Как смотреть голландский натюрморт

Коллекции

Таблица десертов

Из ста или более его картин, которые можно увидеть в европейских галереях, только 18 датированы. На одной из ранних работ изображена чеканная кружка с бутылкой, серебряной чашей и лимоном на мраморном столе, датированная 1640 годом, в Рейксмузеуме в Амстердаме . Похожая работа 1645 года с добавлением фруктов, цветов и далекого пейзажа находится в замке Лонгфорд. Чаша в венке, с лучистым букетом среди пучков пшеницы, винограда и цветов, является шедевром 1648 в Бельведере из Вены . Венок вокруг Мадонны в натуральную величину, датированный 1650 годом, в музее Берлина , показывает, что де Хем мог рисовать ярко и гармонично в больших масштабах. Музей Прадо владеет Таблица датирована около 1651 и Тиссен музея дома Цветы в стеклянной вазе с фруктами ками 1665.

В Старой пинакотеке в Мюнхене находится знаменитая работа 1653 года, в которой лианы красиво сочетаются с тыквами, ежевикой, апельсином, миртом и персиком, а также оживлены бабочками, молью и жуками. Пейзаж с цветущим розовым деревом, кувшином клубники, набором фруктов и мраморным бюстом Пана , датированный 1655 годом, находится в Эрмитаже в Санкт-Петербурге . Некоторые из его работ хранятся в Королевских музеях изящных искусств Бельгии в Брюсселе . Натюрморт 1645 года, изображающий праздник фруктов и омаров, находится в галерее Мемориального художественного музея Аллена в Оберлине, штат Огайо . Простой натюрморт из оловянных кубков можно увидеть в Институте Барбера в Бирмингеме, Великобритания.

«Ладонь твоя росой окроплена, Раскрылся пальцев розовый бутон» Данте Габриэль Россетти .

К XIX веку символика изображенных предметов в живописи утратила свое глубокое значение, и цветочные штрихи нам могут показаться всего лишь красочными акцентами живописного полотна. Тем не менее, в викторианскую эпоху развился свой специфический язык цветов. Символизм, отражённый на картине Данте Габриэля Россетти «Вероника Веронезе» (1872), включает освобождённую из клетки птицу, а ромашки в птичьей клетке— запертую энергию, примулы— символ юности,нарциссы— отражение мыслей.

Вероника Веронезе

Данте Габриэль Россетти

1872, 109.2×88.9 см

Фиалки — символ скромности и верности. Так, на портрете своей жены Эммы Хилл, Форд Мэдокс Браун вкладывает в руки своей возлюбленной, разрушенной алкоголизмом, букет из увядших цветов. Он писал: «Теперь, когда она лежит в постели разбитая лихорадкой,она выглядит прекрасной и молодой,как когда-то».

Переполнено символикой и полотно Данте Габриэля Россетти «Леди Лилит» (1867). Идею картины раскрывает сонет «Телесная прелесть»: «Спокон веков она мужей влекла, Улавливая души и тела В силки страстей, как в наши времена. Ей любы мак и томных роз цветы; Кого, Лилит, не зачаруешь ты, Твой поцелуй и сонных грез настой». Роскошный цветок мака в черной вазе символизирует не только воображение и вечный сон, но также наслаждение и неизбежность смерти.

Леди Лилит

Данте Габриэль Россетти

1873, 96.5×85.1 см

Значение первоцвета изменяется в зависимости от окраски,но в картине Эдвина Лонгсден Лонга«Дочери нашей империи. Англия: первоцвета» (1887) желтый задуман как символ молодости и любви.

Картина Джона Эверетта Милле «Офелия» известна благодаря детализированному изображению растительности реки и на речных берегах. Когда художник рисовал обреченную Офелию Шекспира, в пышной сцене смерти он изобразил все цветы в соответствии с оригиналом текста и ботанической точностью. В каждом из растений закодирован определенный смысл: лютики означают неблагодарность,плакучая ива, склонившаяся над девушкой, — знак отвергнутой любви, крапиваобозначает боль, цветы маргариток около правой руки символизируют невинность. Розы традиционно говорят о любви и красоте, кроме того, один из героев трагедии называет Офелию «роза мая»; ожерелье из фиалок знаменует скромность и верность, так же как и растущие на берегу незабудки; алый и похожий на мак адонис, плавающий около правой руки, символизирует горе.

Офелия

Джон Эверетт Милле

1852, 76.2×111.8 см

И, хотя, сегодня в большинстве живописных сюжетов натюрмортам, цветам и растениям определена второстепенная роль, попробуйте прислушаться к тихому разговору детей Флоры: они вам расскажут много интересного.

Титульная иллюстрация: Рембрандт ван Рейн. Флора

Жизнь

Портрет Вильгельма III Английского , 10 лет, в цветочной гирлянде с символами Оранжевого Дома, военная добыча, вывезенная во Францию ​​в 1795 году, где она и осталась.

Де Хем родился в Утрехте как Иоганнес ван Антверпен . Сначала он учился у своего отца Давида де Хема Старшего (1570–1631), затем у Бальтазара ван дер Аста . Он жил в Лейдене примерно с 1625 по 1629 год, где учился в 1629 году у Давида Байи (1584–1657).

Он переехал в Южные Нидерланды и вступил в гильдию святого Луки Антверпенского в 1635 или 1636 году и стал бюргером этого города в 1637 году. Однако он часто отсутствовал, о чем свидетельствовали обязанности, которые он должен был платить за это. Его замечательный талант снискал ему значительную репутацию. Он с трудом мог удовлетворить спрос. Де Хим считался одним из величайших художников своего времени. Ему хорошо платили, и портрет принца Вильгельма III в окружении картуша из цветов и фруктов был продан за 2000 гульденов, что является одной из самых высоких цен, когда-либо уплачиваемых за картину во время Золотого века Голландии. Его сыновья вместе с ним работали в его мастерской над заказами новых картин. Он ретушировал их работы и ставил свои подписи на картинах.

Он оставался в Антверпене до 1667 года, а затем вернулся в Утрехт, где записи свидетельствуют о его присутствии с 1668 по 1671 год. Он покинул Утрехт в 1671 году, когда к городу приближались французские войска. Неизвестно, когда он наконец вернулся в Антверпен, но его смерть записана в книгах гильдии.

Ваза с цветами , 1660 год, из коллекции барона Лайонела Натана де Ротшильда . В 1961 году его приобрела Национальная художественная галерея .

Ван Хим был дважды женат, сначала на Алетте ван Виде, с которой у него было трое выживших детей после ее смерти в 1643 году, один из которых, Корнелис , стал художником-натюрмортами. Он женился во второй раз в 1644 году на Анне Катерине Рукерс, от которой у него было еще шестеро детей, одним из которых был Ян, который также стал художником-натюрмортами.

Помимо двух его сыновей, у него было несколько учеников: Мишель Верстилен , Александр Куземанс , Томас де Клерк , Ленерт Ругге , Теодор Анванк , Андриес Бенедетти , Элиас ван ден Брок , Якоб Маррель , Хендрик Шук и Абрахам Миньон .

Натюрморт в рыбной лавке

Рыбный натюрморт — это аллегория водной стихии. Такого рода произведе­ния, как и мясные лавки, часто были частью так называемого цикла перво­стихий  В Западной Европе были распространены большие живописные циклы, состоявшие из нескольких картин и, как правило, висев­шие в одной комнате. Например, цикл времен года (где с помощью аллегорий изобража­лись лето, осень, зима и весна) или цикл первостихий (огонь, вода, земля и воздух). и, как правило, создавались для украшения дворцовых столовых. На первом плане картины Франса Снейдерса  Франс Снейдерс (1579–1657) — фламандский живописец, автор натюрмортов и барочных анималистических композиций. «Рыбная лавка» изображено множество рыбы. Здесь есть окуни и осетры, караси, сомы, семга и другие дары моря. Часть уже разделана, часть ожидает своей очереди. Эти изображения рыб не несут никакого подтекста — они воспевают богатство Фландрии.

Франс Снейдерс. Рыбная лавка. 1616 год

Рядом с мальчиком мы видим корзину с подарками, которые он получил ко Дню святого Николая  В католичестве День святого Николая при­нято отмечать 6 декабря. В этот праздник, как и на Рождество, детям дарят подарки.. На это указывают привязанные к корзине дере­вян­ные красные башмачки. Помимо сладостей, фруктов и орехов, в корзине лежат розги — как намек на воспитание «кнутом и пряником». Содержание корзины говорит о радостях и горестях человеческой жизни, которые посто­янно сме­няют друг друга. Женщина объясняет ребенку, что послушные дети получают подарки, а дурные — наказание. Мальчик отпрянул в ужасе: он поду­мал о том, что вместо сладостей получит удары розгами. Справа мы видим оконный проем, в котором можно разглядеть городскую площадь. Группа детей стоит под окнами и радостно приветствует кукольного шута на балконе. Шут — неотъемлемый атрибут народных праздничных гуляний.

Натюрморт с накрытым столом

В многочисленных вариациях сервировки столов на полотнах голландских ма­стеров мы видим хлеб и пироги, орехи и лимоны, колбасы и окорока, омаров и раков, блюда с устрицами, рыбой или пустыми раковинами. Понять эти натюрморты можно в зависимости от набора предметов.

Геррит Виллемс Хеда. Ветчина и серебряная посуда. 1649 год

На картине Геррита Виллемса Хеды  Геррит Виллемс Хеда (1620–1702) — автор натюрмортов и сын художника Виллема Класа Хеды. мы видим блюдо, кувшин, высокий стеклянный бокал и опрокинутую вазу, горчичницу, окорок, смятую салфетку и лимон. Это традиционный и излюбленный набор Хеды. Расположение пред­метов и их выбор неслучайны. Серебряная посуда символизирует земные богатства и их тщетность, ветчина — плотские удовольствия, привлекательный с виду и кислый внутри лимон олицетворяет предательство. Погасшая свеча указывает на бренность и мимолетность человеческого существования, беспорядок на столе — на разрушение. Высокий стеклянный бокал-«флейта» (в XVII веке такие бокалы использовались как мерная емкость с метками) хрупок, как человеческая жизнь, и в то же время символизирует умеренность и умение человека контролировать свои порывы. В целом в этом натюрморте, как и во многих других «завтраках», с помощью предметов обыгрывается тема суеты сует и бессмысленности земных наслаждений. 

Питер Клас. Натюрморт с жаровней, сельдью, устрицами и курительной трубкой. 1624 год

Большая часть изображенных предметов на натюрморте Питера Класа  Питер Клас (1596–1661) — голландский художник, автор множества натюрмортов. Наряду с Хедой считается основателем хар­лемской школы натюрморта с ее геометриче­скими монохромными картинами. явля­ются эротическими символами. Устрицы, трубка, вино отсылают к кратким и сомнительным плот­ским удовольствиям. Но это всего лишь один вариант прочтения натюрморта. Посмотрим на эти образы под другим ракурсом. Так, раковины — это символы бренности плоти; трубка, с помощью которой не только курили, но и выдували мыльные пузыри, — символ внезапности смерти. Современник Класа, голланд­ский поэт Виллем Годсхалк ван Фоккен­борх, в стихотворении «Моя надежда — это дым» писал:

Теме быстротечности человеческого существования противопоставляется бессмертие души, и знаки бренности внезапно оказываются символами спа­сения. Хлеб и стеклянный бокал с вином на заднем плане ассоциируются с телом и кровью Иисуса и указывают на таинство причастия. Сельдь — еще один символ Христа — напоминает о посте и постной пище. А раскрытые раковины с устрицами могут сменить свое негативное значение на прямо противоположное, обозначая человеческую душу, отделившуюся от тела и готовую вступить в вечную жизнь.

Разные уровни трактовки предметов ненавязчиво говорят зрителю о том, что человек всегда волен выбирать между духовным и вечным и земным прехо­дящим.

«Чудесный гость далекого Ирана»

«Портреты» цветов заказывались и владельцами садов, чтобы увековечить диковинные и экзотические и просто прекрасные цветы, собранные или выведенные хозяином. Садоводы, занимавшиеся разведением и выведением редких видов, заказывали рисованные каталоги для презентации покупателям посадочного материала. Особую актуальность такие каталоги приобрели в период пресловутой тюльпаномании. Спекуляция луковицами тюльпанов в Голландии во второй половине 30-х годов XVII в. достигла поистине степени безумства, когда за луковицу тюльпана редкой новой окраски закладывали дом. Неудивительно, что тюльпаны можно увидеть практически в каждом букете, написанном в первые сорок лет XVII столетия, и больше всего сохранилось альбомов именно с этими цветами. Одна из таких книг — «Тюльпановая книга» Якоба Маррела (1642) — содержит лист с ценами на тюльпаны в 1635—1637 гг., в самый разгар тюльпаномании.

«Колесница Флоры». Аллегорическая картина Гендрика Пота (1580−1657) — популярный лубочный сюжет, высмеивающий простаков-спекулянтов. Повозка с богиней цветов (только тюльпаны) и её праздными спутниками катится под уклон в пучины моря. За ней бредут ремесленники, забросившие орудия своего труда в погоне за лёгкими деньгами

Цветы в вазе

Ян Давидс де Хем

Ваза с цветами

Ян Давидс де Хем

1660, 69.6×56.5 см

Цветы

Ян Давидс де Хем

Цветочная композиция

Ян Давидс де Хем

Натюрморт

Ян Давидс де Хем

Цветы в вазе

Ян Давидс де Хем

Ваза с цветами

Ян Давидс де Хем

1660, 69.6×56.5 см

Первые станковые натюрморты появились в 1600-е гг. в творчестве Якоба де Гейна,Руланта Саверея, Яна Брейгеля, Амброзиуса Босхарта и представляли собой искусные композиции из разнообразных цветов в изысканной вазе. Такие букеты кажутся написанными с натуры, однако присмотритесь: они составлены из растений, цветущих в разные сезоны. Живописцы выполняли тщательные рисунки акварелью и гуашью, рисуя цветы с натуры, и затем использовали эти наброски в различных работах.

Ян Брейгель Младший

Флора в цветах

Ян Брейгель Младший

1640-е , 44×64 см

  • Ян Брейгель Младший. Пять чувств: Слух

  • Ян Брейгель Младший. Пять чувств: Зрение

И, конечно, рассматривая изысканные букеты, знатоки с любопытством читали цветочные «письма». Уж они-то знали, что орхидеи затаили ревность,подозрительность, и обман. Ирис уже перестал напоминать о скорби Божьей матери и начал воспевать Весну и возрождение. Лаванда символизирует деревенскую жизнь, крестьянство, и, в то же время,желание, порок, разврат, потерю невинности. А вот тюльпаны, памятую о своем бурном коммерческом прошлом, преобразились в символ богатства, процветания,торговли, и это объяснимо самой историей бытования цветка.

Одуванчик, из символа младенца Христа (на тондо Рафаэля изображен слева у края плаща Иосифа) трансформировался в трогательное напоминание о детстве, тоске по прошлому.

Символика активно использовалась в искусстве до второй половины XIX века. «Говорящий гербарий» можно увидеть на полотнах Ореста Кипренского. «Бедная Лиза» нежными пальчиками держит хрупкий красный цветок — это ее любовь и судьба.

Бедная Лиза

Орест Адамович Кипренский

1827, 45×39 см

Балерина Екатерина Телешова в образе Зелии — героини балета «Приключение на охоте», — демонстрирует идеализированный букетик полевых цветов, намек на простодушие театрального образа. Цыганка прижимает ветку мирта — атрибут Афродиты. Однако у мирта есть еще одно значение — символ язычника обращенного в христианство. И, пожалуй, это наиболее вероятное объяснение присутствия детали на портрете цыганки (как известно, ромы принимают религию страны, где они проживают).

  • Орест Адамович Кипренский Портрет Екатерины Сергеевны Авдулиной 1823

  • Орест Адамович Кипренский Цыганка с веткой мирта

А на портрете Е. Авдулиной отчетливо видна одиноко стоящая в стакане с водой веточка гиацинта. Его белый цвет — символ нравственной чистоты, но, в то же время и смерти: осыпающиеся лепестки — уже ставший хрестоматийным намек на быстротечность молодости и красоты. Художник грустил: ему довелось покинуть солнечную Италию и вернуться в Петербург.

Портрет танцовщицы Е.А. Телешевой

Орест Адамович Кипренский

1828, 64.2×55.5 см

«Где весело, туда лети, из лучших роз богине Флоре венок сплети…» Рубен ДариоЦветы, учитывая, заложенную в них природой идею роста и плодородия, издревле связывали с женской сексуальностью.

1931, 92×60 см

Портрет Иры П.

Тамара Лемпицка

1930, 99×65 см

Весна

Тамара Лемпицка

1930, 41×33 см

Натюрморт с портретом Арлетт

Тамара Лемпицка

91×55 см

Каллы

Тамара Лемпицка

1931, 92×60 см

Тамара де Лемпицка считала каллы самыми женственными и эротичными цветами и постоянно включала их в свои натюрморты. В картинах Джорджии О’Киф критики практически единодушно усмотрели эротические намёки. А известный фотограф Альфред Стиглиц считал работы О’Киф манифестацией «вечной женственности».

Красная канна

Джорджия О’Киф

1919, 32.5×24.1 см

Розовый душистый горошек II

Джорджия О’Киф

1940-е , 101.6×76.3 см

Канна красная с оранжевым

Джорджия О’Киф

1922, 50.8×40.6 см

Орхидеи

Джорджия О’Киф

1941, 70.2×55.2 см

У древних италийцев с приходом весны над миром властвовала юная богиня распускающихся цветов — Флора. Ренессанс воскресил наследие античности,и цветы окружили жизнерадостных Венеру и Флору. Богини участвуют в картинах с аллегориями месяцев и времен года, чувств и стихий, олицетворяя весну,обоняние или зрение, землю или огонь (Ян Брейгель Старший. «Обоняние»).

Весна (Примавера)

Сандро Боттичелли

1485, 314×203 см

«Я вышла в сад …» Белла Ахмадулина

Вообще, появление и распространение «несерьезной» цветочной живописи в Европе было результатом интенсивного развития садоводства — как научного, так и любительского. Растительный мир, окружавший художников, с середины XVI века начал изменяться. Путешественники и торговля сделали свое дело! Одними из первых преобразили сады восточные луковичные растения, а затем к ним стали постепенно прибавляться диковинки из Нового Света.

Ботаника обрела самостоятельность,отделившись от медицины, составной частью которой была до этого

Вот и художники обратили особое внимание на цветочную живопись,к тому же ученые, большинство из которых работали в Голландии,заказывали рисунки растений для исследовательских целей

Натюрморт в мясной лавке

Питер Артсен. Мясная лавка, или Кухня со сценой бегства в Египет. 1551 год

Изображение мясной лавки традиционно связывалось с идеей физической жизни, персонификацией стихии земли, а также с чревоугодием. На картине Питера Артсена  Питер Артсен (1508–1575) — голландский ху­дожник, также известный как Питер Длин­ный. Среди его работ — жанровые сцены на евангельские сюжеты, а также изображе­ния рынков и лавок.  почти все пространство занимает ломящийся от яств стол. Мы видим множество видов мяса: убитую птицу и разделанные туши, ливер и ветчину, окорока и колбасы. Эти образы символизируют неумерен­ность, обжорство и привязанность к плотским удовольствиям

Теперь обратим внимание на задний план. С левой стороны картины в оконном проеме поме­щена евангельская сцена бегства в Египет, которая резко контрастирует с натюрмортом на переднем плане. Дева Мария протягивает последний ломоть хлеба нищей девочке

Заметим, что окно расположено над блюдом, где крест-накрест (символ распятия) лежат две рыбы — символ христианства и Христа. Справа в глубине изображена таверна. За столом у огня сидит веселая компа­ния, выпивает и ест устриц, которые, как мы помним, ассоциируются с похо­тью. Рядом со столом висит разделанная туша, указывающая на неотврати­мость смерти и мимолетность земных радостей. Мясник в красной рубахе разбавляет вино водой. Эта сценка вторит основной идее натюрморта и отсы­лает к Притче о блудном сыне  Вспомним, что в Притче о блудном сыне есть несколько сюжетов. Один из них повествует о младшем сыне, который, получив от отца имение, продал всё и спустил деньги на рас­путную жизнь.. Сцена в таверне, равно как и мясная лавка, полная яств, говорит о праздной, распутной жизни, привязанности к зем­ным наслаждениям, приятным для тела, но губительным для души. В сцене​ бегства в Египет герои практически повернуты к зрителю спиной: они уда­ляются вглубь картины, подальше от мясной лавки. Это метафора бегства от распут­ной жизни, полной чувственных радостей. Отказ от них — один из способов спасти душу.

Vanitas, или «Ученый» натюрморт

Жанр так называемого «ученого» натюрморта получил название vanitas — в переводе с латыни это означает «суета сует», другими словами — «memento mori» («помни о смерти»). Это самый интеллектуальный вид натюрморта, аллегория вечности искусства, бренности земной славы и человеческой жизни. 

Юриан ван Стрек. Суета сует. 1670 год

Меч и шлем с роскошным плюмажем на картине Юриана ван Стрека  Юриан ван Стрек (1632–1687) — амстердам­ский художник, известный своими натюрмор­тами и портретами.  ука­зывают на мимолетность земной славы. Охотничий рог символизирует богат­ства, которые невозможно взять с собой в иную жизнь. В «ученых» натюрмор­тах часто встречаются изображения раскрытых книг или небрежно лежащих бумаг с надписями. Они не только предлагают задуматься об изображенных предметах, но и позволяют использовать их по назначению: прочесть открытые страницы или исполнить записанную в нотной тетради музыку. Ван Стрек изо­бразил набросок головы мальчика и раскрытую книгу: это трагедия Софокла «Электра», переведенная на голландский. Эти образы указывают на то, что ис­кусство вечно. Но страницы книги загнуты, а рисунок помят. Это признаки начавшейся порчи, намекающие на то, что после смерти даже искусство не пригодится. О неизбежности смерти говорит и череп, а вот обвивающий его хлебный колос символизирует надежду на воскресение и вечную жизнь. К середине XVII века череп, обвитый хлебным колосом или вечнозеленым плющом, станет обязательным предметом для изображения в натюрмортах в стиле vanitas. 

микрорубрики
Ежедневные короткие материалы, которые мы выпускали последние три года

Похмелье дня

У коня БоДжека на яхтеНон-фикшн дня

Сборник статей Бориса УспенскогоЮтьюб-канал дня

Мультфильмы-лекции обо всем на свете

Архив

Работа

Де Хем был одним из величайших художников-натюрмортов в Нидерландах, сочетая блеск и гармонию цвета с точной передачей объектов: цветов во всем их разнообразии; Европейские и тропические фрукты; лобстеры и устрицы; бабочки и мотыльки; камень и металл; улитки и морские ракушки.

Его натюрморты включали кусочки фруктов, натюрморты vanitas и фрагменты цветов, но он наиболее известен своими богато украшенными или роскошными натюрмортами, так называемыми « пронкстиллевенами ». Некоторые из его работ демонстрируют изобилие; другие, только гирлянда или букетик цветов .

Часто он выражал мораль или проиллюстрировал девиз: змея, свернувшаяся клубком под травой; череп на цветущих растениях. Золотые и серебряные чашки или кружки намекают на тщеславие земных владений. Спасение аллегорически рассматривается как чаша среди цветов, а смерть — как распятие в венке. Иногда де Хем писал, один или с другими, Мадонны или портреты в гирляндах из фруктов или цветов.

Его подпись варьировалась: инициалы (J. De Heem f.), Или Johannes (IOANNES DE HEEM F.), или имя его отца, добавленное к его собственному (JD De Heem f.). Иногда он указывал дату (например, A. i65i), особенно в своих лучших работах.

Богато накрытый стол с попугаями — ок. 1650

Гимн красоте божественного творения

Силу воздействия живописных образов на религиозные чувства верующих прекрасно понимали отцы церкви

И, несмотря на аскетизм ранних сюжетов, роза и лилия одними из первых стали пользоваться особым вниманием. 

Алтарь Барди

Сандро Боттичелли

1485, 185×180 см

Лилия — любимица древних властителей и императоров. С расцветом христианства ее белоснежным лепесткам было доверено символизировать непорочность Девы Марии. Цветок стал практически неизменной деталью сцен Благовещенья в европейском изобразительном искусстве.

Роза — покорительница сердец, — никогда не была лишена внимания. Ее насыщенный красный цвет и шипы красноречиво повествовали о страданиях Христа. Сплетённые же вместе белые (символ чистоты Марии) и алые розы знаменовали собой объединение в вере всех христиан (Альбрехт Дюрер «Праздник венков из роз» или «Праздник чёток»).

Праздник четок (Праздник розовых венков)

Альбрехт Дюрер

1506, 162×194.5 см

Ирис — белый символизирует чистоту,синий — материнскую скорбь.

Изображение цветов в религиозных сюжетах позволяло навеки запечатлеть красоту мудрости и щедрости самого Творца, напоминая и о бренности земной жизни. Эта христианская идея отражена в картине Яна Давидса де Хема (1606−1683) «Натюрморт с распятием и черепом» (Мюнхен, Старая Пинакотека). О скоротечности жизни в цветочном memento mori, как правило, напоминает изображение часов или черепа. В натюрморте же с другим набором предметов в этой роли выступает сам цветок.

Цветы в стеклянной вазе, распятие и череп

Ян Давидс де Хем

85×103 см

Включенный в букет хлебный колос символизирует не только хлеб Причастия,но и Воскресение, поскольку человек, подобно зерну, возрождается к новой жизни после погребения в землю. В композиции другой картины Яна Давидса де Хема -«Букет цветов в стеклянной вазе», — очевидно доминирование алого мака и белой гвоздики. Внимательному зрителю мак напоминал о скоротечности живой красоты,а скрытые в нем семена — о смерти и забвении. Белая гвоздика символизировала чистую и ясную христианскую жизнь.

Цветы в вазе

Ян Давидс де Хем

На протяжении XVI столетия светская символика в искусстве постепенно отвоевывала все больше прав. Так, красная гвоздика — в христианском искусстве символ любви и страдания, ассоциирующийся с кровью, пролитой Христом, уже все чаще в портрете XV—XVI вв., особенно в парном, сопровождает влюбленных и служит указанием на обручение. Цветок стал общепринятым, и по сей день сохранившим свое значение атрибутом доблести и отваги, революции, причем,не только Октябрьской, но, прежде всего, Французской.

Автопортрет

Отто Дикс

Портрет купца Георга Гиссе

Ганс Гольбейн Младший

1532, 97.5×86.2 см

Мужской портрет

Ян ван Эйк

1435, 41×31 см

Мадонна с гвоздикой

Леонардо да Винчи

1478, 67×42 см

Мужчина с розовой гвоздикой

Андреа Соларио

Портрет Помпеюса Окко

Дирк Якобс

54×66 см

Автопортрет

Отто Дикс

Портрет купца Георга Гиссе

Ганс Гольбейн Младший

1532, 97.5×86.2 см

Интересно, что в случае многозначности символа принимается во внимание то из его значений, которое соответствует общему духу картины. Например,чертополох в Германии указывал на помолвку — этот намек и усматривали раньше исследователи известного автопортрета Альбрехта Дюрера с чертополохом

Однако надпись в верхней части картины — «мои дела определяются сверху» (стар. нем.), — указывает на еще одну символику растения — Страсти Христовы. Так художник выразил преданность Богу, подчеркнув свою мысль чертополохом в руке.

Автопортрет с остролистом (Автопортрет с чертополохом)

Альбрехт Дюрер

1493, 56×44 см

В миниатюрах календарей франко-фламандских часовников XV в., цветы — признанные атрибуты апреля и весны вообще в позднейших циклах картин на тему «Месяцы» или«Времена года». Один из самых изысканных образов возрождающейся природы запечатлен в миниатюре«Апрель» («Роскошный часослов герцога Беррийского») братьев Лимбургов: дамы в изящных придворных платьях собирают цветы на яркой зелени луга.

Но что нам «скромные цветы»? Довольно неожиданно выглядит «Автопортретс подсолнухом» Антониса ван Дейка! Дело в том, что подсолнух был только-только завезен испанцами в Европу из Перу (произошло это в 1569 г.), и еще столетие его выращивали в садах как диковинку. Заметив, что подсолнух поворачивается вслед за небесным светилом, его стали считать символом солнца (Творца, монарха) и судьбы, а также верности. Видимо, изображение растения на автопортрете придворного живописца — свидетельство непоколебимой преданности мастера своему покровителю, английскому королю Карлу I.

Автопортрет с подсолнухом

Антонис ван Дейк

1632, 73×60 см

Рейтинг
( Пока оценок нет )
Понравилась статья? Поделиться с друзьями:
Музеи мира
Добавить комментарий

;-) :| :x :twisted: :smile: :shock: :sad: :roll: :razz: :oops: :o :mrgreen: :lol: :idea: :grin: :evil: :cry: :cool: :arrow: :???: :?: :!:

Adblock
detector