Винсент Ван Гог «Звездная ночь»
Картина «Звездная ночь» была написана Ван Гогом в период лечения в больнице города Сен-Реми. По просьбе его брата, Ван Гогу разрешали в случае улучшения состояния здоровья писать картины. Такие периоды возникали довольно часто, и за это время художник написал целый ряд картин.
«Звездная ночь» — одна из них, при этом интересно, что данная картина была создана не по памяти. В письме к брату он пишет: «Я все равно страстно нуждаюсь в религии. Именно поэтому я вышел в ночное время из дому и стал рисовать ночное небо со звездами».
Смысл «Звездной ночи» Ван Гога во многом связан с его душевно-психическим состоянием в момент написания полотна. На первый взгляд, она яркая и оптимистичная, но если рассматривать ее разбитой на отдельные части, то в каждой из них можно увидеть, как если бы больной человек пытался сохранить свой последний контакт с внешним миром.
Основными «столпами» композиции являются кажущиеся огромными кипарисы на холме (передний план), пульсирующие полумесяц и звезды «сияющего», ярко-желтого цвета. Город, лежащий в долине, может даже сначала остаться незамеченным, ведь основной упор делается на величие Вселенной. Вихрь в небе напоминает о Млечном Пути, о галактиках, о космической гармонии, выражающейся в одновременно и экстатическом, и блаженно спокойном движении всех тел в темно-синем пространстве.
На картине это одиннадцать невероятно огромных звезд и большой, но убывающий месяц, напоминающие о библейском сюжете о Христе и 12 апостолах. Часто зрителя впечатляет цветовая гамма, это уникальное сочетание глубокого темно-синего, голубого, небесного, зеленого (почти черного), коричневого и разнообразных оттенков желтого (здесь и «подсолнухи», и «масло», и «яичные желтки»).
Размер картины: 73,7 × 92,1 см.
Холст, Масло.
1889 г., Нидерланды.
Выставлена: Музей современного искусства, Нью-Йорк, США.
Казимир Малевич «Черный квадрат»
Последним шагом на пути к супрематизму была постановка оперы М. В. Матюшина «Победа над Солнцем». Малевич работал над эскизами декораций и костюмов к этой постановке. В этих эскизах впервые возникло изображение «чёрного квадрата», означавшее тогда пластическое выражение победы активного человеческого творчества над пассивной формой природы: чёрный квадрат появлялся вместо солнечного круга.
Попытки исследовать полотно на предмет нахождения иного изначального варианта под верхним слоем живописи совершались неоднократно. Осенью 2015 были опубликованы результаты исследований (методом рентгеноскопии), которые подтвердили наличие под изображением «Чёрного квадрата» двух других цветных изображений. Первоначальное изображение — это кубофутуристическая композиция, а лежащая под «Чёрным квадратом» — это протосупрематическая композиция.
Но версию, что он просто в сердцах зарисовал неудавшиеся работы черной краской, новые исследования опровергают.
«Чёрный квадрат» входит в цикл супрематических работ Казимира Малевича, в которых художник исследовал базовые возможности цвета и композиции; является, по замыслу, частью триптиха, в составе которого также присутствуют «Чёрный круг» и «Чёрный крест».
Размер картины: 79,5 × 79,5 см.
Холст, Масло.
1915 г., Россия.
Выставлена: Третьяковская галерея, Москва, Россия.
Знаменитые русские романтики
Наибольшее развитие романтизм в живописи получил в России. В XIX веке в стране царили патриотические настроения, поэтому преобладали исторические и батальные сюжеты. Но были художники, писавшие прекрасные портреты, пейзажи.
Карл Брюллов
ВсадницаКарл Брюллов
Самый яркий представитель романтизма в русской живописи XIX века. Героями его картин становятся простые люди, а не известные персонажи как было в классицизме.
Карл Брюллов прославился портретами, на которых ему удалось раскрыть характер человека, передать его переживания, радость. Он один из немногих, кому удалось объединить романтизм с основами классицизма.
Многие из его картин стали шедеврами мировой живописи — «Последний день Помпеи», «Всадница», «Итальянское утро».
Орест Кипренский
Портрет В.А. ЖуковскогоОрест Кипренский
Является одним из основоположников портрета в жанре романтизма. Его работы получили признание не только в России, но и в Европе. Творческий путь Кипренского пришелся на непростое время — войну 1812 года.
Поэтому на его картинах можно увидеть героев войны, декабристов, известных творческих личностей — «Портрет А.С. Пушкина», «Портрет В.А. Жуковского», «Бедная Лиза».
Василий Тропинин
Василию Тропинину («Кружевница», «Голова мальчика», «Старуха с курицей») в своих работах удалось показать социальные типажи того времени. Будучи сам из крепостных, художника особенно интересовали сюжеты деревенской жизни, простые люди.
В начале своего творческого пути писал картины в направлении романтизма. В поздние годы его портреты стали более реалистичными, но ему удается передать глубину характера своих героев.
Иван Айвазовский
Центральное место в творчестве И. К. Айвазовского («Девятый вал», «Всемирный потоп», «Буря») занимает стихия моря, его величие и бескрайние просторы. Еще при жизни художника его работы стали признанными шедеврами в живописи.
Айвазовскому удавалось с удивительной точностью передать красоту морских пейзажей, показать игру света на волнах. Его картины вдохновили других маринистов, но достичь такого уровня мастерства удалось немногим.
Алексей Венецианов
Один из первых русских художников, ушедших от классических канонов живописи. Его считают основоположником русской художественной школы.
Раньше живописцы подражали европейским мастерам. Центральное место в его творчестве занимала сельская жизнь, исконно русский быт («Спящий пастушок», «На пашне. Весна», «Встреча у колодца»). Позже Алексей Венецианов основал свою школу и обучал молодых художников.
Владимир Боровиковский
Еще один мастер портретной живописи в Российской империи. Картины Владимира Боровиковского («Портрет М. И. Лопухиной», «Екатерина II на прогулке в Царкосельском парке», «Портрет Е. А. Нарышкиной») привлекают ореолом загадочности и чувственности.
Художнику удавалось раскрыть глубину характера своих натурщиков. Глядя на его картины, хочется узнать тайны героев, узнать их историю.
М. Кэссетт «Портрет Александра Дж. Кэссетта с сыном Робертом Келсо Кэссеттом» (1885)
Художница пишет портрет своего брата, богатого американского бизнесмена, с сыном – своим любимым племянником. Брат Мэри мог спокойно позировать часами, но для мальчика это было мучение. На лице мальчика читается страдальческое выражение, он рос очень подвижным ребенком, его бабушка даже говорила, что Боб «вечно скачет, как блоха».
С первого взгляда на картину видно, что папа и ребенок по-настоящему близки. Художница пишет их одежду так, что кажется, будто это одно большое существо с двумя головами и парами ног. Впечатление поддерживает и жест мальчика (он закинул руку на плечи отцу), и сходство их лиц. В результате портрет сочетает идеи близости и преемственности между отцом и сыном.
Леонардо Да Винчи
Продолжительность жизни: 15 апреля 1452 г. — 2 мая 1519 г.
Национальность: итальянец
Леонардо Да Винчи
Леонардо да Винчи был идеальным человеком эпохи Возрождения, величайшим Вселенским Гением, который, помимо прочего, был художником, математиком, инженером, архитектором, ботаником, скульптором и анатомом. Однако, в течение четырех столетий после его смерти его слава, прежде всего, почивала на лаврах художника. Детальное знание анатомии, света, ботаники и геологии помогло ему создать некоторые из самых известных шедевров в истории. Да Винчи известен тем, что запечатлевает тонкие выражения, благодаря которым его картины выглядят более живыми, чем другие. Он сделал многочисленные вклады в области искусства, включая его пионерские методы, известные как сфумато, плавный переход от света к тени; и чиароскуро, использование сильных контрастов между светом и темнотой для достижения трехмерного эффекта. Да Винчи нарисовал Мона Лизу, самую известную картину в мире. Другие известные работы в его искусстве включают «Тайную вечерю», наиболее воспроизводимую религиозную живопись; и Витрувианский Человек, один из самых воспроизводимых художественных образов. Леонардо да Винчи, без сомнения, самый известный художник эпохи Возрождения.
Шедевр: Мона Лиза (1517)
Мона Лиза (1517)
Другие известные работы:
- Тайная вечеря (1498)
- Витрувианский человек (1490)
Известные художники эпохи Ренессанса
Знаменитые художники Возрождения подарили миру произведения, которые стали частью «Золотого фонда» живописи. На холстах отражена эволюция в мире искусства, выраженная в смелых и ярких образах, точности линий.
Тинторетто (1518-1594)
Итальянский художник, творивший в Венеции. Созданная ранее перспектива иллюзии трехмерного пространства была усовершенствована им до предела. Для этой цели Тинторетто применял длинные и широкие перспективы.
Выбранный им стиль отражает новаторские технологии, яркость и насыщенность красок и нескрываемую драматичность.
Тициан (1488/1490-1576)
Итальянский художник, который экспериментировал с различными стилями и направлениями в живописи. В основе его работ были портреты, ландшафты, религиозные и мифологические тематики. Особенность техники – свободные мазки и тонкость тона.
Ему удалось успешно внедрить смелые образы обнаженных тел в живопись, сочетать их с религиозными сюжетами.
Альбрехт Дюрер (1471-1528)
Немецкий художник начал свой путь в творчестве в качестве успешного мастера гравюр на дереве. Печатное производство под его влиянием достигло невероятных масштабов и стало самостоятельной художественной формой.
Дюрер совершенствовал свое мастерство художника, общаясь с Рафаэлем и Леонардо да Винчи. Он ввел итальянское искусство в северные традиции живописи.
Иероним Босх (1450-1516)
Голландский художник, известный тем, что первым стал изображать на холстах миры необычные, скрытые от глаз людей, загробный мир и мифические существа также появлялись в его работах в числе первых, чем вызвали неподдельный интерес к произведениям.
Сад земных наслажденийИероним Босх
Его образы гротескны, в основе творчества лежат библейские сюжеты, в центре – сравнение жизни земной и небесной, Рая и Ада. Мастер понимал глубинные и подсознательные страхи людей, умело переносил их на холсты, заставляя задуматься.
Джотто (1267-1337)
Итальянский художник периода Раннего Ренессанса. Его творчество положило конец преобладанию в живописи влияния Византийского стиля. Смелые новации, необычный взгляд на техники письма позволили внести революционные изменения и открыть дорогу Ренессансу. Мастер изображал лица, жесты и эмоции максимально приближенными к естественным.
Сандро Боттичелли (1445-1510)
Изобразительное искусство эпохи Ренессанса стало расцветом для просветителей. Многие гуманисты воспринимают Боттичелли, как основоположника жанра. Художник выбирал для себя мифологические и религиозные сюжеты, идеально писал портреты людей. Он стремился запечатлеть на холсте доброту и нежность, искренность и позитив.
Донателло (1386-1466)
Итальянский мастер совершил поездку в Рим и изучил там древние руины. Художник стал постепенно уводить живопись из-под влияния готики, привнося в изображение плавность линий и детальный реализм. Лица, изображаемые на холстах, получили эмоции, стали более живыми, настоящими.
Бронзовый ДавидДонателло
Основным направлением в работе была скульптура, но работы мастера оказали огромное влияние и на мир изобразительного искусства, вдохнув в образы жизнь.
Рафаэль (1483-1520)
Итальянский художник, творивший на этапе Высокого Ренессанса. Его основным направлением в творчестве стала реалистичность образов. Многие художники эпохи Возрождения старались подражать и ровняться на творчество мастера. Эмоции и чувства – особенность всех полотен.
Микеланджело (1475-1564)
Изобразительное искусство эпохи Возрождения во многом равнялось на произведения гениального итальянского мастера. Он был также одним из величайших скульпторов своего времени. Стиль мастера был своеобразным и очень личным, в ним преобладает естественность и натуральность, благодаря которым при взгляде на произведения полностью проникаешься сюжетом.
Леонардо да Винчи
Великое искусство эпохи Ренессанса нельзя представить без работ этого мастера. Да Винчи был не только талантливым художником, но и непревзойденным инженером, математиком, ботаником и скульптором. Для своего времени он создал много величайших открытий, которыми пользовались многие ученые и исследователи в будущем.
Витрувианский человекЛеонардо да Винчи
Глубокие познания в анатомии, геологии, физике позволили разработать ему уникальный метод, плавный переход от света к тени. На холстах можно видеть переход, выраженный контраст, который позволяет добиться трехмерного объема. Основные стили в работе: религиозная живопись, художественные образы.
Л.М. Спенсер «Домашнее счастье» (1849)
Лилли Мартин Спенсер была счастлива в браке, хотя ее семейная жизнь шла вразрез с общепринятыми правилами. После свадьбы муж оставил работу, чтобы помогать жене и по хозяйству, и в ее работе. Так что Лилли одна обеспечивала немаленькую семью (в браке родилось 13 детей, но детство пережили только семеро).
На первый взгляд, это привычный семейный портрет. Однако Спенсер нарушает важную традицию изображения отца семейства. Двое детей спят вповалку, папа смотрит на них с любовью и умилением. Он видит в них не наследников и продолжателей рода, а прелестных карапузов. Именно это отношение отца к детям создает атмосферу домашнего уюта и теплоты, которой веет от полотна.
«Утро в сосновом лесу» (1889)
Одна из самых известных картин, которые охватывает русская живопись, и, пожалуй, самая растиражированная работа великого русского пейзажиста Ивана Шишкина, которая во времена СССР даже попала на обертку конфет.
Художник избрал один из своих любимых мотивов: дремучий сосновый лес, добавив к нему непривычный для своих картин элемент в виде животных — семьи медведей. Лесная чаща, все еще частично охваченная туманом, залита первыми лучами солнца, а на сломанных недавней бурей деревьях резвятся трое потешных медвежат под неусыпным присмотром мамы-медведицы. И мы, зрители, будто бы тайком, чтобы не спугнуть, подглядываем за этой любопытной семейкой.
Интересный факт: на самом деле картина была создана в соавторстве с художником Константином Савицким: он и есть тот, кто нарисовал медвежат. Однако Шишкину пришлось удалить подпись Савицкого с картины по требованию коллекционера Павла Третьякова, который хотел приобрести это произведение. Оригинал сейчас и находится среди коллекции Третьяковской галереи.
Плагиат или подражание
1. К.Е. Маковский. Из серии «Русь боярская».2. В.А Нагорнов. «Барыня-Сударыня».
1. Адольф-Вильям Бугро. «Пойманная бабочка».2. Никас Сафронов. «Ангел».
1. Владислав Чахорский. «Дама в лиловом платье». 2. Джованни Коста. «Молодая девушка с цветами».
1. Харменс ван Рейн Рембрандт «Девушка у окна».(1645). Картинная галерея Далич, Лондон, Великобритания 2. Рембрандт Пил «Девушка в окне (портрет Розальбы Пил)». (1846). 3. Томас Салли «Девушка в окне».
1. Патрик Уильям Адам. «Утренняя комната». (1916). 2. Мария Щербинина. «После завтрака». (1990).
1.Адольф-Вильям Бугро. «Сестры». 2. Константин Маковский. «Дети, бегущие от грозы».
1. Василий Владимирович Пукирев «Неравный брак» (1862). 2. Эдмунд Блэйер Лейтон «Пока смерть не разлучит нас» (1878).
1. Георг Фридрих «Дети у окна» (1813). 2. Иоганн Батист Райтер «Дети у окна». (1865).
1. Тициан «Венера у зеркала» (1554-55). National Gallery of Art, Washington. 2. Рубенс «Венера и Купидон». (1608). Музей Thyssen-Bornemisza, Мадрид, Испания.
1. Жан Огюст Доминик Энгр «Рафаэль и Форнарина». (1814), Музей университета Гарварда 2. Харменс ван Рейн Рембрандт «Автопортрет с Саскией на коленях». (1635-1636).Дрезден, Картинная галерея.
1. Александр Рослин. «Портрет Marie-Suzanne Roslin». 2. Джованни Баттиста Тьеполо. «Дама в треугольной шляпе». (1755-60).
1. Веласкес. «Венера перед зеркалом».2. Игнасио Диас Олано. «Обнаженная». (1895).
1. Микеланджело Буонаротти «Голова Клеопатры». (1533/34).2. Джорджо Вазари «Голова Клеопатры». (1550).
1. Рафаэль Санти «Донна Велата
Густав Климт «Поцелуй»
Однажды некий граф, заказал Густаву Климту картину для своей возлюбленной. Для написания женского образа художник получил медальон, на котором была во всем великолепии представлена девушка, невеста графа. Условием графа было, чтобы он и девушка были изображены на картине в страстном поцелуе. Климт исполнил заказ графа. И граф остался доволен, но его мучил один вопрос — почему на картине их уста не сомкнулись-таки в страстном поцелуе. Когда он задал этот вопрос художнику, Климт ответил, что он попробовал изобразить желание, настроение, атмосферу, т.е. тот мотив, который в миг самого поцелуя бросит их в бездну любовного наслаждения.
Граф принял ответ. Картина так понравилась девушке, что через некоторое время граф уже уезжал со своей молодой женой в свадебное путешествие: увидев картину, она сразу дала согласие на брак с графом. Позже Климт раскрыл тайну «Поцелуя»: когда художник писал картину, он сам влюбился в девушку с медальона и поэтому изобразил томительное ожидание поцелуя вместо самого поцелуя. Это была маленькая месть, из чувства ревности к графу.
Полотно принадлежит к периоду творчества Климта, названному «золотым»: в это время художник много работал с золотым цветом и настоящим листовым сусальным золотом. Популярность картин этого времени, и «Поцелуя» в том числе, связана не в последнюю очередь с применением художником золота в качестве цвета. Толика этой ценности и ослепительное сияние, исходящее от золота, тесно соединяются с содержанием картины. Ценность картины как бы освещает её смысл. Стилистические свойства этого периода, характеризующиеся сокращением глубины пространства и орнаментальной плоскостью изображения, подчёркивают значение самого изображения и пространства на картине.
Аура полотна и его завораживающая красота выражают, с одной стороны, его «ценность», с другой же представляют влюблённую пару как символ беззаботного эротического счастья. Сочетание приёмов реалистической живописи с декоративными элементами, плоскостью фона и драпировки, гармонизирующим квадратом и текучими линиями в изображении изгибов женского тела придаёт картине ещё большую выразительность и притягивает взгляд. Неожиданно обрывающаяся граница цветочной поляны создаёт ощущение края земли, на которой, кроме них, никого нет.
Размер картины: 180х180 см.
Холст, Масло.
1908 г., Австрия.
Выставлена: Галерея Бельведер, Вена, Австрия.
«Девятый вал» (1850)
Один из главных шедевров, которыми славится русская живопись, написан известнейшим русским художником-маринистом Иваном Айвазовским. Работа находится в Санкт-Петербурге, в Государственном Русском музее. Ее основой стало когда-то популярное среди моряков поверье, будто каждая девятая по счету волна оказывается сильнее и выше других и несет смертельную опасность.
Какую же картину мы видим на полотне: бушующее море озарено восходящим солнцем, обессиленные люди хватаются за обломки не пережившего шторм судна, а на них вот-вот обрушится тот самый грозный девятый вал. Величие разбушевавшегося моря и рассветное великолепие изображены художником с неповторимым мастерством. Но, глядя на эти яркие краски и переливающиеся волны, не кажется, что все закончится трагично, а вера в человеческую стойкость и мужество становится только сильнее.
История возникновения
Первые попытки писать в этом стиле пробовали Эль Греко, Клод Лоррен, но не совсем удачно. Лишь в конце XVIII века романтизм стал набирать популярность вместе с неоклассицизмом. Теперь центральное место стали занимать героически-романтические сюжеты. Живописцы черпали вдохновение в романах той эпохи.
Главными героями рисунков и полотен в стиле романтизма будут революционеры, бунтари, вечные искатели истины. На формирование такого представления об идеальном человеке повлияла Французская революция. В то время у людей появились новые идеи, которые нашли свое отражение в появлении нового направления в искусстве.
Ключевой идеей стало уважение личности, которая уже возникла в период неоклассицизма. Полотна художников-романтистов выделялись эмоциональным содержанием, чувственными героями. В XIX веке романтизм приобрел уже знакомые черты и стал доминирующим направлением в живописи.
«Грачи прилетели» (1871)
Алексея Саврасова считают основоположником «лирического пейзажного стиля». «Грачи прилетели» — действительно символическая и самая знаменитая работа художника, которая является прекрасной элегией весне, ознаменованной возвращением грачей. Полотно было приобретено Павлом Третьяковым.
Несмотря на обыденный пейзаж и укрытую снегом землю, присмотревшись внимательнее, мы понимаем, что перед нами именно весна: вот сквозь тучи виднеется участок нежного голубого неба, а вот и снежок тает, образуя глубокие лужи. И, конечно, о приходе весны словно трубят грачи, слетающиеся на высокие изогнутые березки.
Этюды к этой картине были запечатлены художником в селе под названием Молвитино, сама работа была закончена уже в Москве — так русская живопись пополнилась новым веянием в пейзажном жанре. Картина сразу же снискала признание публики. Павел Третьяков незамедлительно приобрел произведение в свою коллекцию. Оно стало настолько популярным, что впоследствии Саврасов неоднократно писал повторения прославившей его картины.
Пабло Пикассо «Герника»
Пикассо начал писать «Гернику» после жесточайшей бомбардировки фашистами города Страны Басков — Герники. Во время гражданской войны в Испании в 1937 году добровольческое подразделение люфтваффе совершило ночной налет на Гернику. После чего город был фактически уничтожен. Испанский поэт и видный общественный деятель Рафаэль Альберти впоследствии вспоминал: «Пикассо никогда не бывал в Гернике, но весть об уничтожении города сразила его, как удар бычьего рога».
Бомбардировка Герники послужила толчком к созданию знаменитого полотна. Картина была написана буквально за месяц — первые дни работы над картиной Пикассо работал по 10–12 часов и уже в первых набросках можно было увидеть главную идею. Создавалось впечатление, что художник уже давно продумал концепцию полотна, и только сейчас воплощал свои идеи в жизнь.
Сама «Герника» представляет собой огромное полотно-фреску — 3,5 м высотой и 7,8 м длиной. Картина представляет сцены смерти, насилия, зверства, страдания и беспомощности, без указания их непосредственных причин. Выбор чёрно-белой палитры, с одной стороны, передаёт хронологическую близость к газетной фотографии того времени, с другой — отражает безжизненный характер войны. «Герника» изображает страдающих людей, животных, и здания, трансформированные под воздействием насилия и хаоса.
Множество разногласий вызвала изображённая в левом верхнем углу картины голова быка — это персонаж, который смотрит на всё происходящее вокруг абсолютно безразлично, его взгляд устремлён в никуда. Некоторые искусствоведы считают, что это олицетворение фашизма и всего мирового зла; другие исследователи предполагают, что бык — символ глухоты, непонимания, неведения; некоторые испанцы трактуют быка (символ традиционной испанской корриды) как саму Испанию, которая отвернулась от происходящего в Гернике (отсылка к тому, что Франко разрешил бомбардировку своего города).
В 1940 году, через некоторое время после вступления германских войск в Париж, к Пабло Пикассо пришли немецкие офицеры. На столе художника находились открытки с репродукцией «Герники». Его спросили про картину: «Это сделали вы?». На что художник ответил: «Нет, это сделали вы».
Размер картины: 349 × 776 см.
Холст, масло.
1932 г., Испания.
Выставлена: Музей королевы Софии, Мадрид, Испания.
Описание стиля
Расцвет романтизма в живописи пришелся на XIX век. Художники-романтисты возвысили значение эмоций, чувств, мечтаний. Они делали акцент на внутренних переживаниях героев их картин. В живописи начался период персонажей с дерзкими, противоречивыми характерами. Это была эпоха героев, способных повести за собой толпу, зажечь огонь в их сердцах.
Сторонники романтизма отвергали любые проявления рационализма, они сосредоточились на личности, ее переживаниях и исканиях. Они придерживались схожих взглядов с сентименталистами, но старались придать сюжетам картин больше драматизма.
У романтизма в живописи есть свои отличительные черты и признаки:
- практически отсутствие строгой геометрической формы;
- динамичная композиция;
- доминирование мифологических сюжетов;
- повышенная выразительность, которой живописцы добивались при помощи игры тени и цвета;
- эстетика страсти, которая пришла на смену холодной идеальной красоте.
Несмотря на влияние сентиментализма, в романтизме нет места для слезливых сюжетов. Это смелые герои, которые не боятся бросить вызов миру. Приверженцы этого течения хотели пробудить в людях сильные эмоции, вдохновить их на великие свершения. Полотна эпохи романтизма отличались высокой художественной выразительностью.
Картины-двойники, написанные одним автором в разные годы
1.Тициан Вечеллио «Даная» (1544-45). Национальный музей Каподи-монте, Неаполь, Италия.2. Тициан Вечеллио. «Даная» (1553). Музей Эрмитаж, Санкт-Петербург.3. Тициан Вечеллио. «Даная» (1553-54). Музей Прадо, Мадрид, Испания.4.Тициан Вечеллио. «Даная» (1564). Историко-художественный музей, Вена, Австрия.
«»
1.Тициан Вечеллио. «Кающаяся Мария Магдалина». Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург.2.Тициан Вечеллио. «Кающаяся Мария Магдалина». Частная коллекция.3.Тициан Вечеллио. «Кающаяся Мария Магдалина». Музей Поля Гетти (США).4.Тициан Вечеллио. «Кающаяся Мария Магдалина». Музей во Флоренции.
1.Данте Габриэль Россетти Блаженная Беатриче. (1864). Галерея Тейт.2.Данте Габриэль Россетти Блаженная Беатриче. (1871-72). Чикагский художественный институт.
Тициан Вечеллио был обвинен в том, что он украл сюжет
Дж. Ж.-Ж. Тиссо «Вдовец» (1876)
В 1870 г. французский художник Жак-Жозеф Тиссо он пошел сражаться на франко-прусской войне, а после подавления восстания Парижской коммуны был вынужден уехать в Лондон. Эта картина была написана во время жизни в Англии, спустя семь лет после его возвращения с войны.
Искусствоведы установили, что сад окружал дом художника, но кто скорбящий отец – неизвестно, это мог быть нанятый натурщик. В этой картине Тиссо совмещает глубокую скорбь с надеждой. Пышная растительность и солнечный день говорят нам, что жизнь продолжается, в расставании скрыта прелюдия к чему-то новому. Сейчас мужчина погружен в горе, но у него остался ребенок, очаровательная дочка, с которой будут связаны надежды отца на жизнь и, возможно, будущее счастье.
