились в этой квартире в мае, организовав здесь небольшую студию живописи. К моменту описываемых событий на дворе стоит ноябрь и одна из художниц серьезно больна — у нее обнаружили пневмонию. Приходящий доктор опасается за жизнь Джонси, так как она упала духом и приготовилась умирать. В ее хорошенькой головке крепко засела мысль: как только с плюща за окном упадет последний лист, наступит последняя минута жизни и для нее самой.
Сью пытается отвлечь подругу, вселить хоть малую искру надежды, но у нее это плохо получается. Ситуация осложняется тем, что осенний ветер безжалостно срывает листья со старого плюща, а это значит, что жить девушке осталось недолго.
Несмотря на лаконичность этого произведения, автор подробно описывает проявления трогательной заботы Сью о заболевшей подруге, внешность и характеры героев. Но мы вынуждены опустить многие важные нюансы, так как задались целью передать лишь краткое содержание. «Последний лист»… О. Генри дал своему рассказу, на первый взгляд, невыразительное название. Его раскрывается по мере развития сюжета.
Биография Робера Кампена
Считается, что Робер Кампен родился в городе Валансьен — некогда процветавшей столице графства Эно (Геннегау). В датировке этого события исследователи расходятся, называя различные даты между 1375 и 1380 годами.
Имя Кампена встречается в документах начиная с 1406 года. В 1410 году он получил права гражданства в крупном фламандском городе Турне и стал там городским живописцем. В документах городского архива сохранились данные о том, что ему принадлежало несколько домов в Турне, что свидетельствует об определенном материальном благополучии Кампена.
Источники свидетельствуют, что художник владел большой мастерской со множеством учеников (впервые эта мастерская упоминается в 1418 году), среди которых были известные впоследствии живописцы Рогир ван дер Вейден (в документе о приёме ученика стоит имя Рожеле де ля Пасторе, но исследователи считают, что это Рогир ван дер Вейден) и Жак Даре, которые упоминаются как его ученики с 1427 по 1432 годы.
Есть мнение, что в 1427 году Турне посетил Ян ван Эйк, приехавший в город, по всей видимости, для знакомства с искусством Кампена.
В 1423 году Кампен принял участие в выступлении горожан против правящего в Турне патрициата, войдя после того в число членов нового городского управления.
Вскоре, однако, патриции вновь вернулись к власти, а художник подвергся преследованиям. Есть мнение, что это было вызвано политическими симпатиями Кампена к французскому королю в эпоху острого соперничества между бургундским герцогством и французским королевством.
Джованни Браголин, «Плачущий мальчик» и череда пожаров
Джованни Браголин. «Плачущий мальчик».
Картина, с которой связано множество легенд и мифов, причем негативных. Более того, она едва ли не возглавляет рейтинг «проклятых» картин мирового искусства. Существует две легенды создания картины. Согласно первой, художник заставлял ребенка плакать, поскольку мальчик боялся огня, то проще всего это было сделать, зажигая перед его лицом спички. Ребенок, уставший от подобных издевательств, пожелал отцу сгореть. После этого мальчик умер от пневмонии, а художник сгорел во время пожара в собственном доме.
Другая версия тоже не очень гуманная, когда Джованни работал над полотном, в Испании шла гражданская война и, якобы художник рисовал в доме сирот, детей, чьи родители погибли. После того как картина была окончена, здание охватил пожар.
Однако обе легенды объединяет одно – месть мальчика с картины. Считается, где бы он не появился, за ним приходит разрушающий огонь. Причем сама картина, а точнее ее репродукция, не страдает от пламени. Примечательно, что миф развеяли журналисты, а не искусствоведы. Автором картины был Бруно Амадио, родившийся в Венеции, спокойный и тихий человек, не любивший известности, а потому использовавший псевдоним. Его «Плачущий мальчик» — одна из 27 картин, входивших в серию «Цыганские дети». На всех них изображены дети с негативными эмоциями. Скончался Бруно от старости, спустя 20 лет после написания картины.
Его серия картин пользовалась популярностью и вышла в продажу репродукциями, причем они охотно раскупались жителями районных кварталов. Отсюда вытекает и второе совпадение – именно в жилищах этой категории граждан чаще всего и случались пожары. Репродукция, кстати, была напечатана на высокоплотной бумаге и была устойчива к возгоранию. Вот и весь секрет.
Альбрехт Дюрер, тяжелое детство и руки брата, сложенные в молитве
Альбрехт Дюрер. «Руки молящегося».
Легенда гласит, что известный художник был рожден в семье, в которой воспитывалось 18 детей.
Грустная и романтичная история призывает нас воздать должное брату Дюрера, без стараний которого мы бы не узнали талант великого художника. Руки молящегося же – это руки Альберта Дюрера, которые изобразил брат.
В семье Дюреров и правда родилось 18 детей, но большинство из них не выжило, что было совершенной нормой для тех времен. Одновременно в семье воспитывалось не более трех детей, поэтому говорить о бедственном положении дел в семье ювелирного мастера не приходится. Но самое забавное – это то, что Академии художеств в ту пору попросту не существовало. К тому же отец семейства сам отличный мастер и мог преподать своим детям азы рисования. И даже представить сложно, чтобы ремесленник, который бережет свои руки и видит в своих сыновьях талант, отправил бы кого-то из них на каменоломню. В ту пору было естественным передавать опыт своего ремесла по наследству, и у младших Дюреров были все основания стать тем, кем они стали. На картине же с большей долей вероятности, изображены руки самого художника.
Надежда русского искусства
По мыслям отца, Леша должен был стать продолжателем его торгового дела. Но Алексей Саврасов пошёл по другому пути. С малых лет он рисовал. Любой листок бумаги становился холстом. Родители не поощряли, а бабушка хвалила. Однажды он принёс показать свои рисунки на рынок, торговцы высоко оценили талантливые работы, и они разошлись как горячие пирожки. Мальчика просили принести ещё.
В судьбу талантливого подростка вмешался господин случай. Он познакомился с А. Воробьёвым, который посещал Московское училище живописи, зодчества и ваяния, и эта встреча изменила его жизнь. Несмотря на семейные скандалы, протесты отца, четырнадцатилетний Саврасов поступает в училище. И, что примечательно, деньги для учёбы Алексей зарабатывает сам, продавая свои рисунки тем же торговцам на Никольском рынке, а те в свою очередь продавали их с наценкой.
А.С. Саврасов. Вид в окрестностях Ораниенбаума
К сожалению, проучиться пришлось недолго из-за болезни матери. Она умерла в 1848 году от чахотки, и в доме появилась мачеха, которая оказалась совсем не похожей на классическую злобную тётку. Именно она уговорила отца, чтобы Алексей вернулся в училище. И здесь ему также повезло, он попал в класс Карла Рабуса. Рабус вёл практические занятия и читал лекции по теории живописи. Именно от него Саврасов узнал о творчестве Леонардо да Винчи, Рафаэля, Гёте. И самое главное, Рабус научил своего студента видеть величие и красоту природы. Ценители называли Алексея «надеждой русского искусства». В 1850 году 20-летний мастер окончил училище и получил высокое звание художника.
Наследие постимпрессионистов
Сначала был импрессионизм. С него все тогда начинали. Даже Пикассо с Малевичем. Фальк не исключение. В 20 лет он очень похож на Клода Моне.
Роберт Фальк. Голубые березки зимой. 1907. Собрание семьи Мамонтовых, Москва. Фото из личного архива.
А потом было объединение художников «Бубновый валет». Многие русские авангардисты в нем состояли в молодости.
Сначала прониклись постимпрессионистами. Фальк примерял на себя четкий контур и густой слой краски. А ещё яркие фоны-обои. Так образы получаются нереалистичные, далекие от фотографической точности.
Но именно так художник мог передать характер, темперамент модели с особой силой. На это реализм не способен.
Слева: Роберт Фальк. Портрет Виктора Шнеерсона с чубуком. 1911. Собрание Валентина Шустера. Фото из личного архива. Справа: Винсент Ван Гог. Портрет Доктора Рея. 1889. Пушкинский музей, Москва. Wikimedia Commons.
Конечно, не обошлось без влияния Сезанна. Тот частично отказывался от единой точки схода. Поэтому на его картинах на одни предметы мы смотрим сбоку, а на другие – сверху.
Мы же в реальности не стоим, замерев перед объектами! А движемся и смотрим на все с разных точек зрения.
Слева: Роберт Фальк. Натюрморт на белой скатерти. 1914. Собрание Светланы и Бориса Молчановых, Москва. Фото из личного архива. Справа: Поль Сезанн. Натюрморт с корзиной яблок. 1896. Чикагский художественный музей. Wikimedia Commons.
Вот и у Фалька все предметы мы видим сбоку. А вот стол скорее рассматриваем сверху. Поэтому не совсем понятно, как салфетка со стола не падает.
А какой замечательный блик на кувшине! Два мазка светлой краски.
Вдохновлялся и Гогеном. А точнее, перенял его клуазонизм. Это когда большие поверхности покрываются одним сплошным цветом. Получается эффект витража.
Роберт Фальк. Пейзаж со свиньями. 1912. Смоленский музей-заповедник. Фото из личного архива.
Он усиливается ещё тем, что художник использует основные цвета палитры: красный, жёлтый и синий.
Слева: Роберт Фальк. Пейзаж со свиньями. 1912. Смоленский музей-заповедник. Фото из личного архива. Справа: Поль Гоген. Таитянские пасторали. 1892. Эрмитаж, Санкт-Петербург. Wikimedia Commons.
Картина, которая оказалась не картиной
Густав Климт. «Цветущий сад».
Благодаря интернету фейковые истории стали еще более частыми, к тому же получают массовое распространение, благодаря псевдолюбителям искусства. Кенан Малик – писатель из Великобритании опубликовал серию фотографий, обработанных по мотивам картин великих художников. И как говориться, началось. Особенно досталось картине Густава Климта «Цветущий сад», на который оказался похож фотоснимок Кенана. По некоторым версиям фотоснимок называли фрагментом картины или даже еще одним вариантом.
На самом деле эта фотография сделана в Лондоне, на ней цветы, растущие в Олимпийском парке. Снимок носит название «Дикий луг». Справедливости ради стоит отметить, что схожесть, действительно, есть.
Мона Лиза и ее диагноз по улыбке
Леонардо да Винчи. «Мона Лиза».
О том, сколько легенд и домыслов связано с улыбкой самой знаменитой картины Леонардо да Винчи можно и не говорить. Полотно стало знаменитым после того как его украли, до этого оно считалось лишь одним из полотен эпохи Ренессанса. Но, о чудо, полотно найдено, и весь мир вдруг замер в попытке разгадать тайну улыбки женщины с картины. Хотя это даже не улыбка, и не ухмылка, а какое-то торжество над зрителем. Возможно, именно поэтому Мона Лиза никого не оставляет равнодушным?
Теперь к исследованиям активно подключились и медики. Отоларингологи разглядели на лице Джоконды паралич лицевого нерва, поскольку такое застывшее выражение лица на самом деле свойственно людям с таким диагнозом. Появилось даже определение «болезнь Моны Лизы». А вот стоматологи-ортодонты по положению рта и губ сделали вывод, что у красавицы вовсе не было зубов.
Специалисты по нейрофизиологии наиболее близко подошли к разгадке, объяснив тайну улыбки Джоконы особенностям человеческого восприятия. И дело оказалось вовсе не в таланте легендарного художника. Это специфика человеческого зрения – в зависимости от того куда направлен взгляд, кажется, что улыбка то появляется, то исчезает. Так называемое периферическое зрение, когда охватывается взглядом все лицо – Мона Лиза улыбается, когда включается центральное зрение и оно направлено на детали – улыбка спадает.
Желание жить
Желание жить, бороться за жизнь, любить её, какой бы сложной она ни казалась. Да, порой кажется, что она несправедлива, жестока, но она прекрасна и неповторима. Порой, чтобы осознать это, необходимо пройти через трудности, оказаться на грани жизни и смерти. И именно находясь на этой зябкой границе, осознаешь, как прекрасна жизнь, как хороши простые окружающие нас изо дня в день вещи: пение птиц, тепло солнца, синева неба
Как важно вспоминать об этом, как необходимо говорить об этом детям, и пусть вам кажется, что они не поймут вас сейчас, именно в эту минуту, но говорить об этом стоит, они обязательно вспомнят ваши слова, когда придет время. Краткое содержание книги О
Генри «Последний лист», описанное выше, может послужить именно таким примером.
Отрезанное ухо Ван Гога и его автопортрет
Ван Гог. Автопрортрет.
История про то, как именитый художник отрезал себе ухо, неоднократно опровергалась, распространяя новый миф, согласно которому повреждения ему нанес его близкий друг, художник Поль Гоген. Постимпрессионисты на самом деле были очень близки, но при этом постоянно спорили, что и породило домыслы о том, что Гоген, который был к тому же еще и отличным фехтовальщиком, отрезал Ван Гогу ухо в пылу ссоры. Повреждения потом были зафиксированы в автопортрете, однако вопросы вызвал и тот факт, что ухо на портрете забинтовано левое, тогда как повреждено было правое.
Основываясь на последующем самоубийстве художника можно сделать вывод о том, что он на самом деле обладал импульсивным характером и мог нанести себе вред. Что касается автопортрета, то он нарисован в зеркальном изображении, поскольку Ван Гог срисовывал с зеркала, что вполне логично. К тому же, с высокой долей вероятности, художник был левшой, что объясняет повреждения правого уха – порезать его левше самостоятельно было удобнее.
Детали сюжета
Действие рассказа происходит в небольшом районе Гринвич-Виллидж на западе Манхэттена. Главные героини, две молодые художницы Джонси и Сью, живут в трёхэтажном доме. У Джонси диагностировали воспаление лёгких, её состояние близко к смерти. Лечащий врач говорит, что шансы на излечение, хоть и небольшие, но есть, однако всё зависит от внутреннего настроя пациентки.
Ситуация усугубляется тем, что сама девушка не имеет никакой воли к жизни, она не видит смысла бороться с болезнью и с нетерпением ждёт своей участи. Джонси, будучи творческой личностью, проводит параллели своего состояния с листьями плюща, который растёт прямо за окном дома:
- «Каждый день ветер срывает с дерева листья, которые, подобно человеческой судьбе, не могут противостоять судьбе и зависят лишь от внешних обстоятельств».
- «С каждым днём листьев всё меньше и меньше. Мы всегда на пороге смерти и не в наших силах предотвратить её появление».
- «Когда с плюща упадёт последний листок, тогда и я умру».
Подруга Джонси, обеспокоенная мрачными и пессимистичными мыслями, идёт к соседу — художнику Берману. Старый художник, в своё время лелеявший мечту написать великую картину, с усмешкой слушал взволнованные речи Сью о своей подруге, вообразившей, что она должна умереть, как только ветер сорвёт последний лист у дерева напротив дома. «Умирать оттого, что листья все опали с проклятого дерева — возможна ли такая глупость? Эх, бедная мисс Джонси!».
На следующее утро на дереве остался лишь один-единственный лист. Джонси уверена, что к следующему дню он не продержится, и тогда наступит её смерть. Девушка весь день наблюдает за тем, как листок, несмотря на дождь и ветер, остаётся висеть на ветке.
Но вот наступило утро очередного дня — а листок продолжает висеть! Джонси восприняла это как хорошее предзнаменование и решила бороться со «стихией» (с болезнью) до последнего, подобно плющевому листку. Врач, заходивший проведать пациентку, установил, что у неё хорошие шансы на выздоровление; также мимоходом он замечает, что у него новый пациент — старик Берман, который заболел буквально на днях.
Вечером Сью сообщает Джонси о смерти старика. Выясняется, что он, услышав о глупом предрассудке девушки про лист плюща, решает нарисовать картину, на которой был бы изображён этот листок. Шедевр, давно планируемый Берманом, был написан именно в ту ночь, когда последний лист плюща был оторван от дерева.
«Утро в сосновом лесу»: два автора, четыре медведя и не нарисованные зайцы
Иван Шишкин. «Утро в сосновом лесу».
Пожалуй, это одна из самых известных отечественных картин, с которой связано множество историй, которые на проверку оказываются лживыми. Одна из самых распространенных – соавтором Шишкина был Васнецов, известный своими пейзажами. Вместо медведей должны были быть зайцы. Медведей было два. Медведей не было вообще. Да и картина называется в лучшем случае «Утро в сосновом бору», в худшем – «Три медведя». Кажется, в этот список домыслов сложно добавить что-то еще.
Авторов картины на самом деле два, если пейзаж принадлежит Шишкину, то медвежат нарисовал Константин Савицкий. Правда, впоследствии он отказался от своего авторства в пользу Шишкина. Сейчас фамилия автора одна, она указана на самом полотне, которое хранится в Третьяковской галерее. Официальное название картины «Утро в сосновом лесу», хотя больше получило распространение название с упоминанием бора. Медведей на самом деле не было, только на другом аналогичном полотне, которое хранится в частной коллекции в Польше. Количество медведей увеличилось в ходе написания картины, сначала их было в два раза меньше.
Густав Климт «Портрет Адели Блох-Бауэр» — красивая история любви оказалась выдумкой
Густав Климт. «Портрет Адели Блох-Бауэр«.
Густав Климт, пожалуй, был известен как любвеобильный прожигатель жизни даже больше, чем художник. Одно из его знаменитых полотен также сопровождается красивой легендой, которая на деле оказывается выдумкой. Адель якобы была любовницей художника, а ее супруг, узнавший об их связи, оказался весьма коварным и решил заказать у известного художника портрет супруги. Его задумка была такова: создание портрета должно быть максимально растянуто по времени, и за этот период Климт, привыкший менять любовниц, должен потерять интерес к Адель. А неверная жена бы увидела, как возлюбленный теряет к ней интерес – для молодой женщины это бы было лучшим наказанием.
На самом деле супруг Адель Фердинанд был богатым и самоуверенным евреем, заказавшим у самого знаменитого и дорогого художника портрет любимой супруги в подарок для ее родителей. Картина получилась столь удачной, олицетворяла венское великолепие и роскошь жизни. И вместе с тем благочестивые католики сразу стали шептаться, помня о репутации художника.
Библиография
- Никулин Н. Н. Золотой век нидерландской живописи. М., 1981
- Erwin Panofsky. Early Netherlandish painting: its origins and character. New York: Harper & Row, 1971. ISBN 0-06-430002-1
- Martin Davies. Rogier van der Weyden: an essay, with a critical catalogue of paintings assigned to him and to Robert Campin. London: Phaidon, 1972 ISBN 0-7148-1516-0
При написании этой статьи были использованы материалы таких сайтов: all-biography.ru,
Творчество. Свобода. Живопись.
Allpainters.ru создан людьми, искренне увлеченными миром творчества. Присоединяйтесь к нам!
Робер Кампен: жизнь и творчество художникаПроголосуйте
Работы художника
Помимо Флемальского алтаря и триптиха Мероде, кисти Кампена приписывается ещё десяток работ, включая диптих из собрания Д. П. Татищева в Эрмитаже, две створки из исключительного по качеству алтаря Верля в Прадо, раннее «Положение во гроб» из Института искусств Курто, парный портрет в Национальной галерее Лондона и «Рождество Христово» (1420) из музея в Дижоне.
Атрибуция всех произведений Кампену спорна; не исключено, что те или иные произведения принадлежат кому-то из его учеников (например, Жаку Даре).
Флемальский алтарь
В настоящий момент находится в Штеделевском художественном институте (Франкфурт-на-Майне). Получил своё название от Флемальского аббатства, близ Льежа — прежде ошибочно считалось, что именно оттуда он происходит. Сохранилось 4 створки, 3 из них принадлежат Флемальскому мастеру: «Святая Троица», «Дева Мария с младенцем» и «св. Вероника». (ок. 1410).
Триптих Мероде
Триптих Мероде датируется 1428 годом. В настоящий момент он находится в музее Метрополитен в Нью-Йорке. Его создатель также назывался «Мастером алтаря Мероде». Сейчас атрибуция его Флемальскому мастеру по-прежнему находится под сомнением.
Анализ персонажей
Главная героиня — больная девушка Джонси, художница, которая не знает, зачем ей продолжать жить. Болезнь является лишь закономерным продолжением её депрессии. Не имея цели и опоры в жизни, Джонси начинает цепляться за внешние явления и знаки. Таковым является дерево плюща, которое под осенними ветрами освобождается от листвы. Джонси олицетворяет собой человека искусства, потерявшего свою путеводную звезду и не находящего никакого смысла в дальнейшем существовании.
Её подруга Сью на первый взгляд является полной противоположностью — активная, упорная и жизнерадостная девушка, работающая для того, чтобы прокормить и вылечить свою подругу. Однако если читать «Последний лист» О. Генри внимательно, то становится понятно, что она очень похожа на Джонси. Больше того, она является примером того, какой была бы Джонси, избавься она от слабых и уничтожающих её сущность мыслей.
Старый художник Берман всю жизнь мечтал написать картину, которая увековечит его имя. Источником таких мыслей являются не амбиции, а сомнения творческого человека в своём таланте, ведь, как считает старик, он ничего путного за все прожитые годы так и не нарисовал. Среди особенностей натуры Бермана следует назвать:
- Терпение. В отличие от Джонси, фактически сдавшейся после первых трудностей, старик до последнего не терял надежды на то, что сможет себя реализовать как художник.
- Ожидание знаков судьбы. Он, надеясь написать шедевр живописи, ничего со своей стороны не делал, думая, что сюжет картины придёт ему спонтанно. В этом он очень похож на Джонси.
- Доброта. Хоть старик плохо знал, кто такая Джонси, он решил ей помочь. Эта помощь абсолютно бескорыстная — никому на белом свете, кроме больной девушки, не нужна картина листка плюща. В этом состоял подарок судьбы, подкинутый Берману к концу жизни.
Краткая история создания
Написание рассказа относится к периоду творчества О. Генри после тюремного заключения 1898—1900 годов. К тому времени Уильям Портер уже был довольно известным писателем в Англии. Из личных событий, произошедших в то время, следует назвать смерть любимой жены от туберкулёза. Находясь в тюрьме, писатель отправлял свои рассказы и новеллы издателям под разными псевдонимами, однако известность получил именно О. Генри.
В преддверии самого плодотворного писательского периода (за 1902 г. написано свыше 380 рассказов) Уильям Портер работает в газете New York World Sunday, где помимо репортажей и описаний текущих событий он также публиковал свои рассказы. В это время у писателя появляется замысел для сборника рассказов, впоследствии названного «Горящий светильник».
живительная сила искусства;
борьба человека с судьбой;
размышления о предназначении, смысле жизни и цели как конкретного человека, так и всех людей;
самое важное качество — человеколюбие;
надежда умирает последней.
