Как был создан логотип apple: от ньютона до яблока

Чем болела Джоконда?

Сразу после того, как Котте опубликовал результаты своей работы, вышла статья бельгийских ревматологов и эндокринологов, которые рассмотрели во внутреннем уголке глаза у левого верхнего века Мона Лизы плоское желтоватое пятно, представляющее собой локальное подкожное отложение жиров, которое возникает из-за того, что в организме нарушается их обмен.

Ученые долго изучали картину и заметили на правой руке женщины выпуклость, напоминающую липому (по-простому жировик). Это доброкачественное образование.

По результатам этих наблюдений медики предположили, что Джоконда страдала тяжелым нарушением обмена жиров – гиперхолистеринемией, при которой в крови сильно повышаются уровни холестерина, а это, в свою очередь, приводит к многочисленным жировым отложениям, в том числе и в сосудах.  Но эту идею обычно отметают, так как Лиза Герардини умерла в старости, а не от инфаркта миокарда, который обычно развивается на фоне такого заболевания.

Американский оториноларинголог Кристофер Адур считал, что загадочная улыбка – не что иное как результат паралича Белла – паралича лицевого нерва, от чего развилась контрактура (спазм) мышц лица.

Искусствовед-стоматолог Джозеф Борковский высказал мысль, что улыбка Джоконды — следствие того, что у нее не хватает 4-8 передних зубов. Однако, критиков этой работы оказалось в разы больше, чем согласных.

Якобы непропорциональность пальцев и будто гримаса на одной стороне лица для некоторых врачей служили поводом «наградить» Джоконду диагнозом идиотии, поговаривали и о косоглазии из-за небольшой расфокусировки взора.

Вачи из Медицинской школы Гарварда и Университета Калифорнии в Санта-Барбаре решили поставить точку в череде этих диагнозов. Они «поставили» героине  гипотиреоз – заболевание, которое обусловлено недостатком в организме гормонов щитовидной железы (развивается, когда в рационе не хватает йода). Ученые предположили, что в пользу этого говорит желтоватый цвет лица, сдвинутая назад линия роста волос, одутловатое лицо, характерное для патологии, и отсутствие бровей.

В качестве других доказательств исследователи приводят чуть заметное увеличение охвата шеи в области самой щитовидной железы (зоб), что при гипотиреозе тоже бывает, поскольку ткани в условиях йододефицита разрастаются, пытаясь захватить из крови те крохи, которые в ней все-таки оказываются. Плюс к этому, если все-таки придерживаться лидирующего мнения о том, что изображена на полотне изображена именно Лиза Герардини, известно, что купец заказал портрет беременной жены в честь будущего рождения их сына. А беременные гораздо более чувствительны к нехватке йода, поэтому и гипотиреоз развивается у них чаще.

В эту теорию отлично вписываются нарушения обмена жиров и наблюдаемые у женщины ксантелазма и липома, которые тоже часто встречаются при этом заболевании. А слабая улыбка – признак мышечной слабости.

Но вполне возможно, что Мона Лиза ничем не болела. Может всему виной выцветшие краски и мода на отсутствие бровей.

По материалам med-history

История развития стиля американской рекламной графики

Почему именно американской? Да потому что, работы именно американских графических дизайнеров перевернули представление людей о рекламе, не говоря уже о том, что они были новаторами на стезе рекламной индустрии во всем мире. И именно их творения определили новую на то время (время становления печатной рекламы) мировую школу дизайна. А середину 20-го века можно считать «золотым десятилетием» американской рекламной графики.

Но сначала немного истории. В начале 19 века в США стала популярной торговля патентованными лекарствами и их этикетки, призывающие купить чудодейственное средство и избавиться от той или иной болезни стали прообразами рекламы. Дальше – больше, впервые, на концерте шведской певицы Дженни Линд была использована реклама, напечатанная на обратной стороне билетов, и это имело такой успех, что даже прославило саму певицу. После гражданской войны между Севером и Югом стал расти и товарооборот, а следовательно, и конкуренция, что повлекло за собой популяризацию рекламной продукции.

Одной из первых реклам, имевших широкий маркетинговый успех, была реклама овсяных хлопьев Quaker Oat, которая должна была сломить представление покупателей о том, что овсянка – это пища для больных. И заставить поверить, что это продукт для людей, следящих за своим здоровьем.

Посмотрите сколько на первой рекламе текста. Тогда еще люди только начинали учиться создавать яркие графические образы, говорящие без слов.

Рекламой, в которой средством убеждения уже послужил графический образ и краткий слоган, призывающий «Пить Кока-Колу, прекрасную и освежающую!», была реклама, естественно Кока-Колы.

В результате роста рыночной экономики росла и отрасль рекламной индустрии

Она меняла стили и направления, шагая в ногу со временем, но всегда ее задача оставалась прежней – привлечь внимание покупателей, повысить рост продаж, увеличить доходы и тем самым увеличить заказы на производство рекламной продукции. Этакий «круговорот рекламы» в промышленности

Для дизайнеров, да и просто для внимательных и неравнодушный ко всему прекрасному, людей, не секрет, что и мода, и дизайн развиваются по спирали. Так что, мы смело можем вдохновляться работами дизайнеров давно ушедших эпох, чтобы увидеть их снова в будущем.

В 1920-х годах американская реклама была традиционна – иллюстрация, массивный заголовок и много текста, описывающего преимущества товара, напоминающая стиль модерн.

В 30-е годы в графической рекламе стал популярным стиль арт-деко, который сочетал в себе достижения функционализма и графические или текстовые выдержки, соответствующие другим культурам и эпохам.

P.S. Все рассмотренные выше изображения с примерами рекламной графики до 50-х годов распространяются по лицензии CC2

В 50-е года американская рекламная графика достигла своего рассвета. После второй мировой войны, людям нужно было спокойствие и простота, на первое место вышли семейные ценности, и это нашло свое отражение в рекламной печатной продукции.

Изображение распространяется по лицензии CC2

В 50-е годы США пытаются диктовать всему миру свои ценности и приоритеты, популярными становятся американские товары и соответственно американская реклама. Ну мы-то с вами знаем, что нашей стране тогда не до этого было – нам нужно было подниматься из руин разрушительной войны, поэтому наши плакаты и рекламная продукция были направлены на призыв и массовое воодушевление идеологическими ценностями, что выразилось в понятии Русский Конструктивизм.

Яндекс. От экрана до пакета с продуктами

Изображение: Яндекс
Фото: Яндекс

31 марта на главной странице Яндекса появился новый логотип, написанный обновлённым, более жирным шрифтом. Тогда же компания обрела новый знак ― букву «Я» в красном круге.

Новая айдентика отражает суть современного Яндекса и хорошо выглядит на самых разных поверхностях — от экрана смартфона до пакета с продуктами из «Лавки».

Геннадий Лохтин, дизайн-директор «Поиска» в Яндексе

Предыдущий логотип разработали почти 13 лет назад, когда никто не думал, что интернет-компания может заниматься доставкой продуктов или обработкой платежей.

Обновлённый фирменный стиль создали дизайнеры Яндекса вместе с Ильёй Рудерманом ― сооснователем компании Type.today.

О шрифте и бренде:

Всё больше и чаще Яндекс разговаривает с нами шрифтом Yandex Sans. Крупные заголовки, простая и чистая типографика, открытый гротеск — графика Яндекса всё больше и больше стала привязываться по стилю именно к шрифту, шрифт стал стилеобразующим и, по сути, основным графическим приёмом.

Когда-то давно айдентике было безопаснее, полезнее работать на контрасте, отличаться от сообщений продуктов и сервисов, стоять как бы «над» конкретным заголовком. Но времена поменялись. Сейчас любое сообщение воспринимается как прямая коммуникация всего бренда. Бренд Яндекса растворился внутри каждого сервиса, и настало время гармонии. Гармонии между Yandex Sans и логотипом.

О новой букве Я:

Коктейль из 10% ар-нувошности, 10% селф-мейд-мешочного трафарета, 40% яндекс-сановости, 40% футуристичной технологичности а-ля „СпейсИкс“».

Илья Рудерман, сооснователь компании Type.today

Возрождение модерна

Переосмысление модерна началось спустя полстолетия. Благодаря большой исторической дистанции появилась возможность взглянуть на модерн свежим взглядом. На плакаты 1960-х возвращаются образы с афиш и из журналов начала века.

Постер, Элтон Келли. Изображение: Стэнли Маус / Элтон Келли / Культурный центр Банка Бразилии / Google Art & Culture
Постер, Бонни Маклин. Изображение: Wikimedia Commons
Постер, Джим Блэшфилд. Изображение: Wolfgang’s

Музыканты, конкурируя за внимание слушателя, используют эксцентричные формы, шрифты, узоры, женские образы. Психоделическая культура хиппи переосмысляет модерн ― главное отличие нового «модерна» от образцов прошлого в использовании насыщенных, контрастных цветов и образов, соответствующих духу нового времени

Правила жизни Дэвида Хокни

Нужно уметь смотреть и видеть мир вокруг себя

Я всегда любил наблюдать. Когда мне было восемь лет и мне уже позволяли ездить на автобусе одному, я всегда сразу бежал на второй этаж и садился на переднее сиденье, с которого было видно лучше всего.

Нельзя быть жадными до денег, нужно быть жадными до жизни

Я могу испытывать восторг, просто наблюдая как капли дождя ударяют по луже. Сейчас я признаю, что мало кто найдет это зрелище таким же захватывающим. Но я найду. И я хочу, чтобы моя жизнь была волнующей и богатой. Я делаю все возможное, что она такой и была.

Границы существуют только у нас в голове

Пока вы можете представить, что вы способны на что-то, если вы верите в это на все сто процентов, то для вас действительно нет ничего невозможного. 

Кто угодно может научиться рисовать

Никто не сможет стать новым Пикассо или Матиссом. Но любой человек способен неплохо рисовать. Обучение живописи — это обучение искусству видеть. Но большинство людей даже не пытается предпринять усилия, чтобы научиться. 

Защищайте свою личную свободу и боритесь с глупыми запретами

Курение успокаивает. Табак — это самый великий подарок, который сделала Америка этому миру. Политики не должны за нас решать, какие вещи в этой жизни приносят удовольствие. Противники сигарет должны смириться с тем фактом, что я все еще жив и полон энергии. Мои коллеги, Пикассо, Монэ, Ренуар, все курили и при этом дожили до старых лет. А мои друзья умерли от алкоголя. 

«Портрет четы Арнольфини» – кладезь скрытых символов

Картина Яна ван Эйка «Портрет четы Арнольфини» чуть ли не самое обсуждаемое полотно эпохи раннего Возрождения. В ней зашифровано огромное количество скрытых символов, которые раскрывают настоящий сюжет. Споры о том, кто же на самом деле на ней изображен, не утихают до сих пор. Считается, что это портрет купца Джованни ди Николао Арнольфини и его жены Джованна Ченами, но архивы говорят, что поженились они после того, как картина была готова. Некоторые искусствоведы считают, что это мог быть тот же купец, но с бывшей женой или вовсе его двоюродный брат. На картине изображена церемония бракосочетания.

«Портрет четы Арнольфини» Ян ван Эйк

Во-первых, неясно, беременна ли женщина. При первом взгляде зритель скажет – очевидно же, что да! Но историки моды объясняют, что в XV веке все наряды женщин шились именно в таком стиле, а героиня картины к тому же держит длинный подол своего платья.

Во-вторых, Арнольфини держит жену левой рукой, что означает «брак левой руки» – союз между людьми из разных социальных кругов. Интерьер комнаты также скрывает в себе много символов – апельсины демонстрируют благосостояние и райское блаженство, собака – верность, четки – благочестие.

Отдельное внимание уделяется зеркалу. Раму украшают десять медальонов с изображением Страстей Христовых

Через сцены Страстей отображался символический брак Христа с Церковью, соответственно, проводилась параллель с христианским браком. Эксперты обращают внимание на одну деталь – со стороны мужчины изображены эпизоды Страстей до смерти Христа, а со стороны женщины – после. Это объясняется тем, что портрет женщины посмертный, либо она умерла во время работы над картиной. О смерти невесты говорит и другой символ – люстра. В ней горит свеча только над мужчиной.

Расположение фигур говорит о роли супругов – женщина стоит около постели в глубине комнаты, тем самым символизируя роль хранительницы очага. Мужчина стоит около открытого окна – это означает принадлежность к внешнему миру.

«Сотворение Адама» – анатомическое искусство

Это одна из самых выдающихся композиций росписи Сикстинской капеллы, созданная Микеланджело. Будучи в основном скульптором, Микеланджело не особенно рвался рисовать фрески на потолке храма. Кроме того, известно, что Микеланджело имел очень хорошие знания в области анатомии человека, это и видно на его фреске.

«Сотворение Адама» Микеланджело Буонарроти

Первым сходство очертаний плаща, развевающегося вокруг Бога и его спутников, с контурами человеческого мозга отметил американский врач Фрэнк Линн Мешбергер. Думается, что на фреске Микеланджело воплотил в жизнь идею: творящее начало в лице Бога с ангелами – это прежде всего мыслительный центр. Четко можно проследить борозды, которые разграничивают части головного мозга. При близком рассмотрении можно обнаружить варолиев мост, гипофиз, две позвоночные артерии, среднюю лобную, угловую и надкраевую извилину. Но и это еще не все: с другой стороны было замечено, что красная ткань вокруг Бога имеет форму человеческой матки, а свисающий зеленый шарф может быть недавно разрезанной пуповиной.

«Это интересная гипотеза, которая представляет сцену Творения как идеализированное представление физического рождения человека. Она объясняет пупок, который появляется на Адаме, что сначала сбивает с толку, потому что он был создан, а не рожден женщиной», – писал эксперт искусства Энрико Брускини.

Есть много доказательств того, что Микеланджело радикально не соглашался со многими католическими традициями. Некоторые считают, что для того, чтобы унизить Папу Юлия II и католическую церковь, художник изобразил дополнительное скрытое ребро на теле Адама – ребро Евы. Это говорит о сотворении Адама и Евы бок о бок, что отличается от католической традиции. Согласно ей, Ева была создана после Адама.

Джоконда – женщина легкого поведения?

«Мона Лиза» Леонардо да Винчи

Считается, что на картине изображена Лиза Герардини – супруга флорентийского торговца шелком Франческо дель Джокондо. Однако полотно не раз подвергалось анализу, исследованиям и даже конспирологическим теориям. Так, некоторые предполагают, что на знаменитой картине изображена женщина легкого поведения, мол, в XVI веке в Италии без бровей и ресниц ходили именно дамы этой профессий. Правда, есть теория, что изначально Мона Лиза была обладательницей густых бровей, которые исчезли после неудачной попытки реставрации. Но и это еще не все. Есть исследователи, которые считают, что на картине художник изобразил своего любовника по прозвищу Салаи (Дьяволенок) или даже самого себя – как бы он выглядел, если бы был женщиной. До сих пор остается непонятным, почему Леонардо да Винчи после того, как закончил картину, не передал ее заказчику, а бережно хранил у себя до конца жизни.

«Иоанн Креститель» Леонардо да Винчи

*картина Леонардо да Винчи «Иоанн Креститель», моделью для которой был Салаи. Возможный гомоэротизм этого произведения был предметом рассмотрения искусствоведов, а на эскизе картины ясно виден эрегированный пенис.

Но больше всего людей занимает улыбка Моны Лизы, говорят, чтобы на устах модели постоянно играла улыбка, художник на протяжении четырех лет (именно столько он потратил на свою работу) приглашал шутов и музыкантов. Считается, что Джоконда улыбается вполне нормальной улыбкой, однако при более долгом просмотре картины кажется, что улыбка становится язвительной, насмешливой или печальной.

«Мона Лиза» Леонардо да Винчи

Существует несколько теорий, объясняющих эту загадку:

Чужая улыбка. Говорят, что это улыбка самого художника или его любовника Салаи. Как будто в этих хитрых, приподнятых уголках губ скрывается вся тайна взаимоотношений да Винчи с его учеником.

В глазах смотрящего. Все зависит от того, в каком настроении пребывает зритель, считают американские ученые Кристофер Тайлер и Леонид Концевич. Улыбка Джоконды в целом нейтральна, все дело в психологии нашего восприятия. Поэтому в плохом настроении в Лувр лучше не ходить.

Потрепало время. Фотоэксперт Жак Фрэнк утверждает, что изначально у женщины была на 100% жизнерадостная и счастливая улыбка, опечалило ее время, вместе с которым лицо Моны Лизы трансформировалось и изменило свои черты.

Смотрите не туда. Доктор Ливингстон из Гарварда считает, что да Винчи писал рот Джоконды, глядя ей в глаза. Таким образом, все дело в нашем визуальном восприятии. То, что попадает в центральную область, мы видим четко, то, что в периферическую – размыто. Поэтому, глядя в глаза Моны Лизы, мы видим тени на щеках, говорящие об улыбке. Когда же переводим взгляд на рот – тени пропадают.

Проблемы со здоровьем. Доктор Мандип Мехра считает, что ухмылка женщины вызвана недостаточной активностью щитовидной железы. Британский искусствовед Джонатан Джонс считает, что у Джоконды был сифилис (якобы по свидетельствам, сохранившимся в бухгалтерских книгах флорентийского монастыря, женщина покупала в местной аптеке acqua di chiocciole – воду улиток, которую в то время использовали для лечения сифилиса). До этого врачи предполагали, что у героини портрета паралич лица, болезнь Паркинсона – потому что правая рука подозрительно прижимает левую, будто она пытается сдержать неконтролируемое движение, глухота и даже синдром Дауна, что мешало ей полноценно улыбаться.

Модерн в Европе

4 января 1895 года на улицах Парижа появились афиши премьеры театральной постановки «Жисмонда», сделанные художником Альфонсом Мухой. Некоторые из этих плакатов висели недолго ― их забирали с собою впечатлённые горожане. Модерн перестал быть привилегированным стилем ― создаются такие предметы обихода, как вазы, гребни, броши, заколки и флаконы духов. Они доступны уже не только самым обеспеченным слоям населения, модерн начинает окружать людей повсюду.

Афиша для премьеры постановки «Жисмонда», Альфонс Муха. Изображение: Wikimedia Commons
Гребень, Рене Лалик. Фотография: Музей прикладного искусства и ремёсел в Гамбурге
Брошь, Рене Лалик. Фотография: Public domain
Заколка, Рене Лалик. Фотография: Collector Weekly
Флаконы духов, Рене Лалик. Фотография: сайт Lalique

Югендстиль

Модерн в графике стал набирать всё большую популярность, важнейшую роль в его распространении сыграли журналы. Их новый стиль сразу заинтересовал читателей и привлёк дизайнеров. Одним из самых популярных журналов в новом стиле стал «Югенд», издававшийся в Мюнхене с 1896 года. Благодаря его названию немецкий модерн стали называть югендстилем. Это же название стало использоваться в странах Балтии и Скандинавии.

Обложка журнала «Югенд», 1896 г. Изображение: Wikimedia Commons
Журнал «Югенд», 1897 г. Изображение: Wikimedia Commons
Обложка журнала The Studio, 1893 г., иллюстрация Обри Бёрдсли. Изображение: Wikimedia Commons

От франко-бельгийского модерна югендстиль отличался более сдержанным характером в графике, брутальностью форм и материалов в промышленном дизайне и архитектуре.

Национальный романтизм

Одновременно с расцветом югендстиля в Германии в Северной Европе, в частности в Финляндии и Норвегии, где шло становление политической независимости, появляется собственное направление модерна ― национальный романтизм. На него художников вдохновили фольклор, сказания и народное творчество этих стран. В Норвегии ярчайшим его представителем был художник Ханс Даль, а в Финляндии ― Аксели Галлен-Каллела.

«Принцесса Лебедь», Йон Бауэр. Изображение: Wikimedia Commons
«Гигантская щука», Аксели Галлен-Каллела. Изображение: Wikimedia Commons

Не обошел национальный романтизм стороной и Россию. Русский фольклор и сказки вдохновляли художественные объединения в Талашкино и Абрамцево, где на рубеже XIX–XX веков работали знаменитые русские художники, а на деньги меценатов были созданы деревянные терема в стиле русского модерна.

В графике яркий представитель русского модерна ― Иван Билибин, чьи иллюстрации к сказкам и былинам знакомы нам с детства.

Сказочный домик «Теремок» в Талашкино. Фотография: Gorshkov Igor / Shutterstock
Иллюстрация к сказке «Василиса Прекрасная», Иван Билибин. Изображение: Wikimedia Commons

Сегодня в это сложно поверить, но один из знаковых предметов модерна в русской культуре ― матрёшка. Принято считать, что это исконно русская игрушка, но появилась она лишь в самом конце XIX века. Фигурку выточил абрамцевский токарь Василий Звёздочкин, а расписал её художник Сергей Малютин. С модерном её объединяет Восток, которым вдохновлялись модернисты в Европе, ― прототип фигурки прибыл с японского острова Хонсю. Ещё одна общая черта ― тонкие чёрные линии контуров, к которым так тяготел модерн.

Матрешки Сергея Малютина. Фотография: Wikimedia Commons

В южных странах Европы также можно найти отголоски национального романтизма и сказок. Так, например, делая проект реконструкции дома Бальо в Каталонии в 1904–1906 годах, Антонио Гауди вдохновлялся образом дракона, покрыв крышу его «чешуей».

Каса-Батльо (дом Бальо) в Барселоне, архитектор Антонио Гауди. Фотография: Wikimedia Commons

Сецессион

В Центральной Европе модерн был представлен множеством разных мастерских и течений. Большую роль в его истории занимает столица Австро-Венгерской империи ― Вена, именно здесь в 1897 году возник Венский сецессион, который основал Густав Климт.

«Сецессион» (Sezession) переводится с немецкого как «обособление» ― художники этого стиля противопоставляли себя академизму. Они подарили миру огромное количество невероятно утончённых предметов в стиле модерн ― игрушек, украшений, кружев, посуды. Также сецессионисты проектировали здания и работали с городской инфраструктурой.

Здание Сецессион в Вене, архитектор Йозеф Мария Ольбрих. Фотография: Bildagentur Zoonar GmbH / Shutterstock
«Бетховенский фриз», Густав Климт. Изображение: Wikimedia Commons
Текстиль, Йозеф Хоффманн. Изображение: Formost
Стеклянная посуда, Йозеф Хоффманн. Фотография: Wikimedia Commons

Символизм и графическое искусство в древние времена

В период 70 000 — 7000 годы до н.э. древние люди по всему миру заложили фундамент графическому искусству, нарисовав первое животное на стене пещеры. Примерно в 8000 году до н.э. в таких государствах как Ассирия, Египет, Мидии, Карфаген, Шумеры и Персия люди создавали гончарные изделия, которые несут в себе эстетический, этнический, культурный, социо-политический и, конечно же, мифологический и религиозный смысл.

Даже в те далекие первобытные времена люди и культуры представлялись и передавали свои мысли через символы и рисунки. Наиболее ярко это выражено в культуре Древнего Египта где-то в IV тысячелетии до н.э. Древние египтяне не просто разработали систему иероглифов как формальную письменность, где рисунки передавали слова или звуки, но отличились и в искусстве. На их рисунках и скульптурах можно найти символические рисунки и цветовые комбинации, которые несут в себе определенное значение.

Древние египтяне использовали систему сеток, как и дизайнеры логотипов сейчас

Между 2125 и 1991 годами до н.э. в дизайне Древнего Египта появилась сетка

Для дизайна логотипов это крайне важно, потому что сетка гарантирует соблюдение пропорций, а также одинаковое изображение одних и тех же элементов

Не говоря уже о том, что у египтян в то время и вовсе не было конкурентов в символьной письменность. В тот же период времени каллиграфическая форма письменности зародилась в древнем Китае. Это послужило основой для всех языков, развившихся впоследствии, в том числе для наименее визуальных, таких как английски.

Признание и гражданский долг

В 1918 году юноша закончил Королевскую Академию изящных искусств. Выйдя за порог «альма-матер», стал мучительно искать средства к существованию.

Пойти против своей идеи, подстроившись под вкусы публики, он не мог. Поэтому устроился в мастерскую, занимающуюся росписью обоев.

Печальнее противоречия трудно представить: художник, который более всего пытался запечатлеть мысль, был вынужден рисовать цветочки на обоях.

Но Рене продолжал писать в свободное время. Героями его картин становятся обыденные предметы. Вернее идеи, спрятанные за ними.

Существует серия картин-отрицаний, где художник нарочно рисует, например, трубку и оставляет подпись: «Это не трубка»

Привлекая тем самым внимание к тому, что находится за привычной оболочкой предмета

Рене Магритт. Вероломство образов (Это не трубка). 63,5 x 93,9 см. 1948 г. Частная коллекция. Wikiart.org.

Каждая картина Магритта – это остроумная самостоятельная история. Компоненты полотна не растекаются, не деформируются. Они реалистичны и узнаваемы.

Но в композиционной совокупности образуют какую-то совершенно новую мысль. Мастер утверждал, что в каждую его картину «зашит» особый смысл. Никакого бестолкового нагромождения.

В чем, например, смысл в дожде из людей на картине “Голконда”? Сам художник никогда не расшифровывал своих картин. Каждый сам для себя ищет скрытый подтекст.

Рене Магритт. Голконда. 100 x 81 см. 1953. Частная коллекция, Хьюстон. Artchive.ru

В 1927 году открывается первая выставка Рене, которая не имеет успеха у критиков. И чета Магриттов уезжает в Париж, столицу авангардного искусства.

После недолгого сотрудничества с кружком Бреттона, художник избирает свой путь и быстро добивается успеха.

Современники вспоминают, что Рене отличался от всех художников. У него никогда не было своей мастерской. А в доме, где Магритт жил, не было характерного для живописца беспорядка. Магритт говорил, что краска создана для того, чтобы наносить её на холст, а не размазывать по полу.

Впрочем, такими же “чистыми” и даже суховатыми были его картины. Чёткие линии, идеальные формы. Предельный реализм, переходящий в иллюзию. Как на картине “Условия человеческого существования”.

Рене Магритт. Условия человеческого существования. 1934 г. Частная коллекция. Artchive.ru

С наступлением войны, Магритт начал писать картины, не свойственные своему стилю. Периодом “Ренуара” назовут это время искусствоведы.

Рене считал, что это его гражданский долг, писать жизнеутверждающие образы, давая зрителю надежду. Голубь мира с хвостом из цветов – яркий пример «военного» искусства Магритта.

Рене Магритт. Благоприятное знамение. 1944 г. Частная коллекция. Wikiart.org

Интересные факты

  • Подражавший отцу-коммунисту Дэвид покупал в сэконд-хэнде вещи «под советского пролетария», за что в колледже получил прозвище «Борис»
  • Хокни потерял слух в силу наследственности, когда ему было всего 40 лет. У Дэвида есть несколько пар слуховых аппаратов самых ярких расцветок. 
  • В 2001 году Дэвид Хокни вместе с физиком Чарльзом М. Фалько выдвинули гипотезу. Основная идея заключалась в том, что прогресс западноевропейской реалистической живописи эпохи Возрождения вызван техническим прогрессом (появлением камеры-обскура и сферических зеркал), а не эволюцией мастерства живописцев. Гипотеза вызвала большой общественный резонанс и не была признана искусствоведами. 
  • 15 ноября 2018 года работа Хокни «Портрет художника» («Бассейн с двумя фигурами») 1972 года была продана в Christie’s за 90 миллионов долларов, став самой дорогой работой живого художника, ушедшей с аукциона.
  • Дэвид Хокни является автором шестиметрового витража Вестминстерского аббатства, эскиз которого он сделал на Ipad в 2018 году. 
  • Ассистент художника покончил с собой в студии Хокни в Бридлингтоне. Под действием наркотиков юноша выпил кислоту и умер в госпитале. Художник тяжело переживал его смерть и в течение нескольких месяцев не мог рисовать.
  • В 1990 году Хокни отказался от рыцарского титула, заявив, что он просто не хочет быть сэром Дэвидом
  • Хокни не стал писать портрет королевы, аргументировав это тем, что предпочитает рисовать исключительно тех, кого знает лично.
  • Хокни известен своими критическим высказыванием о коллеге Дэмиене Херсте. Дэвид упрекает лидера Молодых британских художников в том, что тот отдает доделывать картины своим ассистентам, что по мнению Хокни «оскорбляет искусных ремесленников».
  •  Все свои письма художник подписывает фразой «Люблю жизнь, Дэвид Хокни»

Безграмотное наследие логотипов

Переместимся немного вперед и взглянем на Европу в средние века. Именно здесь появились два визуальных языка: геральдические рисунки и символические таблички.

Гербы XV века XIX века

Геральдикой называется система, в которой общественное значение и статус представлены в виде элементов дизайна. Отдельный набор цветов и фигур означает конкретную семью знатного происхождения. Из таких наборов изобразительных элементов и составляли фамильные гербы. Знакомо?

Тем не менее, оригинальное назначение этого было несколько другим — различать дружественные войска от вражеских в военное время. Элементы дизайна вдруг стали нести конкретное значение и позволили людям определять их любимые «бренды» от всех остальных.

Тогда большинство населения, за исключением аристократии было безграмотным. Во времена Высокого средневековья, население стало расти, что результировало в увеличение численности жителей в городах. Общество стало постепенно забывать про самостоятельный аграрный строй и начало переход к более специализированному и разнообразному торговому. Народ больше не обладал достаточным количеством навыков, чтобы самостоятельно мастерить себе все, что нужно. На магазинах появились вывески, обозначающие товары, которые там продаются, парикмахерские обзавелись полосатыми столбиками, а аптеки крестами.

Знак зеленого дракона 

В 1389 году английский король Ричард II утвердил закон, по которому все заведения, изготавливающие пиво должны были вывешивать знаки под страхом изъятия их продукции. (На самом деле это была своеобразная дань безопасности, ведь пить воду в те времена было совсем небезопасно) В результате разные владельцы заведений стали добавлять свои гербы на знаки своих заведений. На знаке одного паба появился зеленый дракон, а у другого два петуха, благодаря чему им и дали названия Зеленый дракон и Два петуха. Это позволило владельцам начать формировать лояльность к своему бренду.

И хотя сами по себе рисунки эти не были настолько специфичными, насколько специфичны логотипы сегодня, очевидно, время не стоит на месте…

Рейтинг
( Пока оценок нет )
Понравилась статья? Поделиться с друзьями:
Музеи мира
Добавить комментарий

;-) :| :x :twisted: :smile: :shock: :sad: :roll: :razz: :oops: :o :mrgreen: :lol: :idea: :grin: :evil: :cry: :cool: :arrow: :???: :?: :!:

Adblock
detector