Персики и груши, поль сезанн, 1895

[править] См. также

У Казанского собора (картина Виктора Тетерина)
Белая ночь на канале Грибоедова (картина Виктора Тетерина)
Жатва (картина Виктора Тетерина)
Портрет Евгении Антиповой (картина Виктора Тетерина)
Рабочий паренёк (картина Виктора Тетерина)
Дорожные строители (картина Виктора Тетерина)
Айва и чайник (картина Виктора Тетерина)
Садовник и цветы (картина Виктора Тетерина)
Средняя Подьяческая улица (картина Виктора Тетерина)
Девушка в лиловом (картина Виктора Тетерина)
Цветущий миндаль на фоне моря (картина Виктора Тетерина)
Туалет (картина Виктора Тетерина)
Яблоко, бутылка и лукошко (картина Виктора Тетерина)
Берег моря в Гурзуфе (картина Виктора Тетерина)
Яблоко, бутылка и лукошко (картина Виктора Тетерина)
Виктор Кузьмич Тетерин
Ленинградская школа живописи
Санкт-Петербургский Союз художников

«Фрукты и бронза» (Анри Матисс)

Как уже говорилось ранее, между данным полотном и предыдущим лежат полтора десятка лет активного раздвижения границ живописного искусства и освоения новой территории. Различные течения возникали и развивались, основываясь на конкретных положениях предшествующих; так, например, будучи «неверно истолкованными», слова Сезанна о разложении мира на геометрические фигуры станут кубизмом, а фовизм доведёт идею выразительности цветовых сочетаний и контрастов в импрессионизме и неоимпрессионизме до логического завершения — яркого, резкого и нереалистичного, но производящего очень сильное впечатление.

Тот факт, что натюрморт «Фрукты и бронза» приходится на закат фовизма, позволяет предположить, что достижения этого стиля будут использоваться уже в рамках определённой умеренной, менее вызывающе-экспериментальной и более практической доктрины. В данном случае можно говорить о принципе абсолютизации цвета, отрываемого от реальности ради раскрытия его декоративных свойств. Так, если мы будем двигаться от «Дамы в шляпе» (1905) — смелой, но смешанной, неуверенной, будто незаконченной картины — через «Вазу, бутылку и фрукт» (1906) — более чёткую, но всё ещё импульсивно-хаотичную — через «Синий натюрморт» (1907) — ещё более реалистичную и упорядоченную — через «Статуэтку и вазу на восточном ковре» (1908) — более резкую, абстрактно-плоскостную — и наконец к «Фруктам и бронзе» (1910), то увидим, как изначальная революционная идея использования «неподходящего», неприрученного, именно что дикого цвета обращается как раз приручением цвета и умелым помыканием им.

В описаниях биографии Матисса не раз упоминаются выставки мусульманского искусства, которое, как известно, запрещает изображать людей и животных; влияние подобной орнаментальной, фокусирующейся на декоративности живописи, безусловно, нашло отражение в его работах интересующего нас периода. Так, Матисс почти полностью отказывается от светотеневой моделировки, для выявления формы обращаясь вместо неё к сильному цветовому контрасту и клуазонистской линии-контуру; о реалистичных отражениях в вазах, бутылке и бронзовой статуэтке (работы самого Матисса) речи и вовсе не идёт

Подобие бликов и света и тени наблюдается на вазах, бутылке, статуэтке, но стоит ли их трактовать как чистое совпадение игры света и эстетически важного с точки зрения автора цветового пятна, или же как капитуляцию художника перед сложностью формы, не передаваемой исключительно линией? Для меня ответ, несмотря на известное желание вписывать всё в стройную и красивую систему, не знающую исключений, во втором: даже куда более известный «Танец» 1910-го года на центральной фигуре не обошёлся без дополнительной тени тёмно-красного оттенка. Впрочем, и сегодняшние потомки живописного искусства (такие как цветные комиксы и графические иллюстрации, печатающиеся ограниченным количеством цветов) сталкиваются со схожими проблемами по простой, естественной причине — всё богатство форм невозможно передать с помощью только лишь линии и одного цвета, непременно придётся чем-то пожертвовать

С другой стороны, если ставить эстетическое переживание выше миметического нарратива, но при этом не зацикливаться на одном-единственном методе, то проблема отпадает сама собой. Именно это и происходит в полотнах Матисса, в том числе натюрморте «Фрукты и бронза». Перспектива, глубина здесь вторичны, и познаются неочевидными, подсознательными способами, известными и во времена Сезанна (холодные цвета отодвигают предметы назад, тёплые цвета выдвигают вперёд); наброшенный на предмет мебели ковёр неловко, неопределённо висит в пространстве, а основные «действующие лица» даже уже не парят, а просто сливаются с узором ковра, становятся его неотъемлемой частью. Если вовсе исключить пёстрый фон, существующий в собственной пространственной системе координат (не то же ли самое происходило у Сезанна?), и заменить его на некий нейтральный, то мы получим довольно-таки уравновешенную натюрмортную композицию; но появление сочного, контрастного ковра, а заодно и однородно насыщенных стен и предмета мебели, полностью нас дезориентирует. Цвета различных (и разных) предметов настолько сильно взаимодействуют друг с другом, что становится и вовсе сложно понять, о чём говорит нам название «Фрукты и бронза» — о том ли, что художник использовал в качестве натуры фрукты и бронзу на фоне ковра, или о том, что он увидел их в запутанном узоре некоего ковра и потом перенёс это впечатление на полотно?

История

В 1890—1899 годах картина «Пьеро и Арлекин» находилась в коллекции Виктора Шоке (Victor Chocquet

). Потом она была куплена известным парижским маршаном Полем Дюран-Рюэлем (Paul Durand-Ruel ) и находилась у него до 1904 года.

В 1904—1918 годах картина «Пьеро и Арлекин» находилась в собрании московского купца и коллекционера Сергея Щукина. В 1918 году она была передана в 1-й Музей новой западной живописи. В 1923 году он был объединён со 2-м Музеем новой западной живописи, и в результате был образован Государственный музей нового западного искусства (ГМНЗИ), в котором картина находилась до его упразднения в 1948 году. После этого картина была передана в Пушкинский музей, где она и находится до сих пор.

БИОГРАФИЯ ХУДОЖНИКА

Поль Сезанн родился 19 января 1839 года в старинном французском городке Экс-ан-Прованс. Единственный сын грубоватого и жадного отца, Поль, в детстве практически не имел отношения к живописи, но в других областях получил весьма неплохое образование. Учеба давалась ему легко и результативно. Он постоянно получал школьные награды по латыни и греческому, по математике.

Рисование и живопись входили в курс обязательных дисциплин, но в молодые годы Поль не снискал на этом поприще особых лавров. Примечательно, что ежегодный приз по рисованию в колледже достался однокласснику молодого Сезанна – будущему классику Эмилю Золя. Стоит отметить, что крепкую детскую дружбу два выдающихся француза сумели пронести через всю жизнь. Да и выбор жизненного пути практически полностью определился дружеским советом Эмиля.

В 1858 году Сезанн сдает экзамены на бакалавра в университете Экса, поступив в действующую при вузе юридическую школу. Совершенно лишенный интереса к юриспруденции, молодой Поль был вынужден сделать это по настоянию своего властного родителя. Два года он «промучился» в этой школе, и за это время в нем твердо сформировалось решение посвятить себя живописи.

Сыну и отцу удалось достичь компромисса – Луи Огюст оборудовал сыну мастерскую, где тот, в перерывах между юридической практикой, мог посвящать время изучению художественного мастерства под руководством местного художника Жозефа Жибера.

В 1861 году отец все же отпустил сына в Париж для настоящего обучения живописи. Посещая Ателье Суисс, впечатлительный Поль Сезанн под влиянием здешних художников быстро отошел от академической манеры и занялся поиском собственного стиля. Ненадолго вернувшись в Экс, Поль затем снова последовал за своим другом Золя в столицу. Он пытается поступить в Эколь-де-Бозар, но экзаменаторы сочли представленные им работы как слишком «буйные», что, впрочем, было не так уж далеко от действительности.

Впрочем, 23 года – это возраст, полный надежд, и не слишком огорченный Сезанн продолжил писать. Ежегодно он представлял свои творения в Салоне. Но требовательное жюри отвергало все картины художника. Ущемленное самолюбие заставляло Сезанна все глубже погружаться в работу, постепенно вырабатывая свою собственную манеру. Некоторое признание вместе с другими импрессионистами пришло к Сезанну в середине 70-х годов. Несколько богатых буржуа приобрели несколько его работ.

Portrait of the artists son

Self-portrait 1864

Madame Cezanne in the Greenhouse

В 1869 году женой Поля становится Мария-Гортензия Фике. Они прожили вместе сорок лет. Сезанн с женой и сыном Полем постоянно переезжали с места на место, пока, наконец, в 1885 году Амбруаз Воллар не организовал персональную выставку художника. Но долги, связанные со смертью матери, вынуждают художника продать фамильное имение. На рубеже веков он открывает собственную студию, продолжая одновременно неутомимо работать, пока 22 октября 1906 года пневмония не прерывает его сложный и плодотворный жизненный путь.

Жизненные перипетии

В 1886 году произошел целый ряд событий в личной жизни живописца. Во-первых, Сезанна, практически против его воли (так как он был весьма сильно увлечен молодой служанкой в доме отца), женят на Гортензии, которая, по настоянию членов семьи, переезжает в поместье Сезаннов в Провансе. К этому времени сыну художника Полю уже исполнилось четырнадцать лет. Во-вторых, друг юности Сезанна, уже получивший известность писатель Эмиль Золя, публикует роман «Творчество», в котором художник выступил прототипом главного героя. Роман прекрасно продемонстрировал отношение Золя к самому Сезанну и его искусству, закончив жизнь героя самоубийством. Живописец, воспринял этот жест, как громогласное объявление о том, что старый друг не верит ни в самого художника, ни в его искусство. Так закончилась дружба между двумя гениями эпохи – великим писателем и великим художником. В-третьих, умер деспотичный отец живописца, оставив ему солидное наследство.

Два года спустя, Сезанн создает замечательный двойной портрет своего сына Поля, одетого в костюм Арлекина, и его приятеля, одетого в костюм Пьеро. Картина «Пьеро и Арлекин» (1888 год, Государственный музей изобразительных искусств им, А. С. Пушкина, Москва) изображает сцену из масленичного карнавального праздника, проходящего прямо перед постом (в связи с чем второе название картины — «Мардигра», то есть «Масленица»). На полотне отец открыто любуется своим сыном

Мы видим величаво-надменного красавчика Поля, важно выходящего из-за кулис, глядя на зрителя свысока. На его фоне, отрешенный Пьеро, согнувшийся в довольно нелепой позе, кажется услужливым пажом

По требованию Гортензии, в 1888 году Сезанны переезжают в Париж. Через год картина живописца «Дом повешенного», благодаря проекции коллекционера Виктора Шоке, была представлена на Всемирной выставке. Но работа осталась незамеченной публикой, так как была размещена слишком высоко.

Очередной раз произведения Сезанна не видели и не желали видеть, а его талант снова остался без признания. Живописцу было уже за шестьдесят, проблемы со здоровьем вынуждали его постоянно менять место жительства, но он продолжал писать и даже осуществил свою юношескую мечту — создал собственную работу в духе произведения «Игроки в карты» Луи Ленена, ещё в молодости произведшее на него большое впечатление.

Картина «Игроки в карты» (1892 год, Музей Метрополитен, Нью-Йорк) является жанровым произведением, изображающим троих молодых мужчин за любимым занятием. Фигура наблюдателя на заднем плане обрезана по плечи верхним краем картины, благодаря ней, в композиционном плане холст кажется незавершенным. Стремясь к ясному и четкому выражению идеи, Сезанн написал несколько вариантов этой работы. Заключительный вариант одноименного полотна, созданный примерно в это же время, поражает законченностью, лаконичностью и симметрией, для преодоления излишнего влияния которой, Сезанн обрезает спину правого игрока.

Композиционный и смысловой центры картины совпадают — это кисти рук двоих сидящих мужчин, которые словно обрамляют горделиво стоящую бутыль вина. Произведение лишено строгой жанровости, присущей предыдущему варианту. Здесь нет ничего лишнего, все очень строго и предельно выразительно. Игроки полностью поглощены своим занятием, время для них словно остановилось, весь мир сосредоточился в пределах двух фигур, склоненных друг к другу

Здесь и сейчас в раскладе карт заключено самое важное значение, игра для них становится неким священнодействием, благодаря которому сама картина обретает некий сакральный смысл. Возможно, и бутыль вина на красной скатерти имеют традиционное символическое значение крови и искупления

Портрет «Парень в красном жилете» (1888-1890 годы, Музей современного искусства, Нью-Йорк) отличается особой выразительностью, благодаря мастерскому использованию цвета. Торжественное сочетание красного и белого цветов усилено обилием черного, который делает профиль героя полотна предельно четким и контрастным. Сезанн не избегает черного цвета, как многие импрессионисты, а наоборот, вводит его в картину, как формообразующий элемент. Волосы молодого человека сливаются с чёрным фоном драпировки, этим приемом, мастер словно «вселяет» модель в пространство полотна, одновременно придавая ему некое трагическое звучание. Образ портретируемого закончен и целостен, даже не смотря на то, что в картине нет конкретики – ни обозначения времени или места, ни намека на род деятельности юноши в красном жилете.

[править] История написания

Тетерин В. К. (1922—1991)

В 1956 году В. Тетерин навсегда оставил педагогическую работу в ЛВХПУ имени В. И. Мухиной, чтобы всецело посвятить себя творчеству. И уже работы, показанные на выставках следующих двух лет, говорят о правильности принятого им решения. Много работая с натуры, он соотносит приобретаемый опыт с осмыслением приёмов и живописной системы близких ему мастеров: русских П. Кончаловского, И. Машкова, А. Лентулова, французов П. Сезанна и, в особенности, А. Матисса. Всё вместе, это приблизило обретение В. Тетериным творческой зрелости и нового качества живописи.

В конце 1950-х годов натюрморт становится ведущим жанром в творчестве В. Тетерина. Этому способствовали поездки в Крым, знакомство с крымской природой, поразившей В. Тетерина силой солнечного света и яркостью красок и ставшей вдохновляющим источником многих его произведений.

В 1960 году на ежегодной выставке произведений ленинградских художников в Русском музее В. Тетерин показывает сразу девять больших холстов разных жанров и среди них семь натюрмортов. Среди них — картина «Персики на круглом столе. Натюрморт», датированная 1958 годом.

В последующем картина «Персики на круглом столе. Натюрморт» была приобретена у автора и оказалось в Архангельске в собрании Государственного музейного объединения «Художественная культура Русского Севера» под названием «Персики и груши», что хотя формально и соответствует содержанию композиции, но противоречит названию картины в каталоге выставки 1960 года, а также дублирует название другой работы — «Персики и груши», датированной 1956 годом и большего размера (94 х 151 см), показанной тремя годами ранее на юбилейной выставке 1957 года в Русском музее.

Биография и сюжет

Биография кукольного мальчика, влюбленного в синеволосую девочку, в сказке представлена нескрупулезно. Этот герой, хоть и полюбился публике, все-таки является второстепенным персонажем. Сюжет произведения «Золотой ключик, или Приключения Буратино» рассказывает о деревянной марионетке с длинным носом, которую выстругал папа Карло, а Пьеро фигурирует далеко не в первой главе произведения.

Буратино и Папа Карло

Начало повествования мало чем отличается от «Пиноккио». Старый столяр Джузеппе по прозвищу «Сизый Нос» решил соорудить ножку для столика, но, когда он коснулся топором полена, то слабо взвизгнуло человеческим голосом.

Изумленный старик решил больше не связываться с этим колдовским предметом и отдал деревяшку своему приятелю-шарманщику. Карло сделал из полена куклу, которая чудесным образом ожила. Первоначально отношения папы Карло и его «сына» не заладились, но в конечном итоге, помня совет Сверчка, мальчик согласился выучить азбуку и пойти в школу. Буратино хотел выполнить свое обещание, но его очаровала музыка, которая слышалась из кукольного театра.

Пьеро, Буратино и Арлекино

Таким образом, Буратино попал в переделку и оказался подвешенным на дереве, а неподалеку стоял домик, где жила девочка с голубыми волосами Мальвина, в которую влюблен Пьеро. Эта девочка сбежала из кукольного театра, потому что Карабас-Барабас грубо обращался со своими подчиненными.

Пьеро и Мальвина

Буратино встретил грустного мальчика, когда убежал из Страны Дураков. Оказывается, меланхоличный герой тоже втайне покинул убежище кукольного узурпатора. Пьеро случайным образом подслушал беседу хозяина театра и его приятеля Дуремара, торговца пиявками. Друзья разговаривали о золотом ключике, но, когда узнали, что белоснежная кукла с нарисованными бровями подслушивает, натравили на него двух бульдогов. Пьеро чудом удалось спастись и ускакать верхом на зайце.

Пьеро на сцене

После того, как герой произведения избавился от оков Карабаса-Барабаса, он возжелал найти свою возлюбленную Мальвину и попросил Буратино помочь ему. Сын папы Карло привел приятеля к деревянному домику, где жила девочка с голубыми волосами. Не успел Пьеро обрадоваться долгожданной встрече, как ребята тут же узнали, что за ними продолжается погоня.

Куклы не раз еще сталкивались со злодеями: Карабасом-Барабасом, Дуремаром, лисой Алисой и котом Базилио. Но, к счастью, когда театральные актеры были окружены антагонистами, на помощь поспел папа Карло и забрал всех кукол к себе в каморку.

Персики и груши

Персики и груши почти так же прекрасны, как и яблоки. Они не двигаются. Сезанн не ловил мгновенных движений, не позволял своим моделям шевелиться, не ждал внезапно упавшего луча света, чтобы поймать момент и изобразить его. Сезанн часами мог ждать, когда объект (будь то яблоко, гора, кувшин или человек) станет таким, каким он его задумал. Накладывал несколько мазков и ждал дальше. Делал до сотни подходов к одной картине. И если все равно, что писать — дверь или человеческую голову — то всегда лучше писать яблоки или персики. Сезанн написал больше 200 натюрмортов с вазами, часами, черепами, гипсовыми купидонами, цветами, сахарницами, кувшинами. И почти всегда с фруктами. Гоген говорил, например, что писал натюрморты, когда уставал. Эдуар Мане начал писать небольшие картины с фруктами и цветами к концу жизни, когда болел и не справлялся с большими полотнами. Сезанн открыл натюрморт заново.

«Ухватиться за предмет. Предметы служат нам опорой. Сахарница позволяет нам открыть в себе и в творчестве ничуть не меньше, чем работы Шардена и Монтичелли. Людям кажется, что сахарница безлика, бездушна. Но она тоже меняется день ото дня. Надо знать подход к этой братии, уметь ее увещевать», — говорил Сезанн. И «увещевать сахарницу» можно считать иносказанием у кого угодно, но не у него. Он всерьез ищет душу яблока и характер кувшина. Почти каждый художник, пришедший вслед за Сезанном творить современное искусство однажды говорил: цвет у него не является наружным обозначением, он непостижимым образом исходит изнутри предмета.

Прежде чем приступить к написанию натюрморта, Сезанн долго размещал предметы на столе. Чтобы развернуть или приподнять, он подкладывал под фрукты монетки в один су. Закладывал монументальные, похожие на горную гряду, складки на скатерти. Каждый предмет, предназначенный для натюрморта, у Сезанна прав. В какой-то момент обсуждений и оцениваний критики вдруг поняли, что художник не стоял на одном месте, когда писал. Он отходил от холста, увещевая то хрупкую сахарницу, то крепкое яблоко, то податливый, глуховатый персик. Предметы написаны с разных точек зрения — с тех необходимых для постижения предмета позиций, которые Сезанн выбрал.

Задний план в его картинах почти всегда вздыбливается (будь то пейзаж или натюрморт), растягивая и углубляя средний. Пространство растягивается, подставляя для обзора все, что мы хотели бы увидеть, если бы могли обойти стол по кругу вместе с Сезанном. Он не против — он дает заглянуть в кувшин и рассмотреть, устойчиво ли на полу приземлилась вешалка.

По отдельности находясь под постоянной угрозой осыпаться в пропасть переднего плана, эти персики целую вечность остаются на месте, поддаваясь волшебной способности Сезанна уравновесить накренившуюся композицию.

О том, как Сезанн разыгрывал трагедии между персиками и кувшином, говорил арт-критик Роджер Фрай:

«Он охотно принимает даже самые заурядные ситуации, расположение предметов, характерное для обыденной жизни

И хотя драматичность описания не является его целью и было бы глупо рассуждать о трагедии его фруктовых блюд, корзин с овощами, яблок, рассыпанных по столу, тем не менее подобные сцены, написанные его кистью, оставляют впечатление событий огромной важности. И даже если такие эпитеты, как «драматичный», «угрожающий», «величественный» или «лиричный», не слишком сочетаются с натюрмортами Сезанна, мы не можем не почувствовать, что они вызывают эмоции, удивительным образом напоминающие нам эти душевные состояния

Мы не можем назвать эти картины трагичными, лиричными и так далее не из-за недостатка эмоций, а вследствие метода исключения и концентрации. Они представляют собой трагедии, лишенные трагических обстоятельств».

Неоцененный талант

Однако не смотря на перемены, общество все еще не принимало молодого художника. Его картины были лишены плановой композиции и всегда сливались в одно сплошное цветовое пятно. Вопреки сильной поддержке со стороны других более успешных у публики постимпрессионистов, художник оставался в тени.

Несмотря на необычную манеру исполнения отдаленно напоминавшую реализм, Сезанн был яростным противником декоративного изображения реально существующих предметов. Он абсолютно полностью отрицал Ван Гога и Гогена как художников считая их работы детскими. Манера подачи Сезанном пейзажа была уникальна в своем роде в ней можно было разглядеть первые ростки кубизма.

Пейзаж с виадуком, гора Сент-ВиктуарВ 1895 году после большой выставки, организованной сугубо для работ Сезанна, на него обратили внимание несколько молодых рисовальщиков которые захотели быть его учениками. Это событие можно назвать первым достаточно большим прорывом в признании художника обществом

Аудитория все еще не воспринимала его живопись как продукт высшего качества, который хоть в какой-то мере заслуживает проявления восхищения. В 1897 году художник потерял мать, хоть они и не были близки, он скорбел по ней и некоторое время не брал в руки кисть. После легкого и беззаботного образа жизни, который она вела, за ней тянулся длинный шлейф различных задолженностей. Чтобы погасить все долги художнику пришлось продать одну из самых популярных на тот момент картин «Жа де Буффан».

Краткая биография

После ухода из университета Поль начал изучать художественное мастерство дома, в специально оборудованной для этого мастерской. Уроки ему давал местный художник Жозеф Жибер.
В 1861 г. после долгих уговоров отец отпустил молодого человека в Париж, где тот поступил в Академию Сюиса. Впечатлённый работами столичных художников, он начал искать свой собственный стиль. Юноша часто посещал Лувр, особенно восхищаясь работами Делакруа.
Через несколько месяцев сомневающийся в собственном таланте Поль вернулся в родной город и даже недолго поработал в банке отца, но затем снова уехал в Париж. Картины начинающего живописца успехом не пользовались, но Сезанн продолжал усердно трудиться. В столице его поддерживал друг Эмиль Золя, а также художник Камиль Писсаро, сумевший разглядеть талант в смелых картинах молодого человека.
Позднее Сезанн сделал попытку поступить в престижную школу искусств Эколь-де-Бозар, но его работы сочли «слишком буйными».
В 1864 г. молодой художник предложил несколько своих работ для выставки в Салоне, но комиссия их отвергла. С упорным постоянством Поль ежегодно предлагал Салону картины, получая отказ за отказом.
Из Парижа художник часто приезжал в Экс, в родительский дом. Он зависел от отца материально и боялся его. Этот страх ощущается в картине «Портрет Луи-Огюста», написанной в 1866 г.
Ранние картины Сезанна были очень эмоциональными, полными мрачных красок и сюжетов. Например, «Натюрморт с хлебом и яйцами» 1875 г., «Вскрытие» 1869 г., «Тающий снег в Эстаке» 1870 г. и др.
Последовав совету Писсаро, Сезанн с семьёй в 1872 г. перебрался в небольшой живописный город Понтуаз. Там художник под влиянием старшего товарища начал писать в импрессионистской манере, его палитра стала светлее, мазки легче.
В 1874 г. состоялась первая выставка импрессионистов, участие в которой принял и Сезанн с картинами «Новая Олимпия», «Дом повешенного» и несколькими пейзажами. Выставка вызвала настоящий скандал и шквал критических статей в прессе.
В 1877 году Сезанн представил несколько работ на Третьей выставке импрессионистов. К ней он написал портрет коллекционера Виктора Шоке, одного из первых почитателей нового художественного направления.
В 1880 г. художник гостил у Золя. Тогда он написал известную картину «Замок Меданн».
В последующие годы живописец много работал, постоянно совершенствуя свой стиль и технику, но продолжал оставаться не известным широкой публике.
В 1886 г. резко оборвалась дружба Сезанна и Эмиля Золя. В этом году был издан роман уже ставшего знаменитым Золя под названием «Творчество». Образ главного героя книги – художника-неудачника – был списан писателем с друга. Поль был оскорблён до глубины души, и с тех пор бывшие друзья перестали общаться. Эта книга также была встречена критически всеми импрессионистами.
В том же году скончался отец живописца, оставив сыну хорошее наследство. Поль, не обеспокоенный больше своим материальным положением, смог с удвоенной силой отдаться творчеству. Он уединился в своей студии в родительском доме.
Живя в Эксе, Сезанн множество раз пишет знакомый с детства вид на гору Сент-Виктуар, стремясь ухватить и передать на полотне истинную сущность горы. Одной из самых известных работ с этим видом стал пейзаж, созданный в 1887 г.
В 1890 г. художник написал портрет горячо любимого сына.
В том же году по заказу Виктора Шоке была написана картина на театральную тематику «Пьеро и Арлекин», для которой художнику позировал сын и его друг.
В 1892-1896 гг. была написана серия картин «Игроки в карты».
Признание к живописцу пришло только в 1895 г., когда его полотнами заинтересовался известный торговец произведениями искусства Амбруаз Воллар. Он организовал в Париже первую персональную выставку художника, представив публике около 150 его картин. У Сезанна появилось множество поклонников – начинающих художников.
В 1897 г., после смерти матери, художник был вынужден продать отцовское поместье и переселиться на съёмную квартиру.
В 1901 г. он приобрёл участок земли в Эксе и организовал там студию.
К наиболее известным картинам Сезанна 1900-х гг. относятся: «Натюрморт с яблоками и апельсинами», «Дорога у горы Св. Виктории», «Большие купальщицы».
Одной из последних работ живописца стал акварельный портрет садовника Валье 1906 г.
В середине октября 1906 г. при работе на пленэре художник попал под сильный дождь и простудился.
22 октября 1906 г. Поль Сезанн скончался от воспаления лёгких.

Автопортрет (1890)

Поль Сезанн картины

Натюрморты


Яблоки	Яблоки и салфетка	Яблоки, груши и виноград	Букет цветов


Ваза, стакан и яблоки	Натюрморт тёмно-синей вазой	Натюрморт Блюдо с яблоками	Цветы и фрукты


Цветы в голубой вазе	Цветы в оливковой вазе	Цветы в вазе	Четыре яблока


Горшок с цветами 1876г	Кувшин, чашка и яблоки	Натюрморт	Яблоки и стакан


Чаша и молочник 1877г	Хлеб и нога ягнёнка 1866г	Фаянсовая ваза с цветами 1874г	Чаша, бокал и фрукты 1871г


Натюрморт с яблоками 1879г	Натюрморт Яблоки и бисквит 1877г	Яблоки, молочник и скатерть 1880г	Натюрморт с фруктами 1880г


Натюрморт с зелёным горшком и оловянным кувшином 1870г	Натюрморт с итальянской вазой 1874г	Натюрморт с открытым ящиком 1879г	Натюрморт с семью яблоками 1878г


Череп, свеча и книга 1866г	Часы из чёрного мрамора 1870г	Буфет 1877г	Три груши 1879г


Цветы в вазе. 1882г	Натюрморт с яблоками и чашей с фруктами. 1882г	Натюрморт с супницей. 1884г	Ваза с фруктами, кувшин и фрукты. 1894г


Натюрморт Яблоки и груши. 1887г	Натюрморт цветы в вазе. 1888г	Натюрморт блюдо и фрукты. 1887г	Натюрморт с комодом. 1887г


Натюрморт с драпировкой, кувшином и фруктами. 1894г	Натюрморт Блюдо персиков. 1894г	Натюрморт Фрукты и кувшин на столе. 1894г	Натюрморт Чаша с фруктами, кувшин и фрукты. 1894г


Натюрморт с бытылкой рома. 1890г	Натюрморт с кувшином и фруктами на столе. 1894г	Натюрморт с кувшином и фруктами. 1894г	Натюрморт Тюльпаны и яблоки. 1894г


Натюрморт Имбирь, кувшин и баклажаны. 1894г	Натюрморт с яблоками. 1890г	Натюрморт с яблоками и чашкой. 1894г	Натюрморт с яблоками и сахарницей. 1894г


Натюрморт с корзиной. 1890г	Натюрморт с цветами и фруктами. 1890г	Натюрморт с кустом герани и фруктами. 1894г	Натюрморт с гранатом и грушами. 1890г


Натюрморт с гранатом и грушами. 1893г	Натюрморт с сахарницей. 1890г	Натюрморт с кувшином для воды. 1893г	Натюрморт Сахарница, груши и скатерть. 1894г


Натюрморт с бутылкой и корзиной яблок. 1894г	Натюрморт с драпировкой. 1895г	Натюрморт с фруктами и банкой имбиря. 1894г	Натюрморт с фигуркой Купидона. 1895г


Натюрморт с гипсовым Купидоном. 1895г	Натюрморт с красным луком. 1898г	Натюрморт с черепом. 1898г	Тюльпаны в вазе. 1892г


Хризантемы. 1898г	Горшок для имбиря. 1895г	Пирамида из черепов. 1900г	Бутылка мятного ликёра. 1895г


Натюрморт с яблоками, бутылкой и креслом позади. 1902г	Натюрморт Ваза с цветами. 1903г	Натюрморт Яблоки, бутылка и молочник. 1904г	Натюрморт с голубым горшком. 1900г


Натюрморт с вазой для цветов. 1905г	Натюрморт с апельсинами. 1900г	Натюрморт Скатерть и фрукты. 1900г	Натюрморт с тремя черепами. 1903г


Две вазы с цветами 1877г	Натюрморт с тремя черепами. 1900г	Натюрморт Три черепа на ковре с рисунком. 1900г	Натюрморт Ваза с цветами.


Натюрморт с чашей фруктов и яблоками.	Натюрморт с бутылками и яблоками.	Натюрморт с графином, сахарницей,бутылкой, гранатами и арбузом.	Натюрморт с зелёной дыней. 1906г


Натюрморт Георгины в вазе из делфтского фарфора .	Натюрморт Горшок с цветами на столе.	Натюрморт с грушами и персиками.	Натюрморт с персиками, сахарницей и банкой имбиря перед комодом.

[править] Ссылки

Художник Виктор Кузьмич Тетерин (1922—1991). Живопись 1950-1980-х годов.

Artist Victor Kuzmich Teterin (1921—1991)
Выставка работ художника Виктора Тетерина в петербургской галерее АРКА

Картины Виктора Кузьмича Тетерина (1922-1991)

«У Казанского собора» (1949) • «Белая ночь на канале Грибоедова» (1950) • «Жатва» (1950) • «Портрет Евгении Антиповой» (1954) • «Дорожные строители» (1958) • «Персики на круглом столе. Натюрморт» (1958) • «Дорожные работы» (1958) • «Рабочий паренёк» (1958) • «Уголок мастерской» (1962) • «Айва и чайник» (1966) • «Садовник и цветы» (1968) • «Средняя Подьяческая улица» (1969) • «Девушка в лиловом» (1979) • «Цветущий миндаль на фоне моря» (1981) • «Туалет» (1982) • «Яблоко, бутылка и лукошко» (1983) • «Берег моря в Гурзуфе» (1986)

Галерея искусства Европы и Америки в Москве. 7 картин, которые стоит увидеть

Это статья для тех, кто собирается в Пушкинский музей НЕ в первый раз. Вы уже видели самые главные шедевры Галереи искусств стран Европы и Америки (которая является частью Пушкинского музея и находится в отдельном здании на Волхонке, 14 в Москве). И “Голубых танцовщиц” Дега. И “Жанну Самари” Ренуара. И знаменитые “Кувшинки” Моне.

Теперь пришло время изучить коллекцию поглубже. И обратить внимания на менее раскрученные шедевры. Но все же шедевры. Все тех же великих художников.

И даже тех, кого в первое посещение музея вы обошли стороной. Вряд ли вы тогда остановились перед “Девушками на мосту” Эдварда Мунка. Или “Джунглями” Анри Руссо. Познакомимся и с ними поближе.

Франсиско Гойя. Карнавал. 1810-1820 гг

Франсиско Гойя. Карнавал. 1810-1820 гг. Галерея искусства стран Европы и Америки 19-20 вв. (ГМИИ им. А. С. Пушкина), г. Москва

В России хранится лишь три картины Франсиско Гойи. Две из них – в Пушкинском музее (Третья картина, “Портрет актрисы Антонии Сарате” – в Эрмитаже. Поэтому стоит рассмотреть одну из них. А именно “Карнавал”.

Она мало известна зарубежом. Однако очень гойевская. В его духе. Зловещая, насмешливая. Карнавал происходит днём. Но такое ощущение, что на картине ночь. Настолько пугающими кажутся “празднующие” люди. Как будто это пьяницы и бандиты под утро вышли дебоширить.

Так, на портрете сына аристократов он изобразил кошек со злыми глазами. Они олицетворяют мировое зло, которое так и норовит завладеть невинной душой ребёнка.