Анри матисс «красная комната»

1906–1917

Многие из лучших работ Матисса были созданы в течение десятилетия после 1906 года, когда он разработал своеобразный строгий стиль, подчеркивающий плоские формы и декоративный узор. В этот период художник много путешествует, что отражается в его произведениях. В 1906 году он отправился в Алжир изучать африканское искусство, воплотившее лучшие образцы примитивизма.

После осмотра большой мюнхенской выставки 1910 года на тему исламских искусств Матисс бросился в Испанию и два месяца там изучал мавританское творчество. Он дважды в течение 1912–1913 годов побывал в Марокко и провел там семь месяцев, результатом которых стали многочисленные рисунки и около 24 картин. Занимаясь живописью в Танжере, художник внес несколько изменений в свой стиль, в том числе относительно применения черного цвета. Его восточные мотивы были частыми темами также и для более поздних картин, например, целой серии одалисок.

С 1906 по 1911 год художник создает свои выдающиеся полотна: «Голубая обнаженная», «Красный Тюрбан», «Предметы роскоши II», «Музыка», первый вариант «Танца» и второй, написанный по заказу русского коллекционера Сергея Щукина.

«Красные рыбки» Анри Матисса, как и «Танец II», признаны мировыми шедеврами. После 1910 года во многих произведениях художника цветовая гамма тяготеет к зеленому, синему, серо-голубому и фиолетовому тону. Композиции становятся строже, а линии четкие, почти как в рисунке, что заметно в таких знаменитых картинах 1910–1917 годов, как «Натюрморт с геранью», «Разговор», «Окно в Танжере», «Зора на террасе», «Сидящий Рифайн», «Портрет жены художника».

Кухни на любой вкус

• Дизайнеры фабрики готовы предложить проект кухни на заказ по индивидуальным размерам для малогабаритной квартиры и просторного загородного коттеджа.
• Талантливые проектировщики органично обустроят комнаты со сложной геометрией, сделают технологические недостатки достоинствами, учтут особенности естественного освещения.
• При оформлении заявки мы внимательно прислушиваемся к пожеланиям клиентов в отношении функциональности и стилистики.

В каталоге представлены кухни, выполненные в традиционных и современных стилях:

• классика
• прованс
• кантри
• лофт
• хай-тек
• эко-стиль
• модерн
• минимализм

Мебельная мода позволяет сочетать несколько стилей в одном, использовать необычные оттенки, создавая поистине уникальные проекты по доступной цене.

Пикассо: дружба или конкуренция?

Познакомившись в парижском салоне Стайн, Матисс и Пикассо поняли, что никто другой не понимает так друг друга, как они. Матисс был старше Пикассо на двенадцать лет и к тому моменту его имя гремело на всю Францию. Испанский молодой художник был лишь в начале своего пути, плохо говорил по-французски и увидел в Матиссе соперника за звание главного художника современности.

Несмотря на разный подход в живописи — Пикассо был увлечен формой, а Матисс — цветом — каждый был способен подтолкнуть друг друга к неожиданному решению. И это неудивительно: их объединяло то, что искусство обоих выходило за рамки. Пикассо говорил: «Мы должны как можно больше общаться друг с другом. Когда кто-то из нас умрет, другой просто не сможет обсудить некоторые вопросы больше ни с кем». Они не только анализировали картины друг друга и дискутировали насчет преимуществ и недостатков, но и обменивались полотнами.

«Апостолы Петр и Павел»

Испанский художник Эль Греко жил в XVI в., когда в изобразительном искусстве были популярны библейские сюжеты. В творчестве мастера есть несколько работ с таким названием, одна из них находится в Эрмитаже.

Написана картина в 1587-1592 гг. Эль Греко новаторски подошел к изображению апостолов. Он сделал их противоположностями. Павел, решительный и беспощадный, указывает пальцем на текст Священного Писания, явно соглашаясь с ним и что-то доказывая Петру.

Петр же, стоящий по правую руку от Павла, показан сомневающимся. Искусствоведы до сих пор работают над разгадкой символизма этого шедевра.

Материалы и комплектующие

Ассортимент мебельной продукции содержит больше 1000 модульных решений. Корпуса изготовлены из ДСП толщиной 16 мм производства концерна PFLEIDERER. Используются кромочные материалы повышенной влагостойкости бренда REHAU.

Немецкая компания Hettich предоставляет гарантию на фурнитуру 20 лет. Выдвижные ящики оборудуются демпферной системой, петли имеют амортизаторы. Столешницы LIGRON сочетают эргономичность и удобство со стильным дизайном.

Вытяжки с итальянскими турбинами поставляются ведущим российским . Качество встраиваемой техники обеспечено европейской промышленной группой Teka.

Изготовление фасадов из массива ясеня и дуба гарантирует экологичность и надежность. Можно заказать кухню из МДФ и пластика: стильные и недорогие комплекты на долгие годы сохранят эстетичность и функциональность.

«Даная» Рембрандта

В основу картины положен сюжет древнегреческого мифа. Как гласит сказание, Данае было суждено родить сына Персея, который убьет царя Аргоса. Узнав об этом, монарх посадил девушку под охрану. Но Зевс пробрался к ней в виде золотого света, и Персей был зачат.

После смерти жены художника, которая позировала ему для картины, эту задачу выполняла любовница. Их имена Саския ван Эйленбюрх и Гертье Диркс.

В 1772 г. «Данаю» купила Екатерина II. С тех пор она располагается в Эрмитаже. В конце XX в. литовец Бронюс Майгис, исходя из политических убеждений, облил полотно кислотой и дважды порезал ножом. После восстановления картину поместили под бронированное стекло.

Красная студия (1911)

Эмоции — вот что главное в изображении художественной студии. Глубокий красный цвет моментально выделяет это полотно и заставляет сосредоточиться на его рассмотрении. Стены, пол и потолок сливаются воедино, и лишь тонкие жёлтые линии подсказывают, где происходит переход от горизонтали к вертикали. В студии мебель и незначимые вещи также нарисованы схематично.

Это интерьер студии художника. Его можно разглядывать долго и это увлекает. В левой части полотна расположен стол, на котором стоит бокал, ваза с цветами, коробка пастели и тарелка. На стенах висят узнаваемые работы художника. Они яркие и являются картинами в картине. Простота и схематичность делают интерьер интересным и динамичным.

9

Происхождение

Андре Дерен , 1906 год, мост Чаринг-Кросс, Лондон , Национальная художественная галерея , Вашингтон, округ Колумбия.

Гюстав Моро был вдохновляющим учителем движения; вызывающий споры профессор Школы изящных искусств в Париже и художник-символист , он преподавал Матиссу, Марке, Мангену, Руо и Камуану в 1890-х годах и считался критиками философским лидером группы, пока Матисс не был признан таковым в 1904 году. Широкий кругозор Моро, оригинальность и утверждение выразительной силы чистого цвета вдохновляли его учеников. Матисс сказал о нем: «Он поставил нас не на правильные дороги, а с дорог. Он нарушил наше самодовольство». Этот источник сочувствия исчез со смертью Моро в 1898 году, но художники обнаружили другие катализаторы своего развития.

В 1896 году Матисс, тогда еще неизвестный студент-искусствовед, посетил художника Джона Рассела на острове Бель-Иль у побережья Бретани . Рассел был художником- импрессионистом ; Матисс никогда раньше не видел работы импрессионистов напрямую, и был настолько шокирован стилем, что оставил их через десять дней, сказав: «Я больше не мог этого выносить». В следующем году он вернулся как ученик Рассела и отказался от своей палитры землистых цветов в пользу ярких импрессионистских цветов, позже заявив: «Рассел был моим учителем, и Рассел объяснил мне теорию цвета». Рассел был близким другом Винсента Ван Гога и подарил Матиссу рисунок Ван Гога.

Анри Матисс , Luxe, Calme et Volupté , 1904, холст, масло, 98 × 118,5 см, Musée d’Orsay , Париж, Франция

В 1901 году Морис де Вламинк впервые столкнулся с работами Ван Гога на выставке, заявив вскоре после этого, что любит Ван Гога больше, чем своего отца; он начал работать, выдавливая краску прямо из тюбика на холст. Параллельно с открытием художниками современного авангардного искусства пришло понимание французского искусства до Возрождения , которое было показано на выставке 1904 года « Французские примитивы» . Другим эстетическим влиянием была африканская скульптура, ранними коллекционерами которой были Вламинк , Дерен и Матисс.

Многие из фовских черт впервые соединились в картине Матисса « Люкс, Calme et Volupté» («Роскошь, спокойствие и удовольствие»), которую он написал летом 1904 года, когда он был в Сен-Тропе с Полем Синьяком и Анри. Эдмонд Кросс .

«Мадонна Бенуа»

Также носит название «Мадонна с цветком». Ученые сходятся на том, что Леонардо да Винчи написал эту картину в молодом возрасте. Год ее создания точно не установлен и варьируется между 1460-1470 гг.

Несмотря на то что это одна из первых работ великого мастера, в ней уже узнается его рука. «Мадонна Бенуа» — одна из ключевых картин в творчестве художника и того времени в целом. Техника работы с маслом, примененная да Винчи для ее написания, явилась примером подражания другим живописцам.

До попадания в Эрмитаж холст уже находился в частной коллекции в России. В музей эту картину продала Мария Бенуа в начале XX в.

Поиски собственного стиля

В начале ХХ века изобразительное искусство существовало по законам классической школы — строгим канонам живописи, отсылающим к римскому классицизму и искусству эпохи Возрождения. Будучи одним из учеников Моро, молодой художник успел заявить себе в академическом обществе и многие видели в нем большой потенциал. Несмотря на нарастающий успех, Матисса впечатляли более прогрессивные работы Мане, смелые произведения Ван Гога, экзотическая живопись Гогена, революционные картины Сезанна и изящные японские гравюры.

Судьбоносным для Матисса стало знакомство с Джоном Расселом — австралийским художником, который вскоре стал его наставником. Благодаря Джону, Матисс вернулся к размышлениям о цвете и его роли на полотне. Он вспоминал :«Расселл был моим учителем, он разъяснил мне теорию цвета». В работах Матисса того периода уже можно обнаружить влияние импрессионистов и намек на собственное видение: тогда появились его первые пейзажи «Булонский лес» и «Люксембургский сад».

Анри Матисс, Булонский лес, 1902 Люксембургский сад, 1869-1954 Посуда и фрукты. Желто-сиреневый натюрморт, 1901 Фрукты и кофейник (Натюрморт), 1900

Уже в этих работах Матисс не боялся размашистых мазков, пренебрегал формой и перспективой в пользу контрастности и яркости, упрощал фигуры, лишая их теней, но одновременно с этим прибавляя им объем за счет насыщенных цветов.

Улитка (1953)

Похожая на детскую аппликацию, «Улитка» может показаться несведущему зрителю чем угодно. Название, данное художником, подсказывает, в каком направлении следует мыслить. На самом деле, нет никакой улитки. Это абстрактное изображение призвано для того, чтобы передать сущность предмета, а не его точное изображение.

Вырезанные из цветной окрашенной бумаги прямоугольные фигурки наклеены на базовый фон таким образом, что создаётся впечатление движения по спирали. Это полотно завораживает, его можно рассматривать часами с разных сторон. Самое главное — оно заставляет человека думать и не скрывать свои эмоции.

Что пугало критиков?

Матисс был уверен, что каждый художник вправе устанавливать собственные критерии красоты и законы искусства. Но художественное общество того времени опасалось таких заявлений, будучи уверенным, что все новое разрушает существующие ценности. Из-за чрезмерной «декоративности» многие французские критики пренебрежительно называли картины Матисса «обоями».

Матисса обвиняли в инфантилизме и отсутствии мастерства из-за упрощенной формы и перспективы. С другой стороны, благодаря скандальности своих работ он и смог заявить о себе, выделить свое имя среди тысячи других. Но ему не нужно было всеобщее признание, хотя в конце жизни он его и получил. Уход в сторону упрощения был осознанным шагом.

Сливы, зеленый фон, 1948 Две девушки в желтом и красном интерьере, 1947

Эксперты утверждают, что академически воспитанному художнику труднее всего отмахнуться от того, что он изучал прежде, и вернуться к «детскому» восприятию действительности. Критик Александр Бенуа говорил: «Можно, пожалуй, «научиться совершенству», подражая совершенным, но нельзя «научиться тому, чтобы разучиться». Многое можно накопить и собрать в своей памяти, но гораздо труднее забыть. Наконец, еще труднее, забыв все… уже от се­бя, собственным опытом найти»

Когда произведения Матисса привезли в Россию и представили на салоне Издебского 1910 года, их восприняли негативно. Илья Репин считал, что это «живопись, поддержанная духом наживы», а коллекционирование подобного — очередное чудачество московского купечества наравне с покупкой ученой свиньи в цирке. Начали говорить, что столь дикие картины сбивают с толку молодое поколение художников и извращают.

В период, когда в России все громче говорили о справедливости и свободе, праздничные и изысканные работы Матисса казались слишком буржуазными, далекими от народа. Но были и те, кто несмотря на неприятие самих картин, не умоляли гения Матисса и более того — восхищались его честностью.

«Но сейчас же явля­ется и на­­дежда: а вдруг именно эта сырость, эта простота, которую хочет насильно приобрести Матисс и которая сама собой уже имеется у нас, — вдруг именно эти наши национальные черты и спасут нас, создадут у нас то желан­ное детское настроение, из которого должна возникнуть новая эра искусства. Матисс дает огромный урок че­стно­сти». — говорил Бенуа. Он же при этом считал «Танец и «Музыку» «ужасными неудачами».

История создания «Танца»

Конечно, не отделима от картины ее история создания. К тому же эта история очень увлекательна. Как я уже упоминала, Сергей Щукин сделал заказ Матиссу в 1909 году. Причём на три панно. Ему хотелось видеть на одном полотне – танец, на другом – музыку, третьем – купание.

Третье так и не было исполнено. Два же других до того, как они были отправлены Щукину, выставлялись в Парижском салоне.

Публика к тому времени уже полюбила импрессионистов. И худо-бедно начала воспринимать постимпессионистов: Ван Гога, Сезанна и Гогена.

Но Матисс с его красными фигурами был слишком большим потрясением. Поэтому, конечно, работу ругали нещадно. Щукину тоже досталось. Его критиковали за то, что он покупает всякий хлам…

Анри Матисс. Музыка. 1910 г. Эрмитаж, Санкт-Петербург. Hermitagemuseum.org.

Щукин был не из робкого десятка, но на этот раз дал слабину и … отказался от полотен. Но потом опомнился, извинился. И панно «Танец», а также парная к нему «Музыка», благополучно доехали до России.

Чему мы можем только порадоваться. Ведь один из самых известных шедевров мастера мы с вами можем посмотреть вживую в Эрмитаже.

* фовисты – художники, работающие в стиле «фовизм». Эмоции выражали на холсте с помощью цвета и формы. Яркие признаки: упрощённые формы, кричащие цвета, плоскостность изображения.

***

Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.

Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.

Художники и стиль

Вырезка из прессы, Les Fauves: выставка в Осеннем салоне , в L’Illustration , 4 ноября 1905 г.

Помимо Матисса и Дерена, среди других художников были Роберт Деборн , Альбер Марке , Шарль Камуан , Луи Вальтат , Жан Пюи , Морис де Вламинк , Анри Манген , Рауль Дюфи , Отон Фриез , Жорж Руо , Жан Метцингер , Кес ван Донген и Жорж Брак (впоследствии Партнер Пикассо по кубизму ).

Картины фовистов характеризовались, казалось бы, дикой кистью и яркими цветами, в то время как их сюжет имел высокую степень упрощения и абстракции . Фовизм может быть классифицирован как развитие крайности Ван Гога «s постимпрессионизма слит с пуантилизмом из Сера и других нео-импрессионисты художников, в частности , Поль Синьяк . Другими ключевыми влияниями были Поль Сезанн и Поль Гоген , чье использование областей насыщенного цвета — особенно в картинах с Таити — сильно повлияло на работу Дерена в Коллиуре в 1905 году. В 1888 году Гоген сказал Полю Серюзье : «Как вы видите эти деревья? Они желтые. Итак, поместите желтый; эту тень, скорее синюю, нарисуйте чистым ультрамарином ; эти красные листья? Поместите в киноварь ». Фовизм сравнивают с экспрессионизмом как в использовании чистого цвета, так и в непринужденной манере письма. Некоторые из фовистов были среди первых художников-авангардистов, которые собирали и изучали африканское и океаническое искусство, наряду с другими формами незападного и народного искусства, что привело некоторых фовистов к развитию кубизма .

Зелёная полоса (1905)

В том же стиле Матисс изобразил свою жену. Полотно под названием «Зелёная полоса» произвело не меньший фурор, как и «Женщина в шляпе». Публика негодовала, что более уродливого портрета она ещё не видела. Неряшливость, безумные цвета и зелёная полоса, разделяющая лицо на две части, возмущали зрителей.

В то же время, критик Жак Ривьер сказал о портрете, что он необычайно правдив. Жена художника обладала стойким и жёстким характером, который Матисс передал при помощи цвета блистательно. Особенно поражает выражение глаз мадам Матисс. Этот непроницаемый взгляд полон загадок и глубины.

5

Работает на бумаге

Матисс. Танец. 1910.

Анри Матисс. Танец (II). 1909-1910. Эрмитаж, Санкт-Петербург. Hermitagemuseum.org.

Картину «Танец» заказал русский купец и коллекционер Сергей Щукин. Перед отправкой в Россию панно показали на выставке в Париже. Публика работу очень ругала. Щукин привык к тому, что его называют собирателем всякого хлама.

Но на этот раз дрогнул. Отказался от заказа. Потом передумал, извинился перед художником за свою слабость. Картина вместе с парной к ней работой «Музыка» благополучно добралась до России.

Сейчас этот «хлам» считается одним из главных шедевров модернизма. На полотне — образ золотого века человечества. Такова была эпоха. Люди наслаждались прогрессом и искусством. Считали, что живут в самое благополучное время. Но это было лишь затишье перед бурей. Впереди — страшные испытания в виде мировых войн.

Картина написана лишь тремя красками. Это ещё больше подчёркивает символичность фигур. Они кружатся в неистовом танце. Это квинтэссенция страстного, чистого движения.

Но эта эмоциональность не хаотична. Она уравновешивается движением по кругу, центробежной силой. А ещё классическими очертаниями левой фигуры.

***

Коллекция Эрмитажа грандиозна. Недаром музей занимает 13-е место в мире по посещаемости. Но есть и свои особенности.

Целый век коллекция формировалась за счёт приобретения частных собраний. Владельцы не думали о том, чтобы показать будущим поколениям все вехи развития живописи.

Поэтому в коллекции очень много произведений барокко и рококо. Нимфы. Ангелочки. Пышнотелые красавицы. Натюрморты с изобилием фруктов и омаров, которые так хорошо смотрелись в столовых знатных особ.

В результате в коллекции есть «белые пятна». Например, в Эрмитаже — значительная коллекция голландских живописцев. Но среди них нет ни одной работы Босха.

Увы, коллекция Эрмитажа пережила ещё и серьёзные потери. После революции 1917 года советское правительство продало 48 шедевров!

Россию покинула «Венера у зеркала» Тициана. «Мадонна Альба» Рафаэля. «Поклонение волхвов” Боттичелли. Это тоже часть истории Эрмитажа. Печальная часть.

***

Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.

Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.