Художник- импрессионист эдгар дега и его картины

Война и начало болезни

В 1870-1871 годах военный конфликт между Францией и Пруссией привёл к осаде Парижа. Армия нуждалась в солдатах и Дега добровольно пошёл служить. Служба в пехоте выявила проблемы со зрением – правый глаз потерял былую зоркость. Последовал перевод в артиллерию, а вскоре был заключен мирный договор между государствами.

Выявившиеся проблемы со зрением – это начало необратимого процесса отслоения сетчатки обоих глаз, который с годами сделает художника слепым и беспомощным. Позже, познакомившись у родственников по материнской линии в США со своей слепой кузиной, Эдгар будет чувствовать к ней особую нежность – возможно, предчувствуя свою печальную участь, вдвойне трагичную для него как художника.

Певцы на сцене, 1877-79

Певцы на сцене, Эдгар Дега, 1877-79 гг. \ Фото: artrenewal.org.

Родственным монотипом оригинальной работы «Café Singer» является монотип «Певцов на сцене», датируемый примерно 1877-79 годами. Работа была напечатана с той же пластины, но была совершенно другой после размещения/рисования пастелью, изменив тональную градацию и логику по сравнению с первой работой. Также произошли тематические трансформации: центральная фигура, одетая в розовое платье, не смотрит на аудиторию, то есть она не находится в активном состоянии и не реагирует на свою аудиторию. Профилированная фигура позади неё, добавленная к композиции, держащая красный веер — это форма, которая представляет её песню публике в данный момент.Фигура на заднем плане справа, лицом к зрителям, держит обеими руками синий веер. Но примечательная особенность проекта ещё раз касается иконографического исполнения лампочек. И на этот раз Эдгар решает сменить декорации шоу, превратить его в крытый театр (Опера) и установить освещение с помощью внутренних ламп. Три газовых шара поменьше над солисткой «Café Singer» были заменены бра, расположенным немного левее, в то время как левая лампа с роскошной люстрой с несколькими глобусами (un lustre a gaz) находится прямо над аудиторией.

Последние годы

По мере ухудшения зрения Дега всё чаще лепил из воска и глины – чуткие пальцы мастера были его вторыми глазами. Восковые фигурки танцовщиц и лошадей продлили творческую жизнь художника и обогатили её.

Последние 10 лет жизни Дега уже не писал, иногда углём делал наброски. Жил безбедно, но совершенно один – уже не было многих его друзей, а оставшиеся навещали редко.

Эдгара Дега не стало 27 сентября 1917 года. Великому мастеру и просто любителю рисовать было 83 года.

«Голубые танцовщицы» Эдгара Дега – живописная ода балету

«Абсент» – случайно заглянув в Парижское кафе

Франсуа Буше: не только пасторальный живописец

Краткая биография

Эдгар Дега. \ Фото: mobile.twitter.com.

Эдгар, старший сын парижского банкира, родился в 1834 году. Он получил классическое образование, включая латынь, греческий и древнюю историю, в лицее Людовика Великого в Париже. Отец мальчика рано распознал художественные способности сына и поощрял его рисование, часто водя его в музеи Парижа

Эдгар усилил своё формальное академическое художественное образование, копируя картины старых мастеров в Италии (1856-1859) и Лувре.Он также тренировался в студии Луи Ламота, где его обучали традиционному академическому стилю, который подчёркивал линию и настаивал на решающей важности мастерства рисования. Эдгар выработал строгий стиль рисования и уважение к линии, которую он будет поддерживать на протяжении всей своей карьеры.

Автопортрет в библиотеке, Эдгар Дега, 1895 год. \ Фото: uk.m.wikipedia.org.

Несмотря на свою давнюю связь с импрессионистами, он, похоже, так и не примирился с ярлыком «Импрессионист», предпочитая называть себя «Реалистом» или «Независимым». Тем не менее, он был одним из основателей импрессионизма и одним из его наиболее важных представителей, приняв участие в шести выставках импрессионистов в период с 1874 по 1886 год. Но его сосредоточенность на городских сюжетах, искусственном освещении и тщательном рисовании отличали его от других импрессионистов, таких как Клод Моне, которые работали на открытом воздухе, рисуя непосредственно со своих сюжетов.

Балет в Парижской опере, пастель поверх монотипии на кремовой бумаге, Эдгар Дега, 1877 год. \ Фото: historyofyesterday.com.

Эдгар, как наблюдатель повседневных сцен, последовательно анализировал позы, движения и жесты. Он разработал отличительные композиционные приёмы, рассматривая сцены с неожиданных ракурсов и обрамляя их нетрадиционно. Художник экспериментировал с различными стилями и техниками, включая пастель, фотографию и монотипии. К концу 1880-х годов Эдгар был признан значительной фигурой в парижском мире искусства.Подавленный ограничениями своего слабеющего зрения, возможно, в результате травмы, полученной во время его службы при защите Парижа во время франко-прусской войны 1870-71 годов, он ничего не создавал после 1912 года, когда был вынужден покинуть студию на Монмартре, в которой он работал более двадцати лет. Он умер пять лет спустя, в 1917 году, в возрасте восьмидесяти трёх лет.

Гладильщицы.

Эдгар Дега. Гладильщицы. 1884 г. Музей Д’Орсе, Париж.

Написанием работающих женщин Дега увлекался несколько десятилетий своего творчества. До него простых женщин, в частности прачек, изображал только Оноре Домье.

Также жизнь простых женщин, зарабатывающих себе пропитание не самым благородным занятием, показывал и Эдуард Мане, чем немало шокировал публику. Его картины “Олимпия” иявляются одними из самых эпатажных для своего времени. А купальщицы и простолюдинки Дега – это уже дань новой традиции изображать жизнь разных людей, а не только мифических богинь и знатных дам.

Работа “Гладильщицы” примечательна не только самым  обыденным жестом и позой героини, которая не стесняясь зевает во весь рот. Но и тем, что краски нанесены на необработанный холст, что создаёт неоднородную “неряшливую” текстуру полотна.

Возможно, используя такую технику наложения красок, Дега хотел ещё больше подчеркнуть спонтанность и обыденность изображённого момента чужой жизни.

***

Эдгар Дега создавал картины принципиально по-другому в отличие от академистов и даже импрессионистов. Его картины – словно моментальные фотоснимки чужой жизни, без постановочных сцен и декораций.

Андрей Аллахвердов. Эдгар Дега. 2020. Частное собрание (всю серию портретов художников XIX-XX веков смотрите на сайте allakhverdov.com).

Он как будто специально стремился остаться для своего героя незамеченным, чтобы уловить самое сокровенное в его движениях, позах и эмоциях. В этом и проявляется гениальность этого художника.

Если вам интересны жизнь и творчество Эдгара Дега, рекомендую также почитать статью:

***

Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.

Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.

Самые красивые балерины Дега

Эдгар Дега был равнодушен к женщинам. А к своим моделям тем более. Он писал их беспристрастно, не приукрашивая. Поэтому его танцовщицы далеко не всегда грациозны и красивы. Художник стремился показать не декорации, созданные для зрителя. Он изображал саму жизнь, порой неприглядную.

На полотне «Две балетные танцовщицы» девушки в далеко не самых изящных позах. Они присели на лавку и делают растяжку.

Эдгар Дега. Две балетные танцовщицы. 1879 г. Музей Шелбурн, Вермут, США

Другая сценка из жизни танцовщицы тоже не для восхищения. Мы как бы приоткрыли дверь в её гримерную. Костюмер поправляет балерине платье. У неё недовольное, насупившееся лицо. Может быть, слишком туго затянули корсет. Она неуклюже согнула руки.

Эдгар Дега. Танцовщица в своей гримерной. 1880 г. Фонд Оскара Рейарта, Винтертурец, Швейцария

На фоне этих некрасивых, хоть и жизненно правдивых сценок голубые танцовщицы кажутся воплощением грации и очарования.

История открытия музея

Многие годы французские коллекции XIX века были разделены между Лувром, парижским музеем современного искусства и небольшим помещением в Национальной галерее Же де Пом. В 1086 году эти коллекции были переданы в музей д’Орсе (Musée d’Orsay). Тысячи скульптур, картин, предметов искусства, мебели, фрагменты архитектурных композиций, фотографии и фильмы – все это иллюстрирует разнообразие и богатство культуры XIX века, в том числе не только импрессионизма, но и реализма, постимпрессионизма и ар-нуво.

Местность, на которой находится музей, раньше носила благозвучное название – Рю де Лиль, — улица лилий, и являлась центральной осью большого сада, принадлежавшего жене Генриха IV Маргарите де Валуа. После её смерти в 1615 году, земля была продана, и на ней началось строительство множества частных домов и поместий.

В начале XIX века на месте, где сейчас находится музей, было воздвигнуто два здания – конные казармы и роскошный дворец д’Орсе, который предназначался для Министерства иностранных дел, но впоследствии стал помещением счетной палаты и Государственного совета.

Во времена Парижской Коммуны весь район был подожжен. Дворец д’Орсе сгорел в ночь с 23 на 24 мая 1871 года. Эмиль Золя, который был свидетелем пожара, описывал его так: «Пожар был огромным, но ужаснее всего выглядел огненный куб, из галерей которого вырывались языки пламени. Четыре здания, окружавшие большой внутренний двор, загорелись одновременно, а затем масло вылили по лестницах к четырем углам, и оно горело, как потоки из ада».

На протяжении следующих трех десятилетий руины дворца оставались нетронутыми, и служили в качестве напоминания об ужасах гражданской войны. В преддверии Всемирной выставки в 1900 году, французские власти уступили территорию, находящуюся в запустении, Орлеанской железнодорожной компании, которая собиралась построить новый вокзал ближе к центру города. За несколько лет до этого, компания обращалась за консультацией к трем известным архитекторам — Люсьену Магне, Эмилю Бенару и Виктору Лалу. Проект обещал оказаться сложным из-за непосредственной близости к Лувру и Дворцу Почетного легиона – новому вокзалу предстояло прекрасно вписаться в окружающую обстановку, не испортив при этом внешний вид своих благородных соседей.

Внутри вокзала использовались все достижения прогресса: пандусы, грузовые и пассажирские лифты, 16 подземных железнодорожных путей. Кроме того, по причине недопустимости использования паровых двигателей в подземном пространстве, отдельные вагоны и целые пассажирские составы доставлялись сюда с вокзала Аустерлиц при помощи небольшого электрического локомотива.

Внутренние размеры вокзала были просто поразительными – 32 метра в высоту, 40 метров в ширину и почти 140 метров в длину. Расположенный на территории вокзала комфортабельный отель был очень популярным среди различных политических деятелей Франции и гостей страны. С 1939 года, вокзал начал приходить в упадок – его платформам не хватало длины для того, чтобы принимать современные мощные поезда, а по причине того, что пути проходили под землей, расширять их было бы нецелесообразно и даже опасно для строения. Сначала сюда прибывали только пригородные поезда, а через несколько лет работа и вовсе прекратилась.

Учителя

В 1854 году Эдгар стал учеником Луи Ламота (1822-1869), которого искусствоведы характеризуют как приверженца художественных традиций христианского благочестия. Сам учитель когда-то был учеником именитого и чрезвычайно авторитетного в европейском искусстве Энгра (1780 – 1867), с которым Эдгару посчастливилось встретиться и даже пообщаться. Можно сказать, Энгр в этих коротких встречах преподал молодому художнику важнейшие уроки, кратко и ёмко сформулировав профессиональные советы. И Энгр, и Ламот в качестве основополагающих ориентиров в художественном искусстве считали ясную форму, выразительную линию и чёткий контур

Старый мастер Энгр, заострив внимание Эдгара на линии, сформировал его пристрастие к ней на всю жизнь

Описание музея

Выставка музея располагается на пяти уровнях, все виды искусства (живопись, скульптура, архитектура, мебель, кино, фотография, музыка, художественное оформление оперы), представлены в хронологическом порядке. Музей Орсе, таким образом, заполняет промежуток времени между коллекциями музея Лувра и Музея современного искусства Центра Жоржа Помпиду. Основным является цокольный этаж, где на центральной аллее расположены скульптуры, как бы образующие железнодорожный путь бывшего вокзала. Особый интерес представляет масштабная модель здания Опера в Париже. В музее имеется несколько залов для временных выставок. Сама экспозиция музея меняется каждые 2-3 года.

Музей Орсе также является местом для проведения спектаклей и концертов. Кроме того, здесь проводится ежегодный фестиваль, посвящённый происхождению кино. Посетители могут регулярно посещать конференции и круглые столы, в особенности связанные с временными выставками.

История коллекции скульптуры

XIX век стал периодом расцвета искусства скульптуры. Восторжествовавший средний класс ввел моду на эту художественную форму. Наличие скульптурных композиций в частных домах определяло статус и положение хозяев. Искусство, способное аллегорически запечатлеть в камне или бронзе идеалы, убеждения и идеи того времени, пользовалось огромным спросом. Однако, после 1945 года, профессиональная критика и культурное сообщество обличили скульптурные традиции уходящей эпохи в излишнем пафосе. После этого большинство произведений разошлось по запасникам, где они провели несколько следующих десятилетий.

Идея преобразования вокзала Орсе в музей подарила широкой публике возможность вновь насладиться великолепием скульптуры XIX века. Здесь были созданы прекрасные условия для экспонирования монументальных композиций – для этого идеально подошел просторный центральный зал, с его стеклянной крышей, дающей работам естественное освещение, которое меняется в зависимости от времени суток. К моменту открытия музея, его скульптурная коллекция насчитывала 1200 экспонатов, преимущественно изъятых из запасников Люксембургского дворца и Лувра.

Коллекция музея Люксембургского дворца, ориентированная в основном на живопись, отводила скульптуре второстепенное место. В середине XIX столетия в ней было лишь 25 скульптурных работ. К 1887 году Люксембургский дворец владеет уже коллекцией из 100 скульптур, и постепенно начинает открывать свои двери для работ современных художников. После долгих колебаний художественного совета, в экспозицию попадают скульптуры «Бронзовый век» Родена, «Вояка» Домье и бюст Бетховена работы Бурделя. Стремительное увеличение коллекции создало проблемы с их размещением – и к концу XIX века было введено ограничение, которое не позволяло экспонировать более трех работ одного скульптора. Произведения зарубежных мастеров долгое время практически не были представлены в музее. В 1890 году были приобретены всего лишь две работы бельгийского скульптора Константина Менье. Некоторая часть коллекции была переведена в музей Jeu de Paum, но там тоже не нашлось достойного места для собрания скульптур. Поскольку музей был ориентирован на импрессионизм, коллекция его ограничилась статуями Родена, “Четырнадцатилетней танцовщицей” Дега, да несколькими скульптурными работами Гогена.

В 1939 году, после закрытия музея Люксембургского дворца, его коллекция разошлась по разным городам. Некоторая ее часть переместилась в Лувр, но достойное место в его экспозиции заняли лишь несколько скульпторов – работы Бари, Родэ, Карпо были выставлены в основной экспозиции, большая же часть скульптур XIX века долгое время была в резерве.

Музей Орсе не только открыл миру произведения, пылившиеся в запасниках. Путем обменов или приобретений, экспозиция его пополнилась скульптурными шедеврами, которые ранее экспонировались в других музеях, или украшали сады и дворцы (например, «Врата ада» Родена и менее известные работы Д’Анже, Шонферга, Джерома, Клоделя и других скульпторов). В настоящее время коллекция скульптур музея Орсе насчитывает около 2 200 экспонатов.

Это интересно: 3067,Муавия I ибн Абу Суфьян: кратко

Детство и юность

Будущий художник родился 19 июля 1834 года в семье преуспевающего банкира. Отец Огюсто де Га являлся организатором неаполитанского торгового дома. Мать Селестина Мюссон была дочкой брокера хлопковой биржи.

Глава семейства содержал жену и детей, а Селестина, как хранительница домашнего очага, поддерживала уют и порядок в доме. Мать скоропостижно скончалась, когда мальчику не было и 13 лет.

Художник Эдгар Дега

Эдгар рос способным ребенком: увлекся латынью и историей. Окончив в 1852 году лицей Людвига Великого, юноша поступает в Парижский университет на факультет права. Однако молодой человек понимает, что юриспруденция – это не его.

Огюсто хотел, чтобы старший сын получил образование и пошел по его стопам, унаследовав в дальнейшем семейный бизнес. Узнав о намерении сына бросить университет, он решает не довлеть над отпрыском, предоставляя Эдгару возможность выбора.

Получив благословение отца, в 1855 году молодой человек поступает в школу изящных искусств, где наставник Ламотт прививает юноше любовь к лидеру европейского академизма Ж.Д. Энгру.

Эдгар Дега в молодости

Эдгару повезло родиться в семье аристократов. Парень никогда не испытывал трудностей, связанных с нехваткой денег. Пока другие начинающие художники боролись с голодом и с опаской смотрели в завтрашний день, юноша в 1856 году решает оставить учебу и на 2 года уезжает в Испанию.

Там молодой человек изучает главные культурные центры страны – Флоренцию, Неаполь, Рим, вдохновляется картинами мастеров эпохи Ренессанса.

Окрыленный юноша по возвращению в Париж открывает мастерскую, создавая ряд произведений на исторические сюжеты.

Автопортрет Эдгара Дега

Эдгар смело отказывается от идеализации античной жизни, показывая какой она могла быть в современной интерпретации. Несмотря на титанические усилия и огромное желание, в рамках своего творчества объединить античность и современность у Дега не вышло.

Знакомство с Эдуардом Мане, случившееся в 1862 году, перевернуло жизнь Дега с ног на голову. Художник стал завсегдатаем уютного кафе «Гербуа». Там амбициозные импрессионисты обсуждали концепции новых сюжетов в живописи и собственное видение действительности.

Эдуард Мане

Под влиянием этих людей в конце 1860 года создается серия крупных работ – «Прачки», «Скачки», «Балетные сцены» и «Модистки». Главная задача художника – показать внутренний мир героя, во взгляде, в движении руки, в повороте головы в полной мере суметь раскрыть личность. Дега в корне отличался от импрессионистов, он воспринимал окружающий мир как динамичную стихию бытия, не пытаясь вычленить из нее и капли вдохновения. Идеал Эдгар видел в неутихающей жизни мегаполиса. Фотографическая память помогала подмечать самые незначительные особенности Парижа.

В дальнейшем эти воспоминания помогали передавать ритм городской жизни, создавая детализированные образы людей, мест и событий.

Портрет Эдгара Дега

Материальное благосостояние позволяло Эдгару пребывать в вечных поисках себя. Живописец нарушал каноны, экспериментировал со светом, формой, издевался над композицией – в общем, делал все возможное и невозможное, чтобы новое видение создало эффект свежести работ.

В результате творческих скитаний творец сумел добиться точной выветренности композиционного строя полотен, в которых больше не было ничего случайного. Все элементы подчеркивали смысл сюжета.

Мерцающая пастель Дега

“Голубые танцовщицы” написаны пастелью. Кто не знает – это мягкие карандаши наподобие восковых мелков. Именно с их помощью можно добиться такого насыщенного цвета.

К тому же Дега изобрёл свой способ работы с пастелью. Он воздействовал на рисунок паром. Пастель размягчалась, и художник мог растушевать её пальцами или кистью. Это делало цвет ещё более мерцающим.

Однако у пастели есть один недостаток. Как и обычный мел, она может со временем осыпаться. Материал считается недолговечным по сравнению с масляными красками. Поэтому художники фиксируют его специальным раствором или обычным лаком для волос.

Дега не признавал ни одного известного фиксатива. Мастер справедливо считал, что все они “съедают” цвет. На самом деле, под воздействием любого закрепителя пастель тускнеет.

Приятель Дега, итальянский художник Чиалива разработал секретный состав. Он позволял сохранить цвет почти в первозданном виде. И значительно продлевал жизнь картине. Поэтому пастели Дега дошли до нас прекрасно сохранившимися. Чиалива унёс свой секрет в могилу.

Кстати, работы Дега могли быть и черно-белыми. Художник говорил, что будь его воля, он рисовал бы только углём. Но “все наседают, требуют цвета”.

Так что мы могли бы лицезреть не голубых танцовщиц, а черно-белых. Как, например, на рисунке “Восхищение Вирджинией”.

Эдгар Дега. Восхищение Вирджинией. 1880-1883 гг. Национальная галерея искусств, Вашингтон

Кафе. Певица, 1877-78

Кафе. Певица, монотипия в тёмном поле на бумаге, Эдгар Дега, 1877-78 гг. \ Фото: bigthink.com.

Инновационное освещение было отличительной чертой Парижа XIX века, и монотипии Эдгара «Певец» и «Певцы на сцене» иллюстрируют его связь с передовой печатной техникой. У этих двух монотипов есть общая тема: певцы, окружённые сияющими огнями. В чём их разница? Один из них чёрный (монотипия с тёмным полем), а другой — монотипия со светлым полем с красочными пастельными тонами.«Café Singer» — это монотипия тёмного поля, датируемая примерно 1877-78 годами. Композиция представлена в концертном пространстве. На заднем плане справа изображена молодая исполнительница с тёмными волосами. Линии дизайна, которые формируются, и фигуры слабы, за исключением руки в перчатке, держащей открытый веер. Центральная фигура, сольный певец — обычная театральная форма: тело и голова освещены снизу. Роль света ясна — он используется для рендеринга пластичности и 3D-рендеринга.Особый интерес в этой работе представляет наличие белых дисков/кругов, которые наблюдаются в горизонтальном расположении на воображаемой оси на высоте над головой главного солиста. Это не строительные сбои: они связаны с работой лампочек. От лампы исходят лучи света, в то время как три меньших — газовые шары. Этот проект является одной из наиболее характерных монохромных работ Эдгара, которые касаются живописи различных лампочек, говоря о том, что художник работал с реальными предметами, стараясь передать всю их реалистичность в своих работах.

Музей Орсе в Париже

Одной из достопримечательностей Парижа является музей Орсе (д’Орсе), в котором выставлены шедевры живописи и скульптуры, известные во всем мире. В этой статье вы узнаете, какие интересные экспонаты стоит посмотреть в самом известном музее искусств Парижа.

Музей Орсе размещен в старом здании железнодорожного вокзала в центре столицы Франции на берегу Сены. Это здание преобразовывали и реконструировали по проекту итальянца Гая Ауленти десять лет, а в 1986 году музей распахнул свои двери для первых посетителей.

Небольшое путешествие по музею Орсе

В музее собрана редчайшая в мире коллекция произведений искусства за период с 1848 по 1915 г. из разных мест Франции, а также других стран.

Здесь предметы искусства (а их более 4 тысяч) расположены на трех этажах музея в хронологическом порядке. Картины и скульптуры известных мастеров соседствуют с малоизвестными авторами.

Вся коллекция музея состоит из картин импрессионистов и постимпрессионистов, скульптур, архитектурных макетов, фотографий и предметов мебели.

По бокам зала отделены два ряда небольших комнат, в которых находятся работы известных французских живописцев. Пару лет назад на первом этаже в одной из комнат была размещена «Мастерская» Гюстава Курбе, которого считают основателем реализма в живописи.

Есть комната, полностью посвященная творчеству Клода Моне, в ней хранятся его картины «Женщины в саду», «Регата в Аржатей» и многие другие.

Второй этаж музея Орсе дает нам возможность познакомиться с картинами натуралистов и символистов, образцами декоративного искусства направления модерн, а также насладиться скульптурными работами Родена, Бурделя, Майоля. Обязательно найдите статую танцовщицы Дега и скандальную статую «Бальзак» Огюста Родена.

Важно

Третий этаж музея Орсе – это райское место для ценителей живописи. Здесь вы можете получить удовольствие от картин таких гениальных художников как: Эдуард Мане, Огюст Ренуар, Поль Гоген, Клод Моне и Винсент Ван Гог.

Возле картины «Звездная ночь над Роной» Ван Гога всегда задерживается много посетителей, её считают редкой жемчужиной коллекции музея.

Большой интерес вызывает также полотно Эдуарда Мане «Завтрак на траве», которое шокировало общественность 19 века тем, что на нем нарисована обнаженная девушка в компании двух одетых мужчин.

Кроме того, на этом этаже в отдельной галерее выставлены экспонаты восточного искусства.

В музее можно ознакомиться с постоянной экспозицией и временными тематическими выставками, а также проводятся конференции, концерты и спектакли.

Часы работы музея Орсе

Прежде чем идти в музей Орсе, обязательно уточните его часы работы. Он закрыт по понедельникам, а в другие дни работает так:

  • четверг с 9:30 до 21:45;
  • в остальные дни – с 9:30 до 18:00.

Стоимость входных билетов в музей Орсе

Стоимость билетов составляет:

  • 11 евро – для всех;
  • 8.5 евро: для туристов не из Евросоюза возрастом 18-25 лет и иногда в вечерние часы;
  • бесплатный вход: для определенных категорий граждан, для молодежи – по четвергам с 18 часов, а в первое воскресенье месяца – для всех.

Еще одной особенностью входного билета в музей является то, что по при его покупке можно в течение нескольких дней купить билеты со скидкой в Национальный музей Густава Моро и Парижскую оперу.

Если вы не являетесь знатоком живописи и скульптуры, то лучше присоединиться к экскурсионной группе, тогда вы не только прочитаете названия экспонатов, но и узнаете много интересного.

В конце 2011 года музей д’Орсе в Париже открыл для публики новые галереи, которые создавались два года.

Совет

Было переделано освещение залов, теперь здесь современное искусственное освещение, которое больше соответствует атмосфере буржуазных салонов и интерьеров, для которых и писались полотна.

Собираясь в Париж, обязательно посетите самый известный музей живописи и скульптуры д’Орсе.

Кроме музея Орсе в Париже стоит погулять по знаменитому району Монмартр и Елисейским полям.

Личная жизнь

Люди, не знающие биографию Дега, бегло ознакомившись с его творчеством, посчитают, что Эдгар не чурался любовных интрижек с натурщицами. На полотнах колориста часто появлялись образы обнаженных женщин, но достоверно известно, что мэтр не имел близких отношений ни с одной из муз.

Автопортреты Эдгара Дега в шляпе

Любитель широкополых шляп с глазами, отражавшими печаль всего мира, предпочитал гордое одиночество шумным компаниям. Нелюдимый художник не переносил повышенного внимания к своей персоне.

Из-за столь отстраненного образа жизни и привычки вечно бормотать что-то себе под нос друзья и родные ласково называли его «медвежонком».

Скульптуры Эдгара Дега

Являясь свободолюбивым человеком, живописец отрицательно относился к институту брака. По заявлениям биографов, меланхоличный перфекционист не нуждался в физической близости. Скульптор любил глазами и получал удовольствие путем созерцания женского тела.

Неоднократно позировавшая живописцу Сюзанна Валадон заявляла: Дега постоянно делал комплименты ее внешности, но физический контакт был невозможен. Гений импрессионизма считал, что женщина создана не для любви, а для вдохновения. Восхищение было исключительно духовным.

Сюзанна Валадон

Примечательно то, что даже после публикации серии работ «Сцены в закрытых домах», посвященной легкодоступным женщинам, никто и на долю секунды не усомнился в непорочности мэтра.

Единственно приемлемое состояние души творца – одиночество. Его он сознательно выбрал в качестве верного спутника жизни.

Рейтинг
( Пока оценок нет )
Понравилась статья? Поделиться с друзьями:
Музеи мира
Добавить комментарий

;-) :| :x :twisted: :smile: :shock: :sad: :roll: :razz: :oops: :o :mrgreen: :lol: :idea: :grin: :evil: :cry: :cool: :arrow: :???: :?: :!:

Adblock
detector