Эдгар дега: биография, творчество и известные картины

Описание картины Эдгара Дега «Урок танцев»

Изображение балета и балерин Эдгаром Дега просто пронизано тонкой красотой и изяществом. Сохранилось очень много этюдов, зарисовок и законченных произведений художника, изображающих те или иные сценки и эпизодов из жизни балета. Дега в самом деле был весьма очарован изяществом и пластикой танцовщиц, но в то же время он почти преклонялся перед их тяжёлым трудом и многочасовыми тренировками. Сколько же времени и сил приходится тратить совсем молодым девочкам для того чтобы отточить до совершенства и исполнить танец, которому будет рукоплескать огромный зрительный зал.

Картины Эдгара Дега, изображающие балерин, почти всегда полны искристой радости, но имеют и обратную сторону: лица этих воздушных созданий в пачках несут печать усталости и эха того огромного труда и напряжения, с которыми связана их красивая со стороны деятельность. Особенно хорошо это видно на картинах, описывающих закулисную жизнь танцовщиц балета.

Очень жизненно и органично изображена упражняющаяся возле станка девочка на картине Дега «Урок танца». Маленькая девочка-подросток, ещё совсем не оформившаяся, занимается выполнением простых, но для неё пока очень сложных па под аккомпанемент скрипки. Продолжая упорно трудиться, она несомненно из эдакого гадкого утёнка превратится в настоящего лебедя.

Скрипач играет с отрешенным выражением лица, мысли его витают где-то далеко, видимо, устремились вслед за мелодией, которую машинально играют руки. Странно, но это состояние передаётся и начинающей танцовщице, она так же автоматически повторяет уже тысячу раз сделанные движения, мечтая о чем-то детском.

  • Картина «Урок танцев» Эдгара Дега удивительным образом перемещает зрителя с помощью искусства живописи в мир искусства танца и живописи.
  • Год написания картины: 1879.
  • Размеры картины: 65 x 56 см.
  • Материал: нет данных.
  • Техника написания: пастель.
  • Жанр: жанровая живопись.
  • Стиль: импрессионизм.
  • Галерея: Художественный музей Метрополитен, Нью-Йорк, США.

Наперекор правилам

Глядя на «Голубых танцовщиц», можно подумать, что Дега сумел изобразить девушек в тот миг, когда они и не подозревали чужого присутствия. Согласитесь, для художника, пишущего картину по меньшей мере несколько часов, остаться незамеченным крайне сложно.

Исследователи не исключают, что свою знаменитую картину Дега создал по фотокарточке. На это могут указывать и обрезанные края (у одной из балерин чуть обрезана макушка). Фотографу сделать свою работу исподтишка гораздо проще. А если так, то Дега использует виртуозный приём. Мы словно наблюдаем за действующими лицами картины, причём они нас не видят. Это напоминает подглядывание в замочную скважину. Кстати, подобный приём Дега использует в картинах с купальщицами.

На картинах художника балерины далеко не всегда изящныЭдгар Дега «Танцовщица в своей гримерной», 1880 годМестонахождение: Фонд Оскара Рейарта, Винтертурец, Швейцария

Хочу отметить, что Дега был равнодушен к женщинам, которых писал. Именно поэтому балерины далеко не всегда изящны на его картинах, а иногда даже предстают в не самом выгодном свете. Художник стремился показать не парадную картинку, какую видит зритель в театрах, а настоящую жизнь, суть работы тех же балерин.

Изящество появляется на сцене, а вот предшествует ему тяжёлый труд. Но почему-то в «Голубых танцовщицах» Эдгар Дега решил отойти от привычных своих принципов. Здесь наперекор всему балерины выглядят крайне грациозными и обворожительными. Но почему так? Это так и останется загадкой живописца.

Композиция «Голубые танцовщицы» в исполнении хореографического коллектива «Кабриоль» / balakirev.arts.mos.ru

Картина «Голубые танцовщицы» была достойно оценена ещё при жизни автора – её приобрели за 60 тысяч франков. Увы, деньги эти не принесли счастья Эдгару Дега. До конца своих дней он так и оставался отшельником, живущим в одиночестве в своём “странном” доме. Однако именно «Голубые танцовщицы» стали воплощением мастерства и гения этого необыкновенного человека.

Абсент (1893)

Перед зрителем разворачивается довольно интересный сюжет. В кафе за столиком сидит странная пара — трезвый мужчина с трубкой и выпившая женщина. Перед ней стоит бокал с абсентом. Поза женщины расслаблена, она бесцеремонно выдвинула вперёд ноги, опустила плечи. Её веки отяжелели и чуть прикрывают глаза. Она пьяна и абсолютно безразлична к окружающему миру. Мужчина, по всей видимости, не является спутником дамы. Он смотрит в окно с безучастным видом.

На картине изображено утро, о чём свидетельствует утренняя газета в руках господина, чьими глазами мы наблюдаем эту сценку. У дамы и у мужчины, видимо, была бурная ночь.

Действие абсента имеет определённый эффект на человека. Изрядно выпившие люди становятся равнодушными ко всему на свете, отчуждёнными. Дега смотрит на эту пару трезвым взглядом и подчёркивает пагубность этой привычки. А ведь пристрастие к абсенту было бичом XIX века.

7

Таз для мытья.

Эдгар Дега. Таз для мытья. 1886 г. Бумага, пастель. Музей Д’Орсе, Париж.

Одна из любимых тем Дега – обнаженные женщины, принимающие ванну, причёсывающие волосы или вытирающиеся полотенцем.

На картине “Таз для мытья” художник выбрал весьма странное композиционное решение, срезав правый угол картины столом с туалетными принадлежностями. Создаётся впечатление, что зритель только что вошёл в комнату, где моется женщина, и смотрит на неё со стороны.

Сам Дега писал о подобных картинах, что как раз стремился создать у зрителя ощущение, что он подглядывает в замочную скважину. Это ему явно удавалось.

Не ночь, а день

За время хранения краски на картине стали значительно темнее, из-за чего в народе её и стали именовать «Ночным дозором». После реставрации, проведенной в 1947 году, искусствоведы отметили, что полотно покрыто значительным слоем копоти, что затемняет её краски.

Возможно, дозор этот был дневным, а вовсе не ночным. Расчистка ясно показала, что действие на картине происходит днём. Кроме того, Рембрандт отложил тень от левой руки капитана Кока. Её положение говорит, что время действия – не позднее 14 часов дня.

Капитан Кок отдал приказание о выступлении лейтенанту Рёйтенбюргу, мушкетёры готовят оружие

Странные детали

Однако ночь и день в «Ночном дозоре» не являются главной загадкой картины. Сразу хочу отметить, что впечатление заказчиков от полученной работы было неоднозначным.

Мало того, что они получили не традиционный парадный портрет, а изображение какой-то неясной толпы самых разномастных персон, так ещё и заметны были странные детали. Например, к чему в картине, демонстрирующей представителей стрелковой роты Рембрандт добавил какую-то девочку? И почему, помимо 18 основных участников действия, мы можем увидеть ещё 16 человек? Кто они?

Ответить на эти вопросы крайне сложно, тем более, что сам художник не оставил ни намёков, ни подсказок будущим поколениям. Глядя на картину, можно понять, что изображён тот самый момент, когда капитан отдал приказ о выступлении лейтенанту Рёйтенбюргу. Мы видим, как прапорщик разворачивает знамя, уличный мальчишка бежит прочь, а собака лает на офицеров.

Рембрандт без преувеличения гениально передаёт игру тени и света. Кроме того, мастер виртуозно сумел изобразить динамику. Кажется, что движутся даже детали одежды военных. Однако это не отменяет того факта, что на картине есть масса необычных персонажей и странных символов, объяснить которые мог лишь сам Рембрандт.

Рембрандт Харменс ван Рейн «Автопортрет с двумя кругами», между 1665 и 1669 годамиМестонахождение: Кенвуд-хаус, Лондон, Великобритания

«Сотворение Адама» – анатомическое искусство

Это одна из самых выдающихся композиций росписи Сикстинской капеллы, созданная Микеланджело. Будучи в основном скульптором, Микеланджело не особенно рвался рисовать фрески на потолке храма. Кроме того, известно, что Микеланджело имел очень хорошие знания в области анатомии человека, это и видно на его фреске.

«Сотворение Адама» Микеланджело Буонарроти

Первым сходство очертаний плаща, развевающегося вокруг Бога и его спутников, с контурами человеческого мозга отметил американский врач Фрэнк Линн Мешбергер. Думается, что на фреске Микеланджело воплотил в жизнь идею: творящее начало в лице Бога с ангелами – это прежде всего мыслительный центр. Четко можно проследить борозды, которые разграничивают части головного мозга. При близком рассмотрении можно обнаружить варолиев мост, гипофиз, две позвоночные артерии, среднюю лобную, угловую и надкраевую извилину. Но и это еще не все: с другой стороны было замечено, что красная ткань вокруг Бога имеет форму человеческой матки, а свисающий зеленый шарф может быть недавно разрезанной пуповиной.

«Это интересная гипотеза, которая представляет сцену Творения как идеализированное представление физического рождения человека. Она объясняет пупок, который появляется на Адаме, что сначала сбивает с толку, потому что он был создан, а не рожден женщиной», – писал эксперт искусства Энрико Брускини.

Есть много доказательств того, что Микеланджело радикально не соглашался со многими католическими традициями. Некоторые считают, что для того, чтобы унизить Папу Юлия II и католическую церковь, художник изобразил дополнительное скрытое ребро на теле Адама – ребро Евы. Это говорит о сотворении Адама и Евы бок о бок, что отличается от католической традиции. Согласно ей, Ева была создана после Адама.

Символы на картине

Сегодня же над загадками «Ночного дозора» ломают голову исследователи. Крайне странно выглядит одежда капитана и лейтенанта. И если Рёйтенбюрга Рембрандт “одел” в сияющее облачение, то Баннингу Коку досталось чёрное, практически “дьявольское” облачение.

Почему же художник так распределил цвета? В качестве одной из версий, объясняющей это, звучит гипотеза о религиозном символизме. Согласно ей, чёрный наряд Кока напоминает о протестантах, а золотой мундир лейтенанта – о католиках. В данном случае Рембрандт мог подчеркнуть единство сторонников этих направлений.

Капитан Франс Баннинг Кок и лейтенант Виллем ван Рёйтенбюрг

Пожалуй, больше всего загадок связано с девочкой, что запечатлена на полотне. Она словно окутана мерцанием, однако, возможно, такой эффект достигается лишь за счёт её золотистого платья.

Не секрет, что в «Ночном дозоре» Рембрандт использовал принцип “золотого сечения”. Если присмотреться, можно заметить, что “сияющая” девочка компенсирует излишне яркий наряд лейтенанта.

Девочка – самый загадочный персонаж картины. Даже есть мнение, что это последний портрет любимой жены художника Саскии

Девочка также может отождествлять собой некий символ отряда. На её поясе можно заметить мёртвую курицу, что символизирует поверженного противника. А рядом с малышкой – офицер в шлеме с дубовыми листьями, ставшими талисманом роты. Кроме того, желтые тона в одежде ассоциировались с победой. Как показали рентгенограммы, больше всего Рембрандт работал над совершенствованием фигуры Рёйтенбюрга.

Судьба картины «Ночной дозор» тоже оказалась непростой. Три раза она подвергалась попыткам уничтожения. И если в первый раз пострадала лишь часть холста, в последующие атаки полотно получило 10 ножевых ударов и было облито серной кислотой.

Возле этой загадочной картины всегда есть заинтересованные зрители

Несмотря ни на что, «Ночной дозор» продемонстрировал истинную солдатскую стойкость, сумев выстоять после нападения. Сегодня картина хранится в Государственном музее Амстердама, представляя собой одно из самых масштабных творений (его размер – 363 на 437 см).

Считается, что после «Ночного дозора» популярность Рембрандта пошла на спад, а в его жизни начался поистине мрачный период. Но вряд ли картину стоит считать проклятием художника. Вероятнее всего, современники устали от тёмных тонов, что так любил Рембрандт, и стали тяготеть к более ярким и сочным тонам, как, к примеру, у того же ван Дейка.

Гладильщицы.

Эдгар Дега. Гладильщицы. 1884 г. Музей Д’Орсе, Париж.

Написанием работающих женщин Дега увлекался несколько десятилетий своего творчества. До него простых женщин, в частности прачек, изображал только Оноре Домье.

Также жизнь простых женщин, зарабатывающих себе пропитание не самым благородным занятием, показывал и Эдуард Мане, чем немало шокировал публику. Его картины “Олимпия” иявляются одними из самых эпатажных для своего времени. А купальщицы и простолюдинки Дега – это уже дань новой традиции изображать жизнь разных людей, а не только мифических богинь и знатных дам.

Работа “Гладильщицы” примечательна не только самым  обыденным жестом и позой героини, которая не стесняясь зевает во весь рот. Но и тем, что краски нанесены на необработанный холст, что создаёт неоднородную “неряшливую” текстуру полотна.

Возможно, используя такую технику наложения красок, Дега хотел ещё больше подчеркнуть спонтанность и обыденность изображённого момента чужой жизни.

***

Эдгар Дега создавал картины принципиально по-другому в отличие от академистов и даже импрессионистов. Его картины – словно моментальные фотоснимки чужой жизни, без постановочных сцен и декораций.

Андрей Аллахвердов. Эдгар Дега. 2020. Частное собрание (всю серию портретов художников XIX-XX веков смотрите на сайте allakhverdov.com).

Он как будто специально стремился остаться для своего героя незамеченным, чтобы уловить самое сокровенное в его движениях, позах и эмоциях. В этом и проявляется гениальность этого художника.

Если вам интересны жизнь и творчество Эдгара Дега, рекомендую также почитать статью:

***

Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.

Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.

Джоконда – женщина легкого поведения?

«Мона Лиза» Леонардо да Винчи

Считается, что на картине изображена Лиза Герардини – супруга флорентийского торговца шелком Франческо дель Джокондо. Однако полотно не раз подвергалось анализу, исследованиям и даже конспирологическим теориям. Так, некоторые предполагают, что на знаменитой картине изображена женщина легкого поведения, мол, в XVI веке в Италии без бровей и ресниц ходили именно дамы этой профессий. Правда, есть теория, что изначально Мона Лиза была обладательницей густых бровей, которые исчезли после неудачной попытки реставрации. Но и это еще не все. Есть исследователи, которые считают, что на картине художник изобразил своего любовника по прозвищу Салаи (Дьяволенок) или даже самого себя – как бы он выглядел, если бы был женщиной. До сих пор остается непонятным, почему Леонардо да Винчи после того, как закончил картину, не передал ее заказчику, а бережно хранил у себя до конца жизни.

«Иоанн Креститель» Леонардо да Винчи

*картина Леонардо да Винчи «Иоанн Креститель», моделью для которой был Салаи. Возможный гомоэротизм этого произведения был предметом рассмотрения искусствоведов, а на эскизе картины ясно виден эрегированный пенис.

Но больше всего людей занимает улыбка Моны Лизы, говорят, чтобы на устах модели постоянно играла улыбка, художник на протяжении четырех лет (именно столько он потратил на свою работу) приглашал шутов и музыкантов. Считается, что Джоконда улыбается вполне нормальной улыбкой, однако при более долгом просмотре картины кажется, что улыбка становится язвительной, насмешливой или печальной.

«Мона Лиза» Леонардо да Винчи

Существует несколько теорий, объясняющих эту загадку:

Чужая улыбка. Говорят, что это улыбка самого художника или его любовника Салаи. Как будто в этих хитрых, приподнятых уголках губ скрывается вся тайна взаимоотношений да Винчи с его учеником.

В глазах смотрящего. Все зависит от того, в каком настроении пребывает зритель, считают американские ученые Кристофер Тайлер и Леонид Концевич. Улыбка Джоконды в целом нейтральна, все дело в психологии нашего восприятия. Поэтому в плохом настроении в Лувр лучше не ходить.

Потрепало время. Фотоэксперт Жак Фрэнк утверждает, что изначально у женщины была на 100% жизнерадостная и счастливая улыбка, опечалило ее время, вместе с которым лицо Моны Лизы трансформировалось и изменило свои черты.

Смотрите не туда. Доктор Ливингстон из Гарварда считает, что да Винчи писал рот Джоконды, глядя ей в глаза. Таким образом, все дело в нашем визуальном восприятии. То, что попадает в центральную область, мы видим четко, то, что в периферическую – размыто. Поэтому, глядя в глаза Моны Лизы, мы видим тени на щеках, говорящие об улыбке. Когда же переводим взгляд на рот – тени пропадают.

Проблемы со здоровьем. Доктор Мандип Мехра считает, что ухмылка женщины вызвана недостаточной активностью щитовидной железы. Британский искусствовед Джонатан Джонс считает, что у Джоконды был сифилис (якобы по свидетельствам, сохранившимся в бухгалтерских книгах флорентийского монастыря, женщина покупала в местной аптеке acqua di chiocciole – воду улиток, которую в то время использовали для лечения сифилиса). До этого врачи предполагали, что у героини портрета паралич лица, болезнь Паркинсона – потому что правая рука подозрительно прижимает левую, будто она пытается сдержать неконтролируемое движение, глухота и даже синдром Дауна, что мешало ей полноценно улыбаться.

Не женщина, а мужчина

Караваджо. Юноша с лютней. 1595–1596 годы

Сомнения в том, что «Лютнист» Караваджо — юноша, а не девушка, связаны с расхождением версий у его биографов XVII века: так, Джованни Пьетро Беллори пишет, что это женщина, а Джованни Бальоне — что мужчина  Christiansen K. A Caravaggio Rediscovered: The Lute Player. New York, 1990.. Это, в общем, не удивительно: герои ранних работ Караваджо выглядят женственно, и в подписях к картине в разное время указывали разный пол: у Брокгауза и Ефрона (1890–1907) это «Мандолинист», в альбомах Эрмитажа 1950-х годов — «Девушка с лютней». Связано это в первую очередь с тем, что перво­начально картины, находясь в частных собраниях заказчиков, не имели названий. Нужда в названии возникала, когда работы выставляли на аукцион, передавали в музей или помещали в каталог. В 1960-е на разных выставках картину подписывали то в мужском, то в женском роде. Мнение, общеприня­тое сегодня — о том, что на картине изображен юноша, — утвердилось только к 1970-м годам. В результате исследователи сошлись на том, что поскольку у раннего Караваджо все юные герои в подобных (светских) сюжетах — юноши, а не девушки, то нет оснований считать обратное. Кроме того, в 1980-е годы были расшифрованы ноты, лежащие на столе: это басовая (то есть однозначно мужская) партия мадригала Якоба Аркадельта «Вы знаете, что я люблю вас».

Не аристократка, а куртизанка

1 / 2

Иван Крамской. Неизвестная. 1883 годГосударственная Третьяковская галерея / Wikimedia Commons

2 / 2

Иван Крамской. Неизвестная. Этюд. 1883 годartchive.ru

Героиня картины Ивана Крамского «Неизвестная» трактовалась многими современниками как куртизанка — известно, например, знаменитое выражение критика Влади­мира Стасова «кокотка в коляске». Позднее зрители перестали считывать и язык костюма (остромодного, не принятого у аристократок), и антураж (откры­тая коляска, пустое место рядом). К тому же после выхода в свет стихо­тво­рения Блока «Незнакомка» (1907) в представлении публики соедини­лось два образа (в описании Блока есть и атласная ткань, и страусиное перо, и узкая рука), и даму стали воспринимать как таинственную и утончен­ную. Хотя в действитель­ности незнакомка Блока — тоже вовсе не благородная дама, а проститутка. Юрий Нагибин в своем дневнике оставил примечатель­ную запись о репро­дукции картины, увиденной им в доме сторожа в Пушкин­ских Горах: «В избе с иконой и лампадкой висел большой портрет Пушкина, а рядом репродукция „Незна­комки“ Крамского. Хозяин уверял, что это Керн». При этом в искусствоведче­ских кругах уже с конца 1930-х было известно, что героиня картины — дама полусвета. Именно так о ней отозвался сын Крам­ского, передавая работу в Третьяковскую галерею в 1937 году. А в 1953 году в Праге состоялась выставка русского искусства из чехословацких собраний, на которой показали этюд к «Неизвестной». Черты лица и взгляд женщины на этюде не оставлял сомнений: дама вовсе не благородная. Однако вне академической среды мифы о «Неизвестной» продолжают жить до сих пор.

Не святая Екатерина, а простая дама

1 / 4

Рафаэль Санти. Дама с единорогом. Около 1506 годаGalleria Borghese / Wikimedia Commons

2 / 4

Картина до реставрации 1934—1936 годовWikimedia Commons

3 / 4

Рентгеновский снимок картины, на котором видна собачкаWikimedia Commons

4 / 4

Рафаэль Санти. Портрет дамы. Около 1505 года RMN-Grand Palais  / Musée du Louvre / Michèle Bellot

До реставрации 1934–1936 годов картина Рафаэля, сегодня носящая название «Дама с единорогом», приписывалась разным художникам и считалась изображением святой Екате­рины, с типичными атрибутами ее мученичества — колесом и пальмовой ветвью. После реставрации не только подтвердилось, что автор портрета — Рафаэль, но и выяснилось, что на руках дама держит маленького единорога (символ девственной чистоты), а значит, никакого отношения к святой Екатерине не имеет. Кто превратил обычную даму в святую, по-прежнему неизвестно.

Однако на этом история не кончи­лась. Сделанный позднее рентген выявил, что на месте единорога раньше была изображена собачка (символ верности). И наконец, найденный и хранящийся сегодня в Лувре набросок к картине показал, что и собачка — не изначальный вариант! Рафаэль сначала изобразил свою модель вообще без атри­бутов. Счищать живопись до первоначального слоя реставраторы не стали, и единорог остался на картине. И в названии.

Голубые танцовщицы (1898)

Небольшой квадратный лист бумаги превратился в настоящий шедевр под искусной рукой Дега. Волшебство, очарование этой картины неоспоримо. Изящество балерин, изысканный голубой цвет делает работу узнаваемой и необычайно эстетичной.

Балерины и балет были для Дега одной из любимых тем. Он рисовал девушек в самых различных позах, ракурсах, как будто выхватывал из ленты времени маленький фрагмент движений балерин. Эта картина, скорее всего, похожа на современную фотографию. У неё необычный ракурс — вид сверху. Зритель видит только изящные шеи, плечи и талии танцовщиц. Каждая балерина занята своим делом: одна поправляет бретельку платья, другая — проверяет, как сидит танцевальный костюм на её прекрасных плечах, третья пытается рассмотреть через плечо свои ноги, а у четвертой зритель видит только затылок и часть спины — видно, что балерина нагнулась завязать бант на пуантах.

3

Иисус Христос в «Явлении Христа народу»

А теперь предлагаю внимательно присмотреться к каждому из основных действующих лиц. Конечно, главным героем картины является Иисус Христос. Изначально, что видно на эскизах, художник хотел разместить Мессию в группе людей, ближе к Иоанну Крестителю и людям, но в дальнейшем решил отделить его. В одном из своих писем художник объяснил этот аспект:

В простых одеждах Иисус идет величественной поступью

Иванов считал, что особенно важным является не только образ Христа, но и место, которое он занимает на картине. И если в первоначальном варианте Мессия был на уровне Иоанна Крестителя, то в более поздних вариантах живописец решил “поднять” его за счёт снижения холма. Кроме того, череда гор и сизая дымка на заднем плане добавляют образу Спасителя поэтичности. Николай Гоголь так писал о Христе на картине:

Фигура Иисуса размещена на возвышенной части ландшафта, из-за чего складывается впечатление, будто он стоит над толпой

Предыстория

Известный русский художник Александр Иванов обучался в Академии художеств, а в дальнейшем стал участником Общества поощрения художников, благодаря поддержке которого в 1830 году смог отправиться в Италию. Несколько лет он провёл в Риме, где жил и работал.

Уже тогда у него появился замысел создать монументальное полотно «Явление Мессии народу». В своих письмах Иванов отмечал, что несколько раз перечитывал Евангелие от Иоанна, причём считает, что именно в нём соединена вся суть библейских идей. Он отмечал:

Александр Иванов Явление Христа народу, 1837-1857 годыМестонахождение: Государственная Третьяковская галерея, Москва, Россия

Именно этот последний момент и был выбран Ивановым в качестве сюжета для своего полотна. Однако столь сложная и значительная работа требовала подготовки.

Предшественником «Явления Христа народу» стала более простая, двухфигурная композиция, запечатлённая в творении «Явление Христа Марии Магдалине». Она была закончена в мае 1835 года, а вскоре была отправлена в Санкт-Петербург. Творение получило настолько высокую оценку публики и критиков, что Иванову было присвоено звание академика.

Александр Иванов «Явление Христа Марии Магдалине после воскресения», 1835 годМестонахождение: Государственный Русский музей, Санкт-Петербург, Россия

Сам художник писал:

Сергей Постников «Портрет художника Александра Андреевича Иванова», около 1873 годаМестонахождение: Государственная Третьяковская галерея, Москва, Россия

Образы картины

Но давайте взглянем на это гениальное творение. В первую очередь, стоит познакомиться с его сюжетом. Здесь указан момент появления Иисуса в пустыне после его крещения. Евангелие от Иоанна так описывает события:

Центр композиции занимает фигура Иоанна Крестителя, о которой уже немало сказано. Он занимается крещением людей, что собрались у реки Иордан. Он одним из первых увидел приближающегося Христа и указывает народу на него.

Интересным приёмом художника является размещение Иисуса на возвышенной части ландшафта, из-за чего складывается впечатление, будто он стоит над толпой. Это – один из символов картины.

За спиной Крестителя находится группа новозаветных апостолов

Если взглянуть на людей, собравшихся возле Иоанна, можно отметить, что они в большинстве своём представляют общую массу. Но есть и те, что выделяются среди толпы. За спиной Крестителя находится группа апостолов. В правой части работы Иванова расположена группа людей, выходящих из воды и дрожащих после ритуала купания.

Не менее важную роль играют пейзажные элементы. Они необходимы были для создания особого фона и атмосферы. Здесь виднеются светлые здания Иерусалима, оливковые рощи, а замыкают горизонт горы сероватого цвета. Иванов отмечал сложности создания пейзажа:

Полотно очень колоритно. Природа на нем не менее выразительна, чем фигуры людей

Не испанский быт, а древнегреческий миф

Диего Веласкес. Миф об Арахне (Пряхи). 1655–1660 годы

Известную картину Диего Веласкеса «Пряхи» в XIX веке считали воссозданием повседневной сцены в королевской мануфактуре гобеленов «Санта-Исабель» в Мадриде. Кроме прочего на это указывал интерьер, в котором разворачива­ется сцена. При этом известно, что еще в XVIII веке (вероятно, после пожара 1734 года в мадридском Алькасаре) картину надставили  То есть добавили холст по краям картины. со всех сторон, в результате чего пространство из абстрактного стало архитектурно оформлен­ным. На рубеже XIX–XX веков некоторые ученые высказывали идеи о мифоло­ги­ческом сюжете, но он был точно определен только к 1948 году. Выяснилось это благодаря исследованиям Диего Ангуло Иньигеса и публикации документа XVII века, в котором была описана коллек­ция Педро де Арсе, королевского егеря, которому принадлежала картина. Из описания следовало, что Веласкес посвятил картину мифу из «Метаморфоз» Овидия о состязании ткачихи Арахны с покровитель­ницей ткачества Афиной, которая в итоге превратила соперницу в паука. После этого картина получила двойное название (старое — «Пряхи», и новое — «Миф об Арахне»).

«Девушка с жемчужной сережкой» – а была ли жемчужина?

Эта картина является наиболее известной из работ нидерландского художника Яна Вермеера, ее часто сравнивают с «Джокондой». Полотно было написано примерно 356 лет назад, поэтому известно о нем очень мало.

«Девушка с жемчужной сережкой» Ян Вермеер

До сих пор стоит вопрос о том, кто изображен на картине. Есть версия, что художник изобразил собственную дочь – Марию. Но это не единственная загадка. Эксперты считают, что на самом деле на картине изображена не жемчужная сережка – украшение слишком большое для натурального жемчуга. Возможно, это венецианское стекло или перламутр. На полотне также не видно подвески, за которую «жемчужина» крепится к уху, а яркий белый блик вверху сережки может быть деформацией при одной из реставраций картины. Кроме того, ученые из расположенной в Гааге галереи Маурицхейс в ходе исследования выяснили, что на самом деле сзади девушки изображен не просто темный фон, а складки зеленой ткани.

«Руки противятся ему» – страшилка современности

Картину Билла Стоунхэма «The Hands Resist Him», написанную в 1972 году, конечно, нельзя причислить к шедеврам мировой живописи, но она имеет довольно интересную историю. Художник уверяет, что на картине изображен он сам в возрасте пяти лет, дверь – представление разделительной линии между реальным миром и миром снов, а кукла – проводник, который сможет провести мальчика через этот мир. Руки – это альтернативные жизни или возможности. Возможно, о полотне бы так никто и не узнал, если бы в 2000 году его не выставили на продажу на eBay. Продавцами оказалась женатая пара, которая обнаружила картину в заброшенной пивоварне и забрала ее с собой. Они не придумали ничего лучше, как повесить ее в комнату своей дочери. Постепенно в их жизни стали происходить ужасные события.

«The Hands Resist Him» Билл Стоунхэм

«Однажды утром наша дочь, которой было 4,5 года, принялась нас убеждать, что ночью дети на картине дрались и вышли прямо в комнату», – утверждала семья.

После чего родители решили установить в комнату камеру с датчиком движения и заметили, что девочка-кукла на картине меняет свое местоположение, вынимает пистолет и направляет его на мальчика. Впрочем, семья все равно уверяла, что ничего сверхъестественного в этом нет и, скорее всего, это просто игра освещения. Картина была выставлена на аукцион, на странице которого побывало большое количество людей. Особо впечатлительные писали, что при одном взгляде на картину с ними происходили странные вещи: кто-то терял сознание, а кого-то бросало в жар.

Сам автор картины, Стоунхэм, только посмеивается над чересчур мнительными людьми.

Урок танца

Год создания: 1879 год

Картина одного из основателей импресионизма.

Оригинальный размер: 64.5 х 56.2 см.

Музей: Нью-Йорк, Метрополитен (Metropolitan Museum of Art, New York City)

Описание: Необычайная популярность балетных сценок, запечатленных Дега, легко объяснима. Художник показывает нам мир грации и красоты, не впадая при этом в излишнюю сентиментальность.

Жизнь балета передана им так ярко, что легко можно представить, насколько свежими и оригинальными казались эти картины современникам Дега.

Художники, писавшие балет до Дега, либо выстраивали геометрически правильные композиции, либо изображали звезд балета, склонившихся в изящном поклоне. Такие портреты напоминали фотографии голливудских кинозвезд, сделанные для обложки глянцевого журнала.

Работая над циклом картин, посвященном хореографии, Дега рассказывает и об изнанке балетного мира. Он изображает балерин не только купающимися в лучах славы и в буре оваций, художник все чаще показывает их беспредельно уставшими, измученными долгими репетициями морально и физически.

Критик Жорж Ревьер писал о картинах Дега: «Посмотрев эти пастели, вы не пойдете больше в оперу».

Что же заставляло художника снова и снова возвращаться к теме театральных подмостков? Может быть, судьба балерин напоминала ему собственную жизнь в искусстве, не всегда безоблачную и праздничную? И, будучи практически слепым стариком, художник лепит танцующие фигурки из темного воска? Но на картине полного сил, сорокалетнего Эдгара Дега, «Урок танцев» пока еще нет и тени тревоги. Юные балерины красивы, беззаботны, легки как бабочки и полны надежд на будущее.

Хрупкие и невесомые фигурки балерин предстают перед зрителем то в полумраке танцевальных классов, то в свете софитов на сцене, то в короткие минуты отдыха.

Кажущаяся безыскусность композиции и незаинтересованная позиция автора создают впечатление подсмотренной чужой жизни («Танцевальный класс», 1873—1875; «Танцовщица на сцене», 1878 — обе в Музее Орсэ, Париж; «Танцовщицы на репетиции», 1879, МГИИ, Москва; «Голубые танцовщицы», 1890, Музей Орсэ, Париж).

Описание картины Эдгара Дега «Урок танца»

Дега известен миру как художник, передающий в своих картинах невероятное изящество и утончённость балерин. Многие исследователи считают, что именно в его картинах этот вид искусства отобразился по — новому. Художник с пониманием относится к тяжёлому труду порхающих танцовщиц и восхищается их гибкостью и мастерством.

Невозможно представить себе, какой это кропотливый ежедневный труд. Ведь необходимо каждый день выполнять бесчисленные па, учиться терпению, выслушивать объективную и необъективную критику. И всё это для того, чтоб блеснуть на сцене идеально выполненным танцем, от которого публика будет в полном восторге.

В картинах Дега юные балерины похожи на маленьких фей. Мастер подчёркивает лёгкость своих вдохновительниц, но не забывает указать на их лицах отражение усталости, от которой картины становятся естественнее.

На картине изображена маленькая девочка, занимающаяся возле перекладины. По лицу видно, что она невероятно устала, но если вглядеться, можно увидеть упрямство и готовность заниматься дальше. При этом художник представляет её, как неоперившегося птенца. Она некрасива ещё, не так опытна, но вскоре изнуряющие занятия закончатся, и перед нами предстанет дива — лебедь.

Музыкант кажется замечтавшимся, его мысли скользят где — то вдалеке. А девочка старательно выводит элементы и повторяет па, неотрывно глядя на него, словно пытаясь угадать его мысли.

Рейтинг
( Пока оценок нет )
Понравилась статья? Поделиться с друзьями:
Музеи мира
Добавить комментарий

;-) :| :x :twisted: :smile: :shock: :sad: :roll: :razz: :oops: :o :mrgreen: :lol: :idea: :grin: :evil: :cry: :cool: :arrow: :???: :?: :!:

Adblock
detector