Пабло пикассо «портрет амбруаза воллара». описание картины

Коллекция произведений искусства

После его смерти душеприказчиком Воллара был его коллега-дилер Мартин Фабиани , которому было приказано разделить свою коллекцию между наследниками: Мадлен де Галеа, предполагаемой любовницей; и его брат Люсьен.

Из-за нацистского вторжения во Францию , которое началось 10 мая 1940 года, Фабиани поспешно отправил 560 картин в Соединенные Штаты. Они вышли на SS Excalibur из Лиссабона , Португалия, но 25 сентября 1940 года корабль был перехвачен Королевским флотом на Бермудских островах. Картины, признанные «собственностью врага», хранились в Национальной галерее Канады в Оттаве во время Второй мировой войны . После войны, 19 апреля 1949 года, лондонский призовой суд согласился передать работы Фабиани, который вернул их сестрам Воллар. В знак благодарности сестры подарили все литографии Руо и Шагала и одну картину Гогена Национальной галерее Канады. Остальные работы вскоре начали появляться на рынке коммерческих художественных галерей Нью-Йорка , где они были быстро проданы.

Пьер Огюст Ренуар , Портрет Амбруаза Воллара, 1908, 82 x 65 см, Галереи Института Курто , Лондон

Бывший секретарь и протеже Воллара, Эрих Шломович , молодой серб еврейского происхождения (р. 1915), был связан с Волларом, Фабиани и Люсьеном Волларом примерно с 1938 года. Он часто заявлял о своем желании создать музей французского искусства, собранный его в Югославии . Шломович собрал коллекцию из около 600 работ, большинство из которых представляют собой гравюры или рисунки, с несколькими важными картинами маслом, путем сочетания обмена, подарка, покупки и пожертвования. Воллар связал его с самыми известными художниками того времени и часто просил его выступить в качестве агента по продаже или покупке произведений искусства. В начале 1940 года Шломович поместил около 200 работ на хранение в хранилище банка в филиале Société Générale в Париже. Вернувшись домой с примерно 450 работами, он выставил их в Загребе, Хорватия, в 1940 году. С наступлением немецких войск в Сербии он скрылся вместе со своим братом Эгоном, отцом и матерью Розой. Они поместили картины в ящики за стеной фермерского дома в южно-сербской деревне Бачина . Шломович, его брат и отец были вскоре арестованы и, как и многие другие евреи в оккупированной Сербии, убиты нацистскими немцами в 1942 году в Белграде. После войны картины были конфискованы югославскими властями. Официально они были показаны только один раз — в 1989 году в Белграде и Загребе под названием «Коллекция Сломовича». В настоящее время (2014 г.) ведется судебная тяжба по определению прав собственности на белградскую коллекцию, включая наследников Шломовича, бенефициаров Воллара и сербское правительство.

Работы в Париже были обнаружены в 1979 году, когда банку было разрешено открыть хранилище для взыскания неуплаченных сборов за хранение. Между наследниками Воллара и Шломовича возник 11-летний судебный спор, который задержал их перепродажу. В 1996 году суд Амьена, Франция, постановил, что картины, хранящиеся в Париже, должны быть переданы имению Волларов. Они были проданы Sotheby’s в Париже и Лондоне в июне 2010 года на общую сумму 30 миллионов евро. В их числе Дерен 1905 года, написанный в Коллиуре , а также работы Мэри Кассат , Сезанна, Шагала, Дега, Пикассо и Ренуара.

Война в Испании. Герника. Вторая мировая война (1937 — 1945)

1 мая 1937 года немецкая и итальянская авиация, при поддержке правившего тогда в Испании генерала Франко, практически стерла с лица земли маленький городок на севере Испании под названием Герника, являющийся на тот момент культурным и политическим центром мятежного народа басков. Сразу после этого, художник, в течение двух месяцев, не покладая рук, работая над картиной и днем и ночью, создает огромное (почти 8 метров в ширину и 3,5 метров в высоту) полотно, которое посвящает случившейся трагедии и называет «Герника».


«Герника», Пабло Пикассо, 1937 год

Подробнее

Кстати. Однажды гестапо устроило обыск в доме Пикассо. Нацистский офицер, увидев на столе фотографию «Герники», спросил: «Это вы сделали?». «Нет» — ответил художник — «это сделали вы».

Во время немецкой оккупации Пикассо остается в Париже. Настроение его работ становится мрачным, преобладают темные холодные цвета. В этот период появляются такие работы как «Ночная рыбалка на Антибах», «Плачущая женщина», написанную с Доры Маар, югославской женщины-фотографа, которая прославилась тем, что запечатлела стадии работы Пикассо над «Герникой».

«Ночная рыбалка на Антибах», Пабло Пикассо, 1939 год

«Плачущая женщина», Пабло Пикассо, 1937 год

Пикассо за работой над «Герникой». Фото Доры Маар.

Также в это время появляется много скульптур художника, мрачных и тревожных, отражающих всю трагичность эпохи. Из наиболее известных «Человек с ягненком».

«Человек с ягненком», Пабло Пикассо, 1943 — 1944 год

Формы и чувства

Пикассо не слишком доверял теориям и говорил: «Когда мы любим женщину, мы не начинаем измерять её конечности. Мы любим её нашими чувствами». Он стремился как можно живее и непосредственнее передать свои эмоции. Приём искажения человеческой фигуры всегда работал на решение именно этой задачи.

Характерным для художественной системы Пикассо было разложение на части человеческого тела. Перемещение в пространстве глаз, ушей, рта и носа позволяло художнику острее и адекватнее передать свои ощущения.

Многие работы Пикассо автобиографичны, и, в первую очередь, это относится к портретам женщин, которых любил художник. Некоторые из этих образов откровенно эротичны. За это Пикассо и хвалили, и осуждали. Некоторые поздние женские образы Пикассо отличаются грубой агрессивностью, однако другие написаны с удивительной нежностью.

Гений иронии и гротеска

Художественные метаморфозы Пикассо порой были столь внезапны, что выстроить все его стилистические фантазии в одну линию не всегда возможно. Направления наслаивались друг на друга, поиски нового сочетались с возвратом к старым экспериментам.

Художник не раз оказывался в состоянии внутреннего кризиса, болезненной самоуглубленности, когда торжествовал дух отрицания. В 1930–1940 гг. деформация и разложение формы в творчестве Пикассо достигают апогея и обретают экспрессионистическое звучание. Трагическое начало как отражение непосредственных событий становится в этот период определяющим. Поистине ошеломляющим взрывом, ключевой и самой масштабной работой тех лет стала «Герника» (1937).

В обобщающую метафору страдания превратилась «Плачущая женщина» (1937), лицо которой уподоблено ужасающей игре сломанных линий и уродливых нагромождений форм.

Да и во многих других созданиях художника того времени мир обретает черты кошмарного сна, мрачной фантазии, часто окрашенной иронией или гротеском. Пикассо начинает создавать зловещих фантомов, человеческие образы («Женщина на берегу моря», 1930, Музей современного искусства, Нью-Йорк), похожие на средневековые химеры. С беспощадным сарказмом составляет он причудливое женское тело из частей каких-то механизмов, а голову трактует как гаечный ключ.

Жизнь есть сон

Нельзя, однако, пройти мимо феерических графических работ зрелого Пикассо. Иллюстрации к «Метаморфозам» Овидия, созданные в 1930 г., цикл офортов «Художник и модель» (1930-е), «Минотавр» — поражают графическим изяществом, эффектными ракурсами, элегантными линиями. Пикассо создает то шутливые, то пленительные листы с героями, овеянными нежностью, волнующей экспрессией или пронизанные жестокой эротикой. Но всегда это ошеломляющая техника, часто классический рисунок с добавлением прихотливого арабеска, нервозности и завораживающей изобретательностью линий.

Художник трагедии вспоминает об идиллии. В офортах «Любовь Юпитера и Семелы» (1930) или «Скульптор и натурщица» (1933) он воплощает образ любви и природы, союз двух существ, необходимых друг другу. А вот образ Минотавра — символ стихийной силы и сексуальной агрессии. Пикассо не следует буквально за мифологическими сюжетами, а создает свой мир, переосмысленный, трансформированный сознанием человека XX века. «Минотавр, рассматривающий спящую» (1933) — мрачное чудовище, готовое к насилию.

Мрачные видения неистового испанца, порожденные его фантазией, обратились в пророчества и предвестия катастроф средины и второй половины XX века. Те сюрреалистические тенденции, которые он встраивал в свои прежние работы, теперь достигли предельной концентрации в еще более чудовищных фантомах, которые создавал его бушующий темперамент. Это был бунт против человеческой природы, можно сказать, ее поругание. «Причесывающаяся женщина» (1940) или «Натюрморт с черепом быка» (1942), с их растерзанными, конвульсивными формами и мрачным символами, несут в себе какой-то темный ужас, обнажают скрытое уродство мира, запятнавшего себя невиданными злодеяниями. Даже забавная «Кошка, поймавшая птицу», написанная маслом в духе детского рисунка в 1939 г., невольно заставляет содрогнуться. Именно в этом году Испания попала под власть фашистского режима, а Чехословакия была захвачена нацистской Германией.

Эпилог

После Второй мировой войны Пикассо по-прежнему живет в Париже. Он не на минуту не покидал Францию в годы оккупации, хотя его не раз приглашали в Соединенные Штаты Америки. После краха нацизма и освобождения французской столицы в искусстве художника начинают появляться мажорные мотивы. Они воплотились, к примеру, в грандиозном ансамбле «Храм мира» в Валлорисе. Новый период открывает известная статуя 1944 г. из бронзы «Человек с ягненком» (Валлорис).

С середины 1950-х Пикассо обращается к необычным вариациям на тему классических живописных полотен. Он использует картины старых мастеров, трансформируя их в свои образы, наполненные новым смыслом. В их ряду «Алжирские женщины» Делакруа (1954), «Завтрак на траве» Мане (1960), «Менины» Веласкеса (1968). Не столь давно эти параллели можно было увидеть на выставке в ГМИИ имени А.С. Пушкина.

В 1958 г. Пикассо создал монументальную композицию «Падение Икара» для здания ЮНЕСКО в Париже.

Умер великий испанец в апреле 1973 г. в Мужене, во Франции, оставив огромное состояние и множество работ. Его картины, рисунки, скульптуры и коллажи украшают многие великие собрания мира и частные коллекции.

Не только живопись

В своём неустанном стремлении расширить рамки искусства Пикассо обращался к скульптуре и керамике. Его работы и здесь по-настоящему революционны.

Согласно традиционным представлениям о скульптуре, она могла быть либо высечена из твёрдого материала (камень, мрамор и т.д.), либо вылеплена из мягкого материала (вроде глины). С 1912 гола Пикассо начал «собирать» свои скульптуры из самых разных материалов. Так, «Женская голова» (1931 г.) сделана из предметов кухонной утвари, а голова обезьянки («Обезьяна с малышом», 1952 г.) — из игрушечной машинки.

Позже Пикассо увлёкся керамикой и обнаружил, что трёхмерные керамические предметы имеют двумерные, пригодные для рисования, плоскости. Он очень любил работать с материалом, позволявшим ему создавать сложные формы, какой является, например, ваза в виде птицы с раскрытыми крыльями-руками и нарисованными на груди лицами.

Сентиментальная увертюра

Творчество Пикассо открывают два периода, когда он обретает свое лицо, узнаваемый почерк, создает вполне самостоятельные работы. К этому времени он становится вполне самобытным художником, полностью изжившим академизм и влияние французских импрессионистов.

Сначала — «голубой период», названный так по доминирующей колористической гамме его картин. Эти оттенки голубого и синего в течение нескольких лет (1900–1904) сопровождали те безрадостные и печальные сюжеты, которые он находил в окружающей его жизни. Он говорил о человеческих страданиях, рисовал слепых, нищих, алкоголиков, изгоев общества. В эти годы художник жил в среде полунищей богемы то в Париже, то в Барселоне, нередко сам голодал, бедствовал. О том времени французский поэт Макс Жакоб вспоминал: «Мы жили плохо, но прекрасно».

Преобладающим настроением этих картин стала сентиментальная меланхолия в сочетании с жестоким натурализмом, выраженная сумрачными и холодными оттенками голубого цвета. Таков портрет близкого друга, художника и поэта Сабартеса, написанный в 1901 г. (ГМИИ им. А.С. Пушкина, Москва). Пикассо пишет человека, погруженного в печальные размышления, подчеркивает его одиночество. Фигура Сабартеса предельно плоскостна, как и фон картины. Мазки синих, зеленых, фиолетовых тонов определяют стиль живописи. Цвет, линия, контур не столько изображают реальные предметы, сколько раскрывают внутреннее состояние человека, атмосферу его бытия. Это не портрет в обычном его понимании, запечатлевший облик человека, а скорее «портрет души».

Зрелище ранящих страданий, трагического одиночества воплотилось и в картинах Пикассо «Старый еврей с мальчиком» (1903, ГМИИ им. А.С. Пушкина, Москва), «Мать с ребенком» (1903, Музей Пикассо, Барселона). Здесь появляется символика жизни и смерти, которая найдет продолжение в последующие годы. Эти работы стали сентиментальной и одновременно жесткой увертюрой к более позднему творчеству художника, где он с яростной силой обнажал самые зловещие мотивы жизни.

Однако в 1905–1906 гг., в так называемый «розовый период», появляются иные интонации. Когда Пикассо поселился в Париже, в сумрак испанской души проникли теплые лучи Франции, хотя его героями по-прежнему оставались неприкаянные комедианты, танцовщики, акробаты и обездоленные. Художник начал писать в розово-золотистых и розово-серых тонах. Именно тогда возникли нежные «Девочка на шаре» (1905) и «Мальчик с собакой» (1905, Государственный Эрмитаж, Петербург). Тогда он обрел известность, его картины завоевали первый успех.

Источник вдохновения

Пикассо внимательно изучил множество художественных систем. Иногда работы других художников оказывали влияние на его собственный стиль. Так, в ранней картине «Авиньонские девицы» можно найти отголосок «Трёх купальщиц» Сезанна. Другим источником вдохновения, оказавшим огромное влияние на Пикассо, стали предметы, показанные на парижской выставке примитивного искусства народов Африки и Океании в 1907 году. Пикассо признавался, что эту выставку воспринял как откровение. Особенно потрясли его искажённые пропорции фигур и двумерное изображение лиц — как на этой ритуальной маске из Центральной Африки.

Биография[ | ]

Сын нотариуса, родился и вырос во французской колонии Реюньон, учился юриспруденции в метрополии, сначала в Монпелье, затем в Школе Права в Париже, которую закончил в 1888, подрабатывая в годы учения клерком у арт-дилера.

За эти годы он незаметно превратился в «маршана-любителя», и в 1893 г. Воллар основывает свою собственную арт-галерею Rue Laffitte

, ставшую затем центром парижского рынка современного искусства. Здесь Воллар устраивает свои первые крупные выставки: за Мане и другими последовали Гоген, первая посмертная выставка Ван Гога (4-30 июня 1895), организовывает первую персональную выставку Сезанна, в 1904 — аналогично Матисса. Таким образом, Воллар «открывает» этих мастеров.

Воллар заказывал видным художникам иллюстрирование книг, которые в настоящее время признаны выдающимися образцами книгоиздательского дела — Пьеру Боннару к «Параллелям» и «Дафнису и Хлое»; Раулю Дюфи — к «Прекрасному ребенку» Эжена Монфора; Эдгару Дега — к «Заведению Телье» Ги де Мопассана; Одилону Редону — к «Искушению Святого Антония» Гюстава Флобера; Жоржу Руо — к «Цирку падающей звезды» на текст художника; Пабло Пикассо — к «Неведомому шедевру» Оноре де Бальзака и «Естественной истории» Жоржа Бюффона; Марку Шагалу к «Мёртвым душам» Николая Гоголя.

Его внешность и манеры часто описывали беспощадными словами: «крупный, резкий, грубый человек»

с«потупленным взглядом» . При этом он был достаточно свирепым бизнесменом, нажившим своё состояние благодаря девизу«покупай дешево — продавай дорого» . В число его клиентов входили Гертруда Стайн и её брат Лео, Сергей Щукин, Иван Морозов, Альберт Бернс (Albert C. Barnes), Г. О. Хэвемайер. Позже Воллар напишет биографии Сезанна, Дега и Ренуара.

В 1925 году на Всемирной выставке в Париже Амбруаз Воллар был удостоен высшей награды — Гран При, по классу книги.

Воллар погиб в автомобильной катастрофе в 1939 г. в возрасте 73-х лет, когда его управляемая шофером машина вылетела с дороги. Он умер, не оставив прямых наследников. Его коллекция согласно завещанию была распределена между дальними родственниками и близкими друзьями, хотя значительное количество значимых шедевров были проданы, потеряны или украдены в годы начинавшейся войны.

Часть коллекции Воллара, обладающая исключительной художественной ценностью, была обнаружена в 1981 году в одном из сейфов парижского банка Société Générale, где она была размещена по распоряжению помощника и наследника дилера Эрика Сломовича. Полотна были сданы на хранение в 1940-м, спустя год после смерти Воллара. Вскоре Сломович вынужден был бежать в Югославию, где погиб от рук нацистов.

В силу сложившихся обстоятельств содержимое сейфа было закрыто на 40 лет — до срока, когда по французским законам банку было разрешено вскрыть сейф и продать его содержимое для компенсации неоплаченных расходов на хранение в течение столь длительного времени. Из-за споров между наследниками Воллара, на продажу коллекция, включавшая в себя работы Дерена, Дега, Ренуара, Сезанна, Гогена и Пикассо, была выставлена лишь в 2010 году.

Коллекция выставлялась на продажу в два этапа. 22 июня на аукционе Sotheby’s в Лондоне был представлен один из самых ценных предметов собрания — работа Андре Дерена «Arbres a Collioure» («Деревья в Коллиуре», 1905 год). Картина была продана за 16,28 миллиона фунтов стерлингов, установив новый аукционный рекорд цены для работ этого художника.

29 июня 2010 года на торгах в Париже были представлены оставшиеся 139 работ, в основном рисунки и графические работы. Суммарная стоимость лотов, реализованных на аукционе, составила 3,5 миллиона евро.

Самой дорогой работой, ушедшей с молотка, стала гравюра Пабло Пикассо «Скудная пища» (Le repas frugal), проданная за 720,7 тысячи евро при эстимейте в 180-300 тысяч евро. Монотипия Эдгара Дега «Праздник хозяйки» (La Fete de la Patronne) также была продана со значительным превышением предварительной оценки. Финальная цена работы Дега составила 516,7 тысячи евро при эстимейте 200-300 тысяч.

Одним из топ-лотов парижского аукциона считался портрет Эмиля Золя, кисти Поля Сезанна. Портрет планировалось продать за 500-800 тысяч евро, однако из-за произошедшей во время аукциона ошибки этот лот был снят с торгов.

Еще работы 1910 года

Женщина с мандолиной, 1910 год Ваза с цветами, 1910 год

Портрет Вильгельма Уде, 1910 год

Ваза для фруктов, 1910 год

Обнаженная, 1910 годВоздушно-Пузырчатая Пузырьковая плёнка купить недорого! На гладкий слой полиэтилена, так называемую «подложку», наносится ячеистая прослойка, в которую накачивается сухой воздух, образуя множество пузырьков. Если пузырьки имеют основу только снизу, то такой материал называется двуслойная воздушно-пузырчатая плёнка, а если пузырьки и сверху и снизу покрыты слоем полиэтилена, то трёхслойная. Благодаря использованию химически инертного материала, воздушно-пузырьковая плёнка ничем не пахнет и не впитывает…

Рейтинг
( Пока оценок нет )
Понравилась статья? Поделиться с друзьями:
Музеи мира
Добавить комментарий

;-) :| :x :twisted: :smile: :shock: :sad: :roll: :razz: :oops: :o :mrgreen: :lol: :idea: :grin: :evil: :cry: :cool: :arrow: :???: :?: :!:

Adblock
detector