Мейндерт хоббема

Эдвард Мунк (1863-1944)

Эдвард Мунк был норвежским художником-экспрессионистом и гравёром. Он известен своими психологическими темами и обертонами, на которые в значительной степени повлиял символизм 19 века. Его же работы сильно повлияли на немецкий экспрессионизм начала 20-го века.

Его самая известная и узнаваемая картина — “Крик” (1893-1910), которая имеет четыре отдельные версии в двух разных вариантах: выполненные маслом и пастелью. Картина примечательно болезненными и резкими, но в то же время со вкусом подобранными цветами, и изображённой на сильно примитизированном лице застывшей эмоцией на ярко-оранжевом фоне.

Личная жизнь

Многие современники дизайнера утверждали, что его девушкой являлась Эди Седжвик – муза и подруга художника, с которой он общался с 1965 года. Они часто появлялись вместе на мероприятиях, одинаково одеваясь и делая похожие причёски. Но для них это был больше перформанс, чем стремление продемонстрировать свои особые отношения. Их тандем просуществовал несколько лет – до того, как Эди умерла от передозировки в возрасте 28 лет.

Тайн своей личной жизни Уорхол никогда не раскрывал и публично не высказывался по поводу своей ориентации. Однако для общества Энди был открытым геем – все в его окружении знали, что он встречался как минимум с тремя мужчинами.

Одним из них считался Джед Джонсон – дизайнер и режиссёр. В 1963 году он стал одним из тех, кто работал на «Фабрике» – студии Уорхола. Энди нанял его, чтобы тот работал уборщиком, однако всё сложилось иначе – в течение 12 лет они жили в доме, купленном Джедом специально для Энди, и проводили много времени вместе.

Более ранний роман Уорхола, ещё до «Фабрики» – это отношения с Джоном Джиорно. Поэт и создатель многих перформансов был главным героем пятичасовой ленты Энди под названием «Спи», которая произвела фуррор. В фильме нет звука, и на протяжении всего времени Джон спит. Киноленту показали малому количеству зрителей, часть которых не выдержала и одного часа в кинозале. Считается, что отношения мужчин продолжались до 1964 года, после чего общение практически сошло на нет.

Джексон Поллок (1912-1956)

Джексон Поллок был американским художником и лидером абстрактного импрессионизма. Он стал знаменит благодаря своим необычным методам капельной живописи, при которых краска заливает или капает на холст. Поллок был печально известен своим пристрастием к алкоголю, что привело к автомобильной аварии, забравшей его жизнь в 1956 году.

Одна из его самых знаменитых картин — “No 5, 1948” (1948) – одна из самых дорогих картин в мире. Художник показал безмерный контроль и дисциплину в полном хаоса образе. Картина приобрела название “Гнездо птицы”, благодаря серым, коричневым, желтыми белым краскам, запутанным друг с другом.

Уорхол и Баския: неоэкспрессионистский поп-арт

Энди Уорхол и Жан-Мишель Баския — культовые художники, без которых сложно представить историю искусства ХХ века, но разные по темпераменту, жанру и манере. И всё же они сумели объединиться. Одну из их совместных картин даже можно увидеть в Мраморном дворце Русского музея.

Однажды Баския, молодой и дерзкий, подошел в ресторане к уже зрелому и состоявшемуся художнику Энди Уорхолу и показал свои рисунки, рассчитывая на одобрение и поддержку. Тот усмехнулся, однако позже рассмотрел в темнокожем юнце гения.

В дуэте Баския искал славы, а Уорхол — свежести, новизны и молодости.

Работали они в мастерской мэтра, но независимо друг от друга: Энди раскрашивал контуры предметов, спроецированные на полотно проектором, а Баския поверх этого экспрессивно набрасывал краску. В итоге картина напоминала рекламный постер, залитый пятнами.

Энди Уорхол и Жан-Мишель Баския «Без названия» (1984)

Кинематографическая деятельность

На счету Уорхола – несколько сотен фильмов, как короткометражных, так и полнометражных. Энди не стремился стать великим кинорежиссёром или получить признание в этой сфере. Больше всего он хотел перевернуть сознание человечества и показать, каким может быть кино.

Он понимал, что зритель уже видел всё, и его чрезвычайно сложно чем-либо удивить. Поэтому Уорхол создавал такие произведения, которые потрясали всех. Эмпайр Стейт Билдинг в замедленной съёмке, снимавшаяся в течение 12 часов, чёрно-белые фильмы без слов, цветные эротические фильмы – всё это снимал он, стремясь удивить зрителя.

Многие видео относятся к эротическому жанру – зачастую на экране можно увидеть обнажённых людей, бесцельно бродящих в кадре несколько часов. Одна из его главных целей — переосмысление сексуальности.

биография

Хоббема жил в Амстердаме во второй половине XVII — го  века . Его мать умерла, когда он был еще ребенком, и его поместили в детский дом. Он обучался с по в учении Рёйсдал . Став друзьями, двое мужчин много раз путешествуют вместе по восточным регионам Соединенных провинций, чтобы полюбоваться пейзажами.

Он также остается один в различных местах Голландии, в частности на востоке страны: предметы, которыми он занимается (живописные места, мельницы и леса), взяты из провинций Дренте и Гелдерланд . Согласно словарю Булье, «Он знал сложное искусство использования светлых оттенков, придавая при этом много энергии своему колориту. Его холсты, ослепляющие светом в местах, где падает солнце, сохраняют мягкий полумрак в остальном пейзаже; никто не смог лучше использовать мимолетные оттенки. » .

Персонажи его картин часто были работами других художников, таких как Адриан Ван де Вельде , Николаес Берхем или Йоханнес Лингельбах .

В году он женился на Элтье Винк, и Якоб ван Рейсдал был его свидетелем. Назначенный инспектором по ввозу вин в Амстердам (присяжный меритель вин и масел) в 1669 году , он написал очень мало картин после этой даты, но тем не менее нарисовал Аллею Мидделхарниса (1689) и водяную мельницу из Лувра (1692) считаются его шедеврами.

Последние годы жизни он прожил в крайней бедности и умер в 1709 году, через пять лет после жены. Он похоронен в церкви в Вестеркерке .

Винсент ван Гог (1853-1890)

Винсент ван Гог — голландский пост-импрессионистом, по сей день считающийся одним из самых известных и влиятельных художников западного искусства. Им были созданы около 2000 работ в промежуток времени лишь немногим больше 10 лет. Среди них около 800 были написаны в последние несколько лет его жизни. Он покончил с собой в возрасте 37 лет по причине серьёзных психических расстройств и бедности.

“Звёздная ночь” (1889) – одна из его самых известных работ, написанная им во время пребывания в психиатрической больнице во Франции. Она представляет собой вид из окна на вымышленную деревню, над которой всходит яркое жёлтое солнце. Это одна из самых узнаваемых картин не только в мире искусства, но и во всём мире.

использованная литература

• Ингамеллс, Джон, Коллекция Уоллеса, Каталог картин, Том IV, голландский и фламандский , Коллекция Уоллеса, 1992, ISBN  
• Ленгмюр, Эрика, Путеводитель по Национальной галерее , пересмотренное издание 1997 г., Национальная галерея, Лондон, ISBN  185709218X
• Леви, Майкл , Собрание Национальной галереи , 1987, Публикации Национальной галереи, ISBN  
• Ллойд, Кристофер , Очарование глаза, Голландские картины Золотого века , 2004, Публикации Королевской коллекции, ISBN  
• Макларен, Нил, переработанный Кристофер Браун, Голландская школа, 1600–1800, том I , 1991, каталоги Национальной галереи, Национальная галерея, Лондон, ISBN  0947645-99-3
• Рейтлингер, Джеральд ; Экономика вкуса, Том I: Взлет и падение цен на картины 1760–1960 , 1961, Барри и Роклифф, Лондон
• Слайв, Сеймур , голландская живопись, 1600–1800 , Йельский университет, 1995, ISBN  

Работа

Другая водяная мельница , Рейксмузеум

Несмотря на то, что он учился у Якоба ван Рейсдала, самые ранние картины Хоббемы, датируемые концом 1650-х годов, в основном представляют собой речные сцены в стиле Корнелиса Врума и Саломона ван Рейсдала . Примерно с 1662 года влияние Якоба ван Рейсдала становится намного сильнее, и Хоббема начал заниматься лесными пейзажами, очень часто с прудами, дорогами и одним или двумя зданиями. Даже в голландской живописи того времени, где специализация на определенном типе предмета стала нормой, его концентрация на таком конкретном предмете была довольно необычной.

Остальная часть 1660-х годов, особенно до 1668 года, создала большинство его лучших работ, которые увеличивались в размере и сложности по мере того, как он совершенствовал свой стиль. Его пейзажи более солнечные, чем аналогичные сцены Якоба ван Рейсдала, где основные деревья обычно видны с небом позади. Его умение варьировать световые и цветовые эффекты на протяжении всей работы исключительны. Он часто использует двойные точки схода, чтобы добавить композиции интереса. Некоторые из его сочинений, датированные 1664 годом, являются почти копиями Якоба ван Рейсдала, и он часто повторяет свои собственные сочинения с вариациями; четыре из пяти работ в коллекции Уоллеса имеют другие версии. Для некоторых из них он использовал помощников, хотя о них и их роли мало что известно.

Его дорожки или дороги обычно вьются по диагонали через его композицию через густые деревья и растительность, при этом деревья разрастаются и различаются по размеру. Водяные мельницы и другие здания обычно видны на близком расстоянии, и обычно только одна или две появляются на каждой фотографии. Его композиции тщательно продуманы и предположительно являются воображаемыми, обычно избегая всякой симметрии.

«Авеню в Мидделхарнисе» , очень поздняя работа, является неожиданным отходом от большинства этих несколько «утомленных условностей его более ранних работ» и очень точным изображением определенного места. В отличие от его обычных сцен с грубым лесом, в этой сцене прямые линии, обрезанные деревья, глубокие дренажные канавы по обеим сторонам дороги и аккуратные молодые деревья на участке справа подчеркивают искусственный характер этого места. пейзаж. На переднем плане слева остается участок грубого леса, контрастирующий срядами саженцев справа. Человек, занимающийся этим, необычен для голландских пейзажей 17-го века, которые редко показывают, чтобы кто-то работал на земле.

Харлемский замок, Амстердам , 1663–1665 гг., Его единственный общепризнанный городской пейзаж. Национальная галерея, Лондон

Харлемский замок в Амстердаме в Национальной галерее — это единственный общепризнанный городской пейзаж, на переднем плане которого по-прежнему видны деревья и вода. Слева виден угол улицы, где жил Хоббема к 1668 году. В некоторых случаях он делегировал человеческие фигуры на своих картинах Адриану ван де Вельде и, возможно, другим, что было обычной практикой в ​​тот период. В других случаях он рисовал фигурки, но, вероятно, привлекал птиц и животных к субподряду.

Он часто писал на дубовых панелях, по крайней мере, до конца 1660-х годов; из девяти картин в Национальной галерее пять написаны на дубе, а две нет, датированные 1689 годом. Конечно, его рисунков не сохранились, и лишь некоторые из них приписываются. Несмотря на это, считается, что его композиции в основном собирались и расписывались в студии из ряда элементов, предположительно записанных на рисунках.

Сальвадор Дали (1904-1989)

Один из самых известных художников сюрреалистического движения, Дали известен прежде всего своей абсурдно-причудливой эстетикой, переходящей от картины к картине

Его искусство было продолжением его самого, но, принимая во внимание его испанскую экспрессивность и любовь к вниманию, он был не менее прославлен своим эксцентричным поведением. Его самая известная работа «Постоянство памяти» (1931)

Одной из интерпретаций картины является то, как время начинает таять, стоит лишь человеку заснуть. На вопрос, что же именно вдохновило Сальвадора Дали на написание этой картины, он ответил, что форма тающих часов была навеяна плавящимся на солнце сыром камамбер.

Примечания и ссылки

1. ↑ и
2. Универсальный историко-географический словарь Булье Чассанга на Википедии
3. Питер С. Саттон, Голландская и фламандская живопись , 2002, Frances Lincoln Ltd. стр.131, ( ISBN   )
4. Лоран Гризон , историк искусства, предлагает подробный анализ этой картины в Figures fertiles , Éditions Jacqueline Chambon- Actes Sud , Коллекция «Искусство вискозы », 2002, страницы 75–85.
5. ↑ и Эмиль Мишель, L’Art du paysage , 2012, Parkstone International, стр.92-95, ( ISBN   )
6. Йост Вандер Аувера , Музей древнего искусства: Избранные произведения , Брюссель, Королевский музей изящных искусств Бельгии, Брюссель,2001 г., 238  с. ( ISBN  90-77013-04-0 ) , стр.  204
7. ↑ и (ru) Бернис Дэвидсон , Картины из коллекции Фрика , Нью-Йорк, Гарри Н. Абрамс, Incorporated, Нью-Йорк,1990 г.( ISBN  0-8109-3710-7 ) , стр. 69

Творческий путь

Многие считают творчество Энди своеобразным вызовом обществу, современным движением, которое отрицало искусство, отдавая предпочтение конвейерному производству, востребованному в те годы.

Картины, выпускаемые в мир непрерывным потоком, стали синонимом фигуры Энди Уорхола, который часто говорил, что хотел бы быть машиной. Эту фразу можно расценивать как желание стать бессмертным, сохранить воспоминания о себе. Многие годы дизайнер собирал «капсулы времени» – коробки, в которые складывал всё то, что считал хоть немного важным. О них мало кто знал, но все они (более шестисот) найдены после смерти Энди в его квартире. Чеки, покупки на блошином рынке, фотографии, сделанные на полароид – это лишь малая часть содержимого.

Диктофон, фотоаппарат или видеокамера – неотъемлемые части жизни, которые постоянно были с ним, сохраняя все важные моменты его собственной истории. Он мог внезапно включить диктофон или камеру во время диалога, потому что стремился не потерять ничего.

Пабло Пикассо (1881-1973)

Каждый, кто проявлял в детстве хоть какой-нибудь интерес к искусству, наверняка слышал имя Пикассо. Испанский художник вёл творческую жизнь, став в дальнейшем одним из самых влиятельных и знаменитых художников 20-го столетия. Он не только писал картины, но так же был скульптором, поэтом, драматургом. И всё это помимо огромного количества его прочих занятий. Одной из его лучших работ можно считать “Гернику” (1937), создававшуюся как ответ на бомбардировки гитлеровскими войсками баскского города Герника.

Это была одна из многих бомбардировок, длившаяся более двух часов и унёсшая тысячи невинных жизней. Сегодня картина является напоминанием об этой трагедии и последствиях войны для людей, простых граждан в особенности. После того, как Пикассо завершил “Гернику”, полотно отправилось в непродолжительный тур, став популярным антивоенным символом и приобрело известность как среди критиков, так и простых людей.

Илья Репин и Иван Айвазовский: как сделать из мариниста портретиста

Все мы знаем Айвазовского как великолепного мариниста. Мало кто вспомнит его «сухопутные» произведения, а уж портреты тем более. Людей художник изображал крайне редко — в основном отводил им скромное место где-то там, в уголочке, чтобы пейзаж не портили. Человеческие фигуры получались у Айвазовского как ветерок над морем: легко, неуловимо и символично.

Однако это не помешало живописцу создать серию из двадцати картин, героем которых стал Пушкин. Айвазовский познакомился с поэтом в 1836 году на выставке в Академии художеств, но рисовал его по памяти уже годы спустя.

Например, посмотрите на работу «Пушкин на вершине Ай-Петри при восходе солнца». Нашли поэта? Ну да, он один из тех двух всадников в углу картины. Который? Возьмите лупу!

И. К. Айвазовский «Пушкин на вершине Ай-Петри при восходе солнца» (1899)

Посмотрим на другую картину — «Пушкин на берегу Черного моря». Поэт отдыхает на каменистом берегу. Выражение его лица мы видим недостаточно четко, чтобы определить по нему, насколько холодны камни, на которых он сидит.

И. К. Айвазовский «А. С. Пушкин на берегу Черного моря» (1887)

И вот нам попадается на глаза «Прощание Пушкина с морем». Пушкин-гигант во весь рост на большом холсте (228×157 см). Сейчас-то мы заглянем в его глаза и увидим в них отражение сосредоточенного Айвазовского с кисточкой в зубах. Стоп! А в отражении — кто-то другой!

Рембрандт ван Рейн (1606-1669)

Рембрандт ван Рейн, более известный как просто Рембрандт, был голландским художником эпохи барокко. Он был мастером своего дела в трёх областях – черчении, живописи и создании гравюр. Благодаря своей универсальности он по праву считается величайшим визуальным художником в истории искусства. Его универсальность позволила ему рисовать всё, от пейзажей и портретов до исторических событий и библейских сцен.

Одна из его самых популярных работ — “Ночной дозор” (1642), сейчас находится в государственном музее Амстердама. Картина примечательна тремя своими качествами: своим размером (около 360 сантиметров в ширину и 430 сантиметров в высоту), игрой движения в традиционно неподвижном военном портрете и использованием света и тени, в которой Рембрандт был исключительно опытен и искусен.

Первый лирический пейзаж

Критики сразу разглядели в “Грачах” высокую поэзию. Как выразился Александр Бенуа, “в картине есть не просто вода, снег и воздух. В ней есть душа”.

Что это значит? Куда смотреть, чтобы эту душу разглядеть? И почему картину Саврасова называют самым первым лирическим пейзажем?

В 19 веке в России было два вида пейзажа. Эпический и романтический.

Самые известные эпические пейзажи – это “На пашне” Клодта и “Рожь” Шишкина. Это повествовательные пейзажи. О сельских жителях

Об их тяжелом и важном труде. О вечном течении времени

На них вы видите низкий горизонт. Бесконечное пространство. Спокойное величие природы. Это скорее философский пейзаж.

Слева: Михаил Клодт. На пашне. 1878 г. Государственная Третьяковская галерея. Справа: Иван Шишкин. Рожь. 1872 г. Третьяковская галерея

Ещё были пейзажи романтические. Самые известные из них – “Девятый вал” Айвазовского и “Дуб, раздроблённый молнией” Воробьева.

Природа у художника-романтика эмоциональна. Часто с преувеличенными или даже выдуманными эффектами. Как, например, неправильные волны у Айвазовского. А ещё это противоборство стихий. Или борьба человека с природой. Это драматический пейзаж.

Слева: Иван Айвазовский. Девятый вал. 1850 г. Государственный Русский музей, г. Санкт-Петербург. Справа: Максим Воробьев. Дуб, раздроблённый молнией. 1842 г. Государственная Третьяковская галерея, г, Москва

Саврасов пошёл другим путём. В его “Грачах” можно разглядеть немного философии. Едва ли драму. Но в них много лирики. Потому что художник добавил своё собственное отношение к природе.

Чувствуется его безграничная любовь к родине. К русской глубинке. Он вплетает в картину душевное тепло. Выходит трогательно. Поэтично.

Сберегла берёза от зимы седой Гнёзда птичьей стаи, что спешит домой…

(Э. Терешкин)

Ученик Саврасова, Исаак Левитан подхватил это знамя. С тех пор поэзия и душа присутствуют почти в каждом русском пейзаже.

Стали это называть пейзажем настроения. Когда через берёзки и лужи мы чувствуем приподнятое настроение художника. Или его душевные терзания.

Картины Исаака Левитана. Слева: Март. 1872 г. Государственная Третьяковская галерея. Справа: Буря. 1887 г. Радищевский государственный музей, г. Саратов

Были ли у Саврасова другие шедевры?

Шедевров у Саврасова не так много. “Грачи” были созданы в сложный период его жизни. Академия художеств лишила его казённой квартиры. Умерла новорожденная дочь.

Лишь “Проселок” можно назвать ещё одним  шедевром. Который по значимости уступает лишь картине “Грачи прилетели”.

Алексей Саврасов. Просёлок. 1873 г. Государственная Третьяковская галерея, г. Москва

***

Спустя 10 лет после написания картины “Грачи прилетели” жизнь Саврасова пошла под откос. Он серьёзно страдал алкоголизмом. Искусствоведы так и называют его работы с 80-х годов 19 века – “пьяный Саврасов”.

Грачи иногда “возрождались” в рисунках. Которые он наспех набрасывал, чтобы продать на ближайшем рынке за 2 рубля.

Алексей Саврасов. Грачи прилетели. 1894 г. Государственная Третьяковская галерея, г. Москва. Wikipedia.org

Саврасову было не суждено оставить обширную галерею шедевров, как его современнику Айвазовскому или ученику Левитану.

Однако “Грачи прилетели” внесли серьёзную лепту в развитие живописи. С этой культовой картины началась история русского пейзажа, который повествует о русской природе. И главное, о любви к ней.

***

Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.

Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.

Леонардо да Винчи (1452-1519)

Леонардо да Винчи был итальянским художником, скульптором, математиком и изобретателем, а так же занимался изысканиями в архитектуре, науке, музыке, инженерном деле, астрономии, геологии и многих других областях. Именно поэтому он получил имя “Человек эпохи возрождения”, так как обладал знаниями практически во всех областях, доступных в то время. Вероятно, самым известным его полотном можно назвать “Мону Лизу” (1503-1506), которая считается самой посещаемой, узнаваемой и пародируемой картиной за свою историю.

Причиной её популярности является неуловимая загадочность, таинственная улыбка изображённой на портрете девушки. Многие историки, впервые увидев эту картину, описали её как нечто, чего ни одна фотография не могла бы запечатлеть. Считается, что на портрете изображена Лиза дель Джокондо, жена Франческо дель Джокондо. Итальянское название “Моны Лизы” — “La Gioconda”, что означает “jocund” (счастливый или живой, что можно считать игрой слов с фамилией семьи – Giocondo. Французское название картины, “La Joconde”, имеет то же значение).

Клод Моне (1840-1926)

Клод Моне, часто называемый одним из основателей импрессионизма, был французским художником и одним из самых ярких и талантливых пионеров французского импрессионистического движения. Фактически, сам термин «импрессионизм» был придуман после создания им картины под названием «Impression, Soleil Levant» («Впечатление, восход солнца»).

Его самая известная работа — «Водяные лилии» (с 1840 по 1926 год), серия из 250 картин с изображением сада в доме французского художника в Живерни, Франция. Эта серия была основным направлением творчества художника в течение последних 30 лет его жизни.

Йоханнес Вермеер (1632-1675)

Йоханнес Вермеер был ещё одним голландским художником, специализировавшимся на изображении внутренних убранств небогатых домов и жизни представителей среднего класса. Несмотря на то, что при жизни он не был признан, его работы были обнаружены заново в 1860 году.

Тогда некоторые из его картин были по ошибке приписаны другим художникам, однако в скором времени истинный автор был установлен благодаря кропотливой работе искусствоведов и историков. На сегодняшний день известны 34 работы, принадлежащие кисти Вермеера. Самая известная из его картин — “Девушка с жемчужной серёжкой” (1665). Портрет примечателен живым, дышащим взглядом европейской девушки, одетой в экзотическую одежду, а также необыкновенно большой полированной серьгой, предположительно считающейся жемчужиной.

Родом из бедной еврейской семьи

У Ильи Абрамовича Левитана, урожденного Эльяшива – еврейское имя, но в России все национальности старались придать своим именам больше русскости, родился сын в 1860 году. Жена Ильи Абрамовича Бася, названная родителями Берта, родила Исаака 18 августа. На тот момент семья жила в Литве, в небольшом и малоизвестном поселке Кибарты близ одноименной железнодорожной станции. Маленький Исаак не был их первенцем, у супругов уже имелось трое детей. Глава семейства получал мало, он репетиторствовал и параллельно работал контролером на станции.

Илья Абрамович занимался самообразованием, он без всяких преподавателей изучил два иностранных европейских языка – немецкий и французский, которые были востребованы в те времена, их он и преподавал затем сам. Безвыходное положение, почти нищенское существование, отсутствие перспектив как у самих супругов Левитан, так и у их детей, сподвигло семью на переезд в старую столицу Российской Империи – Москву.

Юный Исаак Левитан, 1870 год

Рене Магритт (1898-1967)

Рене Магритт был бельгийским художником-сюрреалистом, самым известным за использование бытовых предметов, чтобы передать своё витиеватое восприятие повседневного мира. Он также был известен тем, что создавал произведения, заставляющие зрителя мыслить, поощряя его к отрыву от предвзятых представлений о реальности.

Одной из его знаменитых работ, соблюдающих этот принцип, является “Вероломство образов” (928-1929), которое представляет собой курительную трубку с надписью “Ceci n’est pas une pipe” (Это не трубка). И это действительно не трубка просто потому, что это лишь её образ. Эта техника и стиль изменения того, что мы знаем как реальность, были общими для всех его работ и идей.

«Последний день Помпеи» Брюллова (1833 г.)

Карл Брюллов. Последний день Помпеи. 1833 г. Государственный Русский музей.

Без преувеличения мы знаем о трагедии Помпей в первую очередь благодаря Карлу Брюллову (1799—1852). Когда-то он произвёл фурор и в Италии, и в России своим шедевром. И все потому, что он нашёл удивительный баланс между правдой и вымыслом.

Брюллов изобразил настоящую улицу. И даже часть героев — это реальные люди. Их останки Брюллов видел при раскопках.

Но художник показал эту катастрофу безумно … красивой. Коей она, конечно, не была в реальности.

Получается, что зритель сочувствует этим людям. Но не ужасается страшным подробностям. Несчастные Брюллова божественно прекрасны даже за мгновение до смерти.

«Последний день Помпеи» никто не смог превзойти по популярности у современников. Художника носили на руках: ведь он разделил историю русской живописи на «до и после». С тех пор, с 1833 года, о русском искусстве заговорил весь мир.

О картине читайте в статье «Последний день Помпеи: почему это шедевр»