Третьяковская галерея: древнерусская живопись
Надо сказать, Третьяковская галерея обладает уникальной коллекцией древнерусской живописи, которая занимает последние несколько залов Третьяковки. Скажу честно, я не являюсь особым ценителем древнерусского искусства, но о двух иконописцах в своей статье все же расскажу.
Феофан Грек (1340-1410) — зал №59
Феофан Грек родился примерно в 1340 году в Византии, собственно поэтому и получил свое прозвище Грек. В Россию он приехал в 1370 году и долгое время жил в Новгороде, где занимался росписью церквей. Одна из таких церквей — это церковь Спаса Преображения на Ильине улице. Там до сих пор сохранились фрески этого мастера.
Где-то примерно в 1390-е годы Феофан Грек приезжает в Москву, в которой занимается оформлением храмов, а также росписью икон, книжной графикой. Одной из икон, приписываемых кисти этого мастера, является Донская икона Божией Матери. Очень трогательное изображение матери и дитя, абсолютное воплощение любви и милосердия.
Точная дата смерти иконописца неизвестна. Умер он примерно около 1410 года.
Донская икона Божией Матери. Феофан Грек
Андрей Рублев (1360-1428) — зал №60
Из-за давности лет сведений о русском иконописце Андрее Рублеве очень мало. Впрочем, также как и о предыдущем живописце Феофане Греке. Родился Рублев предположительно в 1360 году где-то в Московском княжестве.
Первое письменное упоминание о нем в летописи появилось в 1405 году, когда он вместе с Греком расписывал Благовещенский собор в Московском Кремле. В этом же году по некоторым источникам он принял монашеский постриг в Андрониковом монастыре. Там же в монастыре он в 1428 году и скончался от разразившейся в то время в Москве чумы.
Главным шедевром Андрея Рублева считается икона «Троица», точная дата создания ее неизвестна. В основу иконы положен библейский сюжет. На ней изображены за столом три ангела, пришедшие в дом Авраама. За трапезой ангелы предсказывают Аврааму рождение сына Исаака, от которого пойдет «народ великий и сильный».
Глядя на икону, надо отметить, что и много веков назад наш народ мог очень достойно рисовать.
Троица. Андрей Рублев
Ну вот, наша экскурсия и закончилась. Хотя все картины остались позади, но их образы, конечно же, остались в нашей памяти. Думаю, что Третьяковская галерея еще не раз порадует нас своими выставками и встречами с новыми, возможно, еще неизвестными нам художниками.
Кстати, русская живопись представлена не только в здании в Лаврушинском переулке. Новая Третьяковская галерея находится по адресу: Москва, Крымский вал, 10. Здесь можно познакомиться с современной русской живописью XX — начала XXI веков.
Кроме этого Третьяковская галерея обладает еще рядом других зданий. Из них хотелось бы особо выделить музей Васнецова, в котором творчество этого художника представлено более широко, чем в Третьяковке.
В общем, друзья мои, вперед, Третьяковская галерея вас с нетерпением ждет!
«Композиция VII», Василий Васильевич Кандинский, 1913 год
«Композиция VII», Василий Васильевич Кандинский, 1913 г.
Кто такой Василий Кандинский?
Василий Кандинский – один из праотцов абстракционизма. Он считал, что предметность мешает восприятию искусства, инструмент воздействия на душу у Кандинского – цвет. Василий был первым из художников-абстракционистов, кто теоретически объяснил, почему живопись существует за гранью фигуративности. Кандинский был синестетиком – «слышал цвета» и «видел звуки».
Когда мальчику было 5 лет, его родители развелись, Василия воспитывала родная тетя. Интересно, что Кандинский не родился «с кистью в руках» и к живописи пришел, когда ему исполнилось 30. До этого Василий изучал право и 4 года преподавал его в Московском университете. Полотно Моне «Стог сена» и опера Вагнера навсегда изменили его взгляды. Отказавшись от продвижения по службе, Кандинский отправился в Мюнхен, чтобы учиться живописи.
Василий Кандинский и его коллеги по авангарду объединились в Мюнхене в группу – «Голубой всадник». Члены общества написали множество картин, организовывали выставки до Первой мировой войны.
«Эскиз к импровизации №8» Василия Кандинского был продан в 2012 году на аукционе за 23 миллиона долларов.
Как появилась Композиция VII?
«Композицию VII» Кандинский создал, когда обрел стиль и стал зрелым художником. Линии, пятна, цвета, подвижные формы – Кандинский использовал выдуманные сочетания, чтобы пробудить в зрителе интуицию и фантазию.
Откуда Василий Кандинский брал сюжеты? Они рождались сами, как только художник закрывал глаза. Кандинский брал карандаш, набрасывал эскиз, пока видение не исчезло. Работая красками, Василий изменял формы так, как велел внутренний голос.
«Композиция VII» родилась не за один вечер. Кандинский доводил образ до совершенного звучания через десятки набросков в карандаше и тушью, этюдов и акварелей. Когда детали и гамма стали ясны, Василий «по кусочкам» перенес сюжет на холст за несколько дней.
В каком стиле выполнена картина?
«Композиция VII» – в чистом виде абстрактное искусство. Оно ставило новую цель: образ должен проникнуть в душу смотрящего. Предметы реального мира исключены, поэтому разум человека вырывается на свободу. Не нужно анализировать – только чувствовать. Линии, пятна и цвета Кандинского, словно абстрактная мелодия, обнажают прекрасное на микроуровне, открывают поток философских мыслей.
Интересные факты
- За «Композицией VII» стоят более 30 эскизов, выполненных в различных техниках и материалах: графика, этюды маслом и акварелью. Финальная версия родилась за 4 дня в ноябре 1913 года.
- Искусствоведы считают, что в «Композиции VII» есть отсылки к библейским сюжетам. Кандинский зашифровал Великий суд, Всемирный потоп, Райский сад и Воскрешение. В картине видны ранние фигуративные сюжеты художника, связанные с концом света и потусторонними битвами добра и зла.
- У Кандинского был авторский почерк в живописи, который виден в «Композиции VII». Художник наносил масло структурными мазками, они располагались в столбик либо зигзагообразно. Кудрявые мазки получались, когда Кандинский переносил тягучую краску торцом кисти.
«Царевна-Лебедь», Михаил Врубель, 1900 год
«Царевна-Лебедь», Михаил Врубель, 1900 г.
Кто такой Михаил Врубель?
Врубель был художником по призванию, а не по образованию. Закончив юридический, он был пижоном и душой компании. Пока не осознал свое предназначение – он рожден писать картины. Академию художеств Михаил так и не окончил, в 30 лет у него не было достижений в искусстве. Но юноша предчувствовал, что он на верном пути. Врубель резко переменился: глянец сменил на засаленный костюм, а вместо общения рисовал по 14 часов. Друзья его не узнавали.
В 1885 году, когда Михаил Врубель был неизвестным студентом, он написал «Сошествие Святого Духа». Взяв за эталон живопись Древней Руси и Византии, молодой художник не хотел вносить ничего нового. Но авторский почерк скрыть не удалось — Мария и апостолы Врубеля трепетные и нежные, какими их никто не изображал ранее.
Этот эпизод из жизни — пророчество. Врубель написал первую значимую картину в лечебнице для душевнобольных. Туда же он вернулся и в конце жизни. Михаил страдал от депрессий, безумия и связи с «иными мирами». Врубель считал, что дьявол искажал его картины за то, что художник был не достоин изображать Христа. Громкие работы Михаила посвящены Демону – бесполому, страдающему духу, наделенному властью на земле.
Техника Михаила Врубеля загадочна и уникальна. Некоторые критики говорят, что подобных авторов в русском искусстве не было до, и не будет после. Он жил в недоступном для обычных людей мире. Михаил писал героев из фольклора – «Морскую царевну», «Тридцать три богатыря», «Царевну-Лебедь». Они знакомы даже детям, но в картинах образы приобретают мистическую глубину и тайну.
Последняя работа Михаила Врубеля — «Портрет В.Я. Брюсова». После написания картины, художник ослеп и скончался в психиатрической клинике.
Как появилась «Царевна-Лебедь»?
Врубель несколько раз хотел жениться, но так и не сделал этого. Всё изменила встреча с оперной певицей Надеждой Забелой. Женщина стала ангелом-хранителем и музой Михаила. Историки считают, что на картине «Царевна-Лебедь» изображена именно она.
Да, оперная певица и женщина на картине не очень-то похожи, но художник и не стремился написать портрет. «Царевна-Лебедь» — это картина-впечатление, навеянная тем, как Забела исполнила партию в опере «Сказки о царе Салтане».
В каком стиле выполнена картина?
«Царевна-Лебедь» — пример русского символизма. Образ из сказки, окутанный мистикой и переживаниями — это душевное переживание художника, а не классический портрет.
Интересные факты
- «Царевна-Лебедь» — любимая картина поэта Блока. Он даже повесил репродукцию в кабинете.
- Помните «Девочку с персиками» Серова? Врубель делал предложение Вере Мамонтовой, но та отказала художнику.
- Критики считают, что «Царевна» похожа не на Забелу, а на бывшую возлюбленную Врубеля – Эмилию Прахову. Первая муза была женой руководителя Михаила, из-за которой он резал себя ножом – они не могли быть вместе. Может некоторые черты художник и перенес из прошлого, но с Надеждой он был по-настоящему счастлив в любви.
«Купание красного коня», Кузьма Петров-Водкин, 1912 год
«Купание красного коня», Кузьма Петров-Водкин, 1912 г.
Кто такой Петров-Водкин?
Кузьма родился в 1878 году в семье горничной и сапожника. Первую картину мальчик нарисовал на консервной банке: сверкающие молнии, лодка и тонущие люди. Художник подписал работу: «Погибший за других. Вечная тебе память!».
Сначала Петров-Водкин хотел создавать иконы и в детстве изучал технику церковных мастеров. Но художнику не было суждено стать иконописцем: батюшки отказывались освящать его работы, потому что те были «слишком живописны». Один монах даже сказал, что изображённая Дева Мария похожа на плясунью. Тогда Петров-Водкин оставил иконопись и принял решение быть художником.
Как появилось «Купание красного коня»?
До Революции и Первой мировой войны «Купание красного коня» считали бытовым сюжетом. Когда в России начались кровопролития, народ и Петров-Водкин осознали: «Красный конь» – это пророчество, а тот, кто его написал – провидец. Как появился конь, как его понимать?
Летом 1912 года Петров-Водкин заметил лошадь с красивой мордой. Несмотря на то, что животное было старым и измученным, оно вдохновило художника на создание картины. Изначально было придумано несколько вариантов композиции — Кузьма упорно стремился детально проработать сюжет и наделить полотно смыслом.
Критики спорили, кого Петров-Водкин изобразил на коне. Из писем художника можно предположить, что это его двоюродный брат. Другие утверждают, что герой не похож на брата Кузьмы, и на картине мы видим собирательный образ.
На первой выставке в 1912 году публика хвалила картину — это был триумф! Полотно разместили над дверью словно знамя — критики утверждали, что оно сплотило всех. Новое начинание, очищение и победы — вот что увидели зрители в картине.
В каком стиле выполнена картина?
«Купание красного коня» — яркий пример символизма в живописи. Художники, работающие в этом направлении, брали за основу объекты реального мира, наделяя их тайным смыслом. В образе, цвете и форме изображенного скрыты библейские сюжеты, легенды, мифы, древние писания.
Интересные факты
- Всадника сравнивают с Георгием Победоносцем, знаменующим триумф добра над злом. Наездник не похож на жителя деревни: у него тонкие черты то ли святого, то ли представителя богемы.
- Красный конь — символ необузданности и величия жизни. Петров-Водкин объединил традиционный цвет иконописи и любимый образ фольклора.
- Розовый берег ассоциируют с райским садом.
- Водоем – это не географический объект. Петров-Водкин написал эфемерное пространство, где встречаются земная жизнь и высшие миры. Художник смешал символичные цвета: зеленый — цвет жизни, синий — образ небесного царства.
«Ашрам», Рерих Николай Константинович, 1931 год
«Ашрам», Рерих Николай Константинович, 1931 г.
Кто такой Рерих Николай?
В Рерихе ужились несколько личностей – художник, дизайнер, археолог, историк и юрист. Множество талантов и склонностей вызвали муки в выборе профессии: Николай учился сразу на историческом и юридическом факультетах. В студенчестве у него было шутливое прозвище – «белоснежка», потому что Рерих густо краснел, когда слышал ругательства. Позже юрист и художник Рерих создал пакт – первый документ, который защищал культурное наследие.
Николай Рерих был бережливый аскет, он объездил десятки стран с одним несессером и единственным фраком для важных встреч. Увлечение археологией видно в картинах. Рерих лично проводил раскопки, рисовал древние породы, записывал народные легенды. Стиль Николая в живописи публика оценила сразу – его дипломную работу «Гонец. Восстал род на род» купил Третьяков.
Рерих исполнил мечту жизни: путешествовал по диким регионам Центральной Азии по пути Индия — Китай — Алтай — Монголия — Тибет — Индия. Там Рерих написал множество полотен. Он собрал уникальный материал для науки и основал в Индии высокогорный Институт «Урусвати».
Художник и исследователь космический эволюции, Рерих предвидел многое. Ищите ответы в его полотнах, книгах, театральных постановках.
Как появилась картина «Ашрам»?
Рерих написал «Ашрам», когда путешествовал по Азии. У полотна есть одноименные картины-собратья, которые разбросаны по России. Что художник имел в виду, когда придумывал название?
В Древней Индии, Ашрам – место для уединения и молитвы мудрецов. Путь туда знают немногие – оно спрятано от цивилизации в ущелье или в лесу. В «Ашраме» Рерих позволяет зрителю увидеть священное место словно из-за кулис. Спокойная гладь воды и лодка надежно спрятаны за величавыми бамбуками, они скрывают Царство духа. Путешествие к Истине и тайне веков начинается отсюда.
В каком стиле выполнена картина?
Произведения Рериха, в том числе «Ашрам» – это модерн. Легко догадаться, что стиль означает новый взгляд на живопись. Не путайте модерн с созвучным словом «модернизм» – сюда входит авангард и экспериментальные техники в искусстве. Художники-модернисты основывались на традициях прошлого, брали оттуда эталоны Красоты. Черты русского модерна – декоративность, космическое видение, достижения науки и техники.
Интересные факты
- На полотне изображен пейзаж Цейлона. Удивительно, что Рерих написал виды Шри Ланки, но исторических записей, что он останавливался на острове, нет.
- Другие полотна серии «Ашрам» находятся в Музее Рериха в Нью-Йорке и в Государственном Музее искусства народов Востока в Москве.
- Рерих редко писал маслом, оно казалось художнику слишком плотным и темным. Он любил легкую темперу немецкой марки «Вурма». Воздушная краска быстро сохла, что помогало путешествовать с работами.
Кузнецов Павел Варфоломеевич, «Вечер в степи», 1912 год
Кузнецов Павел Варфоломеевич, «Вечер в степи», 1912 г.
Кто такой Павел Кузнецов?
Кузнецов – художник из Саратова. Он родился и рос в творческой обстановке, в семье иконописца. С детства занимался в студии живописи, где на творческую молодежь влияли талантливые наставники. Значимым учителем для Кузнецова был Борисов-Мусатов; его работы также есть в Третьяковской галерее.
Павел Кузнецов сотрудничал с Петровым-Водкиным, их совместный проект – роспись в церкви Казанский Божьей Матери в Саратове. К сожалению, труды быстро уничтожили – они были далеки от канонов церкви.
В 1907 году Кузнецов, Сарьян, Уткин и другие живописцы, товарищи Борисова-Мусатова, объединились под названием «Голубая роза». Общество вошло в историю русской живописи, оно было уникальным. Художники писали в стиле символизм, часто в голубых тонах. Образы были романтичные, легкие и мистические. Но, чем старше становился Кузнецов, тем чаще он писал в стиле модерн.
Кузнецов был признан при жизни. Его работы выставляли и покупали не только в России, но и в Париже. Кузнецов с 1906 до конца жизни был участником Осеннего Салона.
Как появилась картина «Вечер в степи»?
В 1912 Павел Кузнецов около года путешествовал по Центральной Азии. Он знакомился с традициями восточных народов и наблюдал за кочевниками. Кузнецов понял: простая и слегка дикая жизнь в степи скрывает Космическую тайну и покой. Сюжет для полотна родился сам собой.
Кузнецов берет холст, любимую темперу и кисти, продумывает гамму. Решено – основным цветом должен стать небесно-голубой и его оттенки. Цвет чистого степного воздуха, покоя и баланса. Яркий оранжевый – гармоничный контраст к прозрачному голубому; именно такого оттенка жаркий закат в степи.
Темперная живопись Кузнецова, в отличие от масляной, – легкая, воздушная. Цвет и композиция задают настроение «Вечера в степи», а не структура мазков. В композиции художник использует плавные линии и изгибы
Павел Кузнецов уделяет внимание ритму – спины овец повторяют созвучные голубые холмы. Работы Павла Кузнецова из киргизской серии напоминают сказку об идеальной жизни на земле, в которую зритель верит
И даже смотрит на картину украдкой, словно «со стороны», чтобы не нарушить покой ее жителей.
В каком стиле выполнена картина?
В Азии Павел Кузнецов написал серию работ, которую относят к направлению ориентализм. «Вечер в степи» открывает бытовые сюжеты из жизни Киргизии через призму восприятия художника. Живописцы-ориенталисты писали выдуманные или реальные сцены о Востоке – каким он был или хотел им казаться. Также «Вечер в степи» – это пример русского модерна. Картину относят к этому стилю за плавные, природные линии, текучие формы и выраженный ритм в композиции.
Интересные факты
- Кузнецов выбрал для полотна технику темперы, чтоб добиться матового света. Он считал, что в работе не может быть лишнего масляного блеска и структуры. Оранжевый контраст напоминает огненный закат в горах Кавказа.
- Павел Кузнецов наблюдал за натурой, но никогда не переносил ее «дословно» в работы. Художник исключил из сюжета этнические детали – он смело обобщает. Зачем? Чтобы, подобно Гогену, через сцены из жизни говорить в законах Космоса.
- Чтобы понять тайну рождения, Кузнецов временно работал акушером. Художник считал, что оттенки голубого точнее всего отражает духовную сторону загадочного процесса появления на земле.
Виртуальное путешествие по Третьяковской галерее закончилось. Здорово, что вы остались с нами до конца, и вам было интересно. Значит инвестиции Павла Третьякова окупились сполна. А вы легко поддержите разговор о прекрасном с бокалом просекко, устроите экскурсию для друзей или блеснете знаниями на тесте по искусству.
На Losko вышла увлекательная биография Рема Колхаса – архитектора, который планирует реконструкцию Новой Третьяковки, получится самое масштабное музейно-выставочное пространство в Москве. Если вам по душе подборки, почитайте про известные работы в стиле сюрреализм и про 5 шедевров мировой живописи.
