Изгнание из рая: первое событие мировой истории

Творчество

После Альбрехта Дюрера осталось более 900 произведений. Он посвящал свое творчество гравюре, живописи и рисункам. Эксперты этой сферы считают, что работы были такие же разноплановые, как у Леонардо да Винчи. Производительности деятеля тоже многие завидовали.

Рисунок всегда становился лишь одним из этапов создания композиции. Он выполнял его пером, карандашом, акварелью, даже углем. В творчестве Дюрера преобладала библейская тематика, для той эпохи это была актуальная тема.

Талант, постоянная тяга к экспериментам и нестандартный тип мышления заставлял художника развиваться на протяжении всей жизни, даже после получения признания. Когда графика Альбрехта стала популярна, князья и другие известные личности начали заказывать у него портреты. Художник всегда прорабатывал такие картины, он изображал людей согласно европейским традициям, в небольшом развороте.

На протяжении всей жизни художник занимался гравюрой, он выполнял работы в разной технике. Такие произведения хорошо продавались, периодически ему поступали заказы.

После поездки в Италию художник внес коррективы, стал иначе изображать человеческие тела в движении, перешел к сложным ракурсам, убрал готическую угловатость и добавил плавности всем линиям.

ИСК К МУЗЕЮ

10 лет назад вдова сына Жака Гудстиккера Марей фон Захер подала иск против музея Саймона Нортона, требуя выплатить денежную компенсацию от фонда в размере 45 миллионов долларов. Она ссылалась на то, что доказательств принадлежности диптиха Кранаха собранию Строгановых просто нет. Иск отклонили, и право собственности на картины осталось неизменным. Суд счел законным приобретение диптиха у Щербатова, права которого не были опровергнуты в судебном порядке в Голландии. Вторым основанием стало истечение срока давности в штате Калифорния — он составляет три года для споров о приобретении произведений искусства.

Канал автора в Telegram — «Парнасский пересмешник»

Примечания[править | править код]

1. ↑ 123 https://www.metmuseum.org/art/collection/search/336222
2. https://www.metmuseum.org/art/collection/search#!/search?showOnly=highlights
3. ARTIC (англ.) — Art Institute of Chicago.
4. Музей изящных искусств Бостона — 1870.
5. https://ago.ca/collection/object/84/2
6. https://www.britishmuseum.org/research/collection_online/collection_object_details.aspx?objectId=764515&partId=1
7. https://collections.lacma.org/node/235030
8. https://www.harvardartmuseums.org/visit/exhibitions/5699/adam-and-eve
9. https://www.cincinnatiartmuseum.org/art/explore-the-collection?id=12520519

НЕОЖИДАННАЯ НАХОДКА

Первая тотальная экспроприация ценностей коснется церковного имущества, и если вы вспоминаете костры, сложенные из икон, то такой беспорядок был крайне не выгоден советской власти. Оставлять храмы в покое никто не собирался, но и уничтожение таким варварским способом было довольно скоро пресечено. Особые комиссии оценивали предметы убранства храмов, а дальше принималось решение как с ними поступить, — в основном, конечно, расчет был на продажу. Декрет «О ликвидации церковного имущества» вышел 2 января 1922 года.

В июне 1927 года сотрудник музея-заповедника Киево-Печерской лавры В. Ищенко обходил местные церкви в поисках представляющих художественную ценность предметов. В Церкви Святой Троицы на Васильковской улице (в Киеве) он нашел заваленную мусором доску, в которой распознал картину, хоть и в очень плохом состоянии. Соответствующих документов об изъятии художественного предмета не оформляли, но настоятель сообщил, что картина хранилась с 1919 года и была спрятана в чулан в годы Гражданской войны. Как картина оказалась здесь — неизвестно. Можно предположить, что после распределения имущества ликвидированных полковых церквей Первой мировой.

В Лавре картину почистили, и открылись два обнаженных силуэта. Тогда было решено отдать находку в отдел предметов культа — и использовать для антирелигиозной пропаганды. Когда картина попалась на глаза директору музея, он пригласил авторитетного искусствоведа Сергея Гилярова, который сразу же определил, что это особый экспонат, требующий серьезного рассмотрения. Он отнес работу к немецкому возрождению, и картину спешно передали профильному Музею искусств. Когда доску тщательно отмыли и начали реставрировать, выяснилось, что это не одна, а две соединенные доски, после чего их вновь разделили. В скором времени реставрация вернула шедевру первоначальный вид. Каково же было удивление мастеров, обнаруживших на стволе дерева позади Адама небольшую змейку с гребешком на спине! Крылатый змей с кольцом в пасти был гербом Лукаса Кранаха, его художник получил в 1508 году от курфюрста Виттенберга.

Открытия такого масштаба случаются крайне редко. В пространство мировой культуры после многолетнего забытья вернулась картина самого известного немецкого художника времен Возрождения после Дюрера и Ганса Гольбейна Младшего. Парадоксальность ситуации в том, что открыватели Кранаха не стали народными героями и не появились на страницах газет, а сама работа не вошла в золотой музейный фонд. Скорее, наоборот, команда, работавшая над восстановлением картины, оказалась в опасности.

Рыцарь, смерть и дьявол

На этом полотне зрителям предстает кошмарный взгляд Смерти с песочными часами в руке (символ тщетности усилий и краткосрочности жизни) и свиноголовый дьявол. Но третий персонаж картины — рыцарь — держится спокойно и крепко сжимает поводья, направляя лошадь вперед. Своими доспехами и своей верой он защищен от опасностей.

«Рыцарь, смерть и дьявол» были обожаемы Адольфом Гитлером на том основании, что эта картина якобы олицетворяет отважного тевтонского героя. Конь рыцаря был вдохновлен ​​проектом Леонардо да Винчи — конным памятником Франческо Сфорца в Милане

Конь рыцаря был вдохновлен ​​проектом Леонардо да Винчи — конным памятником Франческо Сфорца в Милане.

Известные картины Дюрера

Художник создал много произведений, которые до сих пор активно обсуждаются ценителями искусства, но самая известная работа — «Четыре всадника апокалипсиса». За 3 года на библейскую тематику Дюрер создал 15 гравюр, они дважды публиковались.

Иллюстрация демонстрирует слова из Откровения, где говорилось о четырех всадниках на разноцветных конях, среди них Голод, Смерть, Завоевание  Война. Сразу за конями следует Ад, как написано в Библии, он изображен зубастым чудовищем. Расположенный над всадниками ангел напоминает о том, что все понесут ответственность за свои деяния.

Художник специально изобразил всех персонажей очень близко, чтобы создавалось впечатление, что они скоро покинут рамки гравюры. Через это произведение Альбрехт делился с людьми своими мыслями о будущем и призывал помнить о том, что расплата неизбежна.

Рассмотрим остальные известные произведения:

• «Адам и Ева». Молодые люди изображены здесь до Грехопадения, они находятся по разные стороны дерева. Картина получилась уникальной из-за плавных линий и того, насколько реалистично все изображено.
• «Мадонна с младенцем перед аркой». Картину обнаружили в небольшом итальянском городе только после Второй мировой войны. Художник подарил свою работу женскому монастырю, искусствоведы признали ее подлинность.
• Автопортрет. Альбрехт нарисовал картину с собственным изображением в цвете. Так Дюрер показал свой социальный статус через модную итальянскую одежду, высокомерный взгляд и легкую ухмылку.
• «Руки Молящегося». Изображение нарисованных рук используют для выражения скорби или сопровождают им новое издание Библии. Изначально руки изображались в качестве эскиза, позже художник хотел изобразить апостола, но картину уничтожил огонь во время пожара в мастерской.

Упорство художника и его чувство пропорций позволило Дюреру не только создать произведения, которые до сих пор имеют огромную ценность, но и повлиять на следующие поколения творческих людей.

ЭКСПРОПРИАЦИЯ ЦЕННОСТЕЙ

В 1917 году в Народном комиссариате просвещения появились комиссары по охране художественно-исторических памятников и частных коллекций. Министерство императорского двора преобразовали в Комиссариат исторических имуществ, при котором открыли коллегию по охране памятников. С этого в РСФСР началась централизованная национализация художественных ценностей.

В октябре 1918 года СНК выпускает декрет об учете и охранении памятников искусства, кому бы они ни принадлежали. В 1920 году создается так называемый Гохран — Государственное хранилище ценностей РСФСР, куда надлежало сдавать ценные предметы искусства и украшения. Музейные организации к этому времени были переполнены наспех конфискованным, экспроприированным или национализированным имуществом.

26 октября 1920 года СНК выпускает постановление «О сборе и продаже за границей антикварных вещей», предлагающее Наркомвнешторгу организовать сбор антиквариата и установить премию за скорую и выгодную продажу его заграницей. Комиссии созданы в Питере и Москве. С этим решением связано создание Антикварного экспортного фонда, который в 1921 году станет Государственным фондом ценностей для внешней торговли.

Экспрессионизм XV века

Квинтэссенцию отчаяния и страха мы увидим уже гораздо позже. В конце XIX века. У Эдварда Мунка.

Справа: Эдвард Мунк. Крик (фрагмент). 1887. Национальный музей Осло. Wikimedia Commons.

По сути, Мунк, пусть и 5 столетий спустя, пришёл к тому же самому. Он изобразил сам Страх, само Отчаяние.

А Мазаччо изобрел такой стиль, как экспрессионизм, еще в XV веке, задолго до того же Мунка с его “Криком”.

И вот уже кажется: логичнее было бы искусству развиваться вот так, от Фра Анджелико к Мунку. И в этой цепочке Мазаччо видится ближе к правому краю.

Но… Мазаччо — гениальный художник, который смог заглянуть далеко в будущее. Поэтому он нарушает логику и встаёт в самом начале этой исторической цепочки. Слева.

Он создал образ как будто из другой эпохи. А его современники не смогли осознать его новаторства до конца. И только мы с вами сейчас можем взглянуть на его Еву и сказать: «Как же это гениально!»

***

Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.

Комментарии

других читателейсмотрите ниже . Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.

Перейти на главную страницу

История создания

В 1504 году Альбрехт Дюрер создает первую работу на данную тему — гравюру на меди «Адам и Ева». В 1507 году художник пишет диптих «Адам и Ева», предназначенный первоначально для алтаря (алтарь так и не был дописан). Дюрер написал свою картину, вернувшись из путешествия по Италии, под впечатлением от искусства античности. Его картина является первым в немецкой живописи изображением полностью обнажённых людей в натуральную величину.

Предполагается, что Дюрер написал диптих для города Нюрнберга, где картины оставались до конца XVI-го века. Затем панели отправились в Пражский Град, в качестве подарка от города Рудольфу II. Во время Тридцатилетней войны шведские и саксонские армии разграбили замок, и эти работы, в частности, оказались в собственности шведского короля Густава Адольфа. Его дочь королева Кристина передала их испанскому королю Филиппу IV в 1654 году .

В восемнадцатом веке король Карл III приказал сжечь диптих вместе с другими изображениями обнаженных людей, за их якобы непристойное содержание. Однако, по совету своих приближенных, все же решил передать работы Академии изящных искусств Сан-Фернандо, чтобы картины служили примером для молодых художников. Эта мера была одобрена при условии, что обнаженные изображения содержались в комнате с ограниченным доступом.

В 1827 году работы Дюрера отправились в музей Прадо, но и там они были заключены в закрытой комнате, которую посещали только со специальными разрешениями, и не выставлялись на всеобщее обозрение до 1833 года, когда картины были заново открыты Иоганном Давидом Пассавантом.

Известен подготовительный рисунок к диптиху: этюд для руки Евы с яблоком, хранящийся в Художественном музее Кливленда.

Также известны различные копии и версии этой работы Дюрера. Достаточно точная копия, написанная на двух панелях, принадлежит Хансу Бальдунгу (Галерея Уффици).

До и после Мазаччо

Такие сильные эмоции до Мазаччо изображал лишь один художник – Джотто. За 100 лет до него мы видим отчаяние и горе у скорбящих ангелов над мертвым Христом.

Джотто. Оплакивание Христа (деталь). 1305. Капелла Скровеньи, Падуя. Thetimes.co.uk.

Мазаччо продолжил дело Джотто столетие спустя и попытался изобразить настоящую драму.

А вот после Мазаччо не сразу все получилось с эмоциями у других мастеров. Ренессанс XV века — это больше уравновешенность, нежели буря страстей. Именно такое спокойствие мы и видим у Фра Анджелико.

Художник следующего поколения, Андрея Мантенья, все же пытался работать с эмоциями. Однако выходило у него не очень убедительно. В плане физиогномики выражения лиц его героев откровенно странные.

Мантенья. Христос — страдающий спаситель. 1488-1500. Национальный музей Штутена в Кунсте, Копенгаген. Wga.hu.

И только у Тициана получилось изобразить эмоции, которым поверил бы Станиславский.

Тициан. Кающаяся Мария Магдалина. 1560-е. Эрмитаж, Санкт-Петербург. Hermitagemuseum.org.

Однако у Тициана есть одно НО. Отчаяние святой… идеализировано. Все-таки Святая Магдалина красива даже в своём раскаянии. Еву Мазаччо вы не назовёте красивой. По крайней мере, эмоции ее не красят.

Человеческие эмоции прародителей

Начнём с интересного сравнения.

Как вы думаете, какая из этих работ создана раньше?

По логике вещей фреска Мазаччо младше. Ведь у него мы видим более объемные фигуры людей, которые испытывают очень реалистичные эмоции.

На фреске справа герои скорее похожи на куклы. Их позы и выражения лиц мало соответствуют происходящему. Да и ангел какой-то уж слишком спокойный: ни внятного прогоняющего жеста, ни строго взгляда.

На самом деле обе фрески созданы примерно в одно время! И работу Мазаччо мы сравнивали с фрагментом «Благовещения» Фра Анджелико.

Фра Анджелико. Благовещение. 1426-1430. Музей Прадо, Мадрид. Wikimedia Commons.

Его герои как будто не знают, что такое отчаяние и стыд. Они скованны и растерянны.

А вот Адам и Ева Мазаччо испытывают очень сильные эмоции. Это настоящая драма, которая заставляет нас сопереживать.

Лицо женщины сильно искажено. Она не может и не хочет сдерживать отчаяние и боль. Черты ее лица скорее похожи на маску. Как будто перед нами и есть само Отчаяние. А не женщина, его испытывающая.

Биография

В семье будущего художника родилось 18 детей, но выжили из них только четверо. Альбрехт оказался самым младшим, он появился на свет в 1471 году. Грамоте мальчик обучился в латинской школе. Отец Альбрехта Дюрера был ювелиром, поэтому после учебы он помогал ему в этом деле. Обнаружив талант к рисованию, отец отдал Альбрехта под покровительство местного художника, там мальчик (ему на тот момент исполнилось 18 лет) научился писать картины и делать гравюры.

После того как обучение закончилось, молодой человек отправился в путешествие. Альбрехт не только посещал новые места и встречался с людьми, но и учился гравюре.

После поездки в Италию мужчину заинтересовала живопись, Дюрер создал систему перспективы и человеческих пропорций, которую использовал для написания своих картин. Однако, большинство полотен Альбрехт создал в тематике пророческих предвидений. Его воображение быстро заинтересовало других людей, поэтому возвращаясь из поездки, художник уже прославился.

После 30 лет Альбрехт Дюрер больше интересовался историей искусства, после чего создал несколько серий гравюр со множеством мелких деталей. После путешествия художник купил дом и вошел в нюрнбергский совет. Мастер выполнял работы на заказ, а затем получил покровительство от Максимилиана I. После выполнения нескольких заказов для императора художник получил пенсию, которая выплачивалась ежегодно. Через 7 лет после этого Максимилиана I умер, Дюрер остался без своих выплат, поскольку городской совет посчитал эти траты лишними.

В 1520 году Дюрер уехал в Нидерланды, чтобы посмотреть выставки других художников и обменяться опытом. Во всех городах его радушно принимали, аристократы устраивали приемы и угощали. Путешествие на целый год художник организовал для того, чтобы показать свои работы и вернуть право на ежегодную пенсию у нового правителя.